reneszánsz művészet
A reneszánsz korszak művészete Európában (1400-1600 CE) a világ legismertebb és legkedveltebb festményeit és szobrait tartalmazza. A mesterek gyakran képzett mindkét festészet, szobrászat, valamint a tanulás, a művészet, az ókor, beállítja az elméleti matematikai szempontból, illetve, hogy új festés technikák, ők gyártották igazán egyedi műalkotások. A realizmus, a részletesség, a dráma és a finom értelmezési rétegek a vallási és világi művészet jellegzetességei lettek. Most a művészek végre megszabadultak régi kézműves státusuktól, és új pozíciót értek el, mint az általuk élt társadalmak kultúrájának és presztízsének létfontosságú hozzájárulói.
a reneszánsz művészet jellegzetességei a következők:
- a klasszikus művészet alapvető elemeinek, különösen az emberi test formájának és arányainak megragadása iránti érdeklődés.
- a kortárs művészet története iránti érdeklődés és a folyamatos fejlődés útja.
- pogány és vallási ikonográfia keveredése, de középpontjában az emberiség áll.
- a monumentalitásra és a drámai testtartásra való hajlam.
- érdeklődés a néző érzelmi válaszának létrehozása iránt.
- a pontos matematikai perspektíva fejlesztése.
- érdeklődés a hiperrealista és részletes portrék, jelenetek és tájképek iránt.
- érdeklődés a világos színek, az árnyék és a fény hatásainak megragadása iránt.
- az olajfestékek és finomnyomatok használatának fejlődése.
- a finom formák és a mindennapi tárgyak használata extra jelentéssel bír.
- a művészek, mint kiváló kézművesek presztízsének növekedése, akik az intellektuális tanulmányokat gyakorlati készségekkel kombinálták.
középkori eredet
korábban azt hitték, hogy a reneszánsz művészet a semmiből bukkant elő az ötletek és tehetségek csodálatos újjászületésében, de a modern történészek vizsgálata kimutatta,hogy a reneszánsz művészet számos elemével kísérleteztek a 14. században. Az olyan művészek, mint Giotto (d. 1337 CE), arra törekedtek, hogy festményeiket reálisabbá tegyék, ezért foreshorteninget használtak, hogy mélységet érezzenek egy jelenethez. Giotto használata kicsavarodott, fény, árnyék, érzelem, dinamikus választás a jelenetek lehet a legjobban látható, hogy a vallásos freskókat, a Scrovegni-Kápolna, Padova (c. 1315 CE). Ezek a technikák, valamint a művész sikere abban, hogy a karakterek életre keljenek, óriási hatással lenne a későbbi művészekre. Emiatt Giotto gyakran nevezik az “első reneszánsz festő” akkor is, ha élt, mielőtt a reneszánsz megfelelő.
hirdetés
a gazdag mecénások voltak a reneszánsz művészet hajtóereje abban az időszakban, amikor a művészi alkotások túlnyomó többsége megbízásra készült. A reneszánsz első részében az egyházak voltak a rendszer szokásos kedvezményezettjei. Az oltárképekre és freskókra festett panelek voltak a művészi díszítés leggyakoribb formái, gyakran a sacra conversazione, azaz a szentek és jómódúak által körülvett Szűz és gyermek ábrázolása. A több méter magas monumentális oltárképeket gyakran díszítették, hogy utánozzák az építészet kortárs fejleményeit. A leghíresebb oltárkép az összes a 1432 CE Ghent oltárkép Jan van Eyck (c. 1390-1441 CE). A korai reneszánsz témák tehát nagyon hasonlítanak a középkorban népszerűekhez. Privát mecénások, mint a Pápák, a Szent Római Császárok, királyok meg hercegek látta, hogy minden a javára szépítő a városok, paloták, de ők is nagyon érdekel egyre hírnevét jámborság, valamint a tudás, a művészetek, történelem. Miután a Mecénás talált egy művész tetszett nekik, gyakran alkalmazzák őket hosszú távú, mint a hivatalos bíróság művész, amelyben őket mindenféle feladatok portrék festés design. A mecénások fizettek, így gyakran konkrét kéréseket tettek egy műalkotás részleteiről. Továbbá, bár egy művész felhasználhatta tudását és képzelőerejét, a konvenció keretein belül kellett maradniuk, hogy munkájukban a számokat el kellett ismerni, hogy kik voltak. Például nem volt jó egy szent életének freskóját készíteni, ha senki sem ismerte fel, ki az a Szent. Emiatt a művészet fejlődése viszonylag lassú volt, de mivel egyes művészek nagy hírnevet szereztek, így új ötleteket tudtak kidolgozni a művészetben, és megkülönböztethetővé tették azt a korábbiaktól. a reneszánsz korszak meghatározó vonása a görög és római ókori világ iránti érdeklődés volt. Az úgynevezett reneszánsz humanizmus részeként a klasszikus irodalmat, az építészetet és a művészetet is felkérték, hogy olyan ötleteket gyűjtsenek, amelyek átalakíthatók a kortárs világ számára. Lorenzo de Medici (1449-1492 CE), a nagy firenzei család vezetője figyelemre méltó védőszentje volt, ősi műalkotások gyűjteménye sok művész számára tanulmányi pont volt. A fiatal művészek, akik a megalapozott mesterek műhelyeiben képzettek, szintén hozzáférhettek az ősi művészethez, vagy legalábbis reprodukciós rajzokhoz. iratkozzon fel heti e-mail hírlevelünkre! a művészek közvetlenül utánozták a klasszikus alkotásokat vagy azok részeit saját műveikben. 1496-ban például Michelangelo (1475-1564 CE) megformálta az alvó Ámort (most Elveszett), amelyet szándékosan öregített, hogy hiteles ősi műnek tűnjön. Az ókor másik rekreációja, ezúttal egy teljesen képzeletbeli, Az athéni freskó iskolája Raphael (1483-1520 CE). Az 1511-ben elkészült, a Vatikánban található freskó Az ókori világ összes főbb gondolkodóját mutatja be. A klasszikus mitológiából származó közös képek különösen népszerűek voltak. Ezeket ismét újragondolták, és bizonyos esetekben még az ősi művészetet is felülmúlták a fejünkben, amikor bizonyos témákra gondolunk. A Venus születése (c. 1484 CE, Uffizi Galéria, Firenze) Sandro Botticelli (1445-1510 CE), egy olyan eset, pont. Végül az ókori építészet és romok ábrázolása sok reneszánsz művész egyik kedvence volt, akik mind mitológiai, mind vallási műveik hátterét adták. egy másik új fejlemény a művészettörténet rekonstruálása és katalogizálása volt, akik pontosan a nagy művészek voltak, és miért. A leghíresebb tudós, hogy össze egy ilyen történelem volt Giorgio Vasari (1511-1574 CE) életében a legkiválóbb olasz építészek, festők, szobrászok (1550 CE, felülvizsgált 1568 CE). A történelem a reneszánsz művészek monumentális feljegyzései, műveik, a hozzájuk kapcsolódó anekdotikus történetek, így Vasarit a művészettörténet egyik úttörőjének tekintik. A művészek is részesültek abban, hogy különleges életrajzokat írtak életükről és műveikről, még akkor is, amikor még éltek, mint például Michelangelo 1553-as élete, írta Ascanio Condivi (1525-1574 CE). A művészek szövegeket is írtak a technikákról mások javára, a legkorábbi Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE) kommentárjai, kb. Mivel a kommentárok Ghiberti saját életének és műveinek részleteit tartalmazzák, ez egyben egy európai művész első önéletrajza is. Ez az érdeklődés a Reneszánsz művészek, a privát életüket, hogyan jöttek létre remekművek tükrözi a magas státusz most élveztem. A művészeket még mindig kézműveseknek tekintették, mint a cipészeket és az ácsokat, és kénytelenek voltak csatlakozni egy kereskedelmi céhhez. Ez a reneszánsz idején megváltozott. A művészek nyilvánvalóan különböztek a többi kézművestől, mert széles körű hírnevet szerezhettek műveikért,és polgáraik polgári büszkeségét kelthették. Azonban az olyan festők szellemi törekvései, mint Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) és Albrecht Dürer (1471-1528 CE), végül a festőket “művészek” státusára emelték, amelyet korábban azokra korlátoztak, akik a hagyományos liberális művészeteket tanulmányozták, mint például a Latin és a retorika. A művészek nagy érdeklődést tanúsítottak a művészettörténet tanulmányozása iránt, ami máshol a művészeti világban folyik, értekezéseket írtak a mesterségükről, és matematikai szempontból kísérleteket végeztek. Mindezek a dolgok emelt művészet a tudomány. a reneszánsz művészek egy másik meghatározó jellemzője, különösen a nagy reneszánszhoz tartozók (1490-1527 CE) rendkívüli képességük a különféle médiában. Az olyan figurák, mint Michelangelo és Leonardo, ugyanolyan művelt festők voltak, mint szobrászok, és mindketten, mint sok más mester, az építészet felé fordították a kezüket. Az ilyen sikeres mesterek nagy műhelyeket működtettek, ezek a művészek következő generációjának képzési területei voltak. készségeikbe, ismereteikbe és általában a kultúrához való hozzájárulásukba vetett nagyobb bizalom látható az önarcképeket festő művészek egyre növekvő számában. Egy másik tünet a műalkotások gyakori aláírása volt, néha a kép nagyon kiemelkedő részein (még akkor is, ha a mester műhelyében az asszisztensek gyakran befejezték a munkákat). Reneszánsz festők sokoldalú gyakran kísérletezett, de általában, mint a Reneszánsz viselt egy használták a freskó technika falak, tempera, a panelek, illetve olaj panelek vagy vászon. Freskófestés-nedves gipsz háttéren – és tempera-tojássárgájával kevert pigmentek felhasználásával – mindkét technikát jóval a reneszánsz korszak előtt alkalmazták. A kísérleteket azonban olajfestékekkel (lenmag-vagy dióolajjal kevert pigmentek) végezték, amelyek gazdagabb színeket, szélesebb tónustartományt és nagyobb mélységet adtak, mint a hagyományos színek. Az olajok lehetővé tették a festmény további részleteinek bemutatását, és lehetővé tették, hogy az ecsetvonások vizuális hatássá váljanak. A 15. század végére CE, akkor, a legtöbb nagy művész olajokat használt, amikor egy festőállványon dolgozott, nem tempera. Az olajok hátránya az volt, hogy gyorsan romlottak, ha a falakon használják a valódi freskó helyett. az Ön segítségével ingyenes tartalmat hozunk létre, amely segít emberek millióinak megtanulni a történelmet a világ minden tájáról. legyen tag különböző festési stílusok és technikák voltak a helytől függően. Például a colore (vagy colorito) technika elterjedt Velencében (ahol kontrasztos színeket használtak a harmonikus kompozíció kialakításához és meghatározásához), míg a disegno-t Firenzében részesítették előnyben (ahol a forma vonalrajz elsőbbséget élvezett). A reneszánsz művészek által tökéletesített egyéb technikák közé tartozik a chiaroscuro (a fény és az árnyék kontrasztos használata) és a sfumato (a világosabb sötétebb színekre való áttérés). a festmény tárgya újabb kísérletezési lehetőség volt. A drámai pózokkal rendelkező festményfigurák reneszánsz divattá váltak, a legjobban Michelangelo Sixtus-kápolnájának mennyezetén látható Rómában (1512 CE). Hatalmas mozgásérzetet teremt a művész kontrapposto alkalmazása, azaz a figurák felső és alsó teste közötti aszimmetria, Leonardo és még sokan mások által használt technika. Egy másik ötlet az volt, hogy formákat hozzon létre egy jelenetben, különösen a háromszögekben. Ennek az volt a célja, hogy harmonikus kompozíciót hozzon létre, és további mélységet adjon, amint az Leonardo Utolsó Vacsora freskójában látható a milánói Santa Maria delle Grazie-ban (c. 1498 CE) vagy a Galatea által Raphael (c. 1513 CE, Villa Farnesina, Róma). a Művészek igyekeztek egy valaha-nagyobb realitásérzékkel a festmények, ez lehet tenni a lejátszó a perspektívát, azt várnánk, hogy egy három-dimenziós nézetben. Andrea Mantegna (KR. 1431-1506 CE) a foreshortening technikáit ugyanúgy használták, mint Giotto. Lásd az Agónia a kertben (c. 1460 CE, Nemzeti Galéria, London). Mantegna is szívesen festette jeleneteit, mintha alulról néznék őket, egy másik trükk, amely mélységet adott a munkájának. Néha mélységet értek el a festmény közepén, míg a figurák uralták az előtérben, közelebb hozva őket a nézőhöz. Pietro Perugino (I. E.1450-1523) által kifejlesztett technika volt, amely a Szűz házasságában (i. sz. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milánó) Raphael, egyszer egy tanuló Perugino. eközben az olyan festők, mint Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE), tovább mentek, és a perspektíva pontos matematikai elveit alkalmazták, amint az Krisztus megjelölésében látható, (C. 1455 CE, Marche Nemzeti Galériája, Urbino). Egyes kritikusok úgy érezték, hogy néhány művész túl messzire ment a perspektíva használatában, így festményük eredeti értelme elveszett; Paolo Uccello (1397-1475 CE) volt ennek az állításnak a különös áldozata. Uccello a vadászat (KR. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford), minden bizonnyal egy merész festmény, panorámás kilátással egy szimmetrikus erdő távolodik egyre sötétebb háttér, míg az előtérben uralja a vadászok, valamint a kutyákat, minden közeledik felé egy távoli központi pont. egy másik lépés a nagyobb valóság felé annak biztosítása volt, hogy a jelenet egyetlen fényforrással rendelkezzen, amely a festmény minden elemében megfelelő árnyékterületeket biztosít. Lásd például Giovanni Bellini 1480-as EKSZTÁZISÁT (Frick Collection, New York) (CE. 1430-1516). A művészek még trükköket is kezdtek játszani a nézőn, mint például a tükör Jan van Eyck Arnolfini esküvői portréjában (1434 CE, Nemzeti Galéria, London), amely olyan figurák tükröződését mutatja, akiknek a néző mellett kell állniuk. Mindezen technikáknak további előnye volt, hogy “wow-tényezőt” hoztak létre a nézőktől, akik nem szoktak ilyen újításokat látni. a reneszánsz festők egy másik jelentést akartak hozzáadni munkájukhoz, mint a vizuális első benyomás. Mitológiai jelenetek gyakran tele szimbolizmus, azt jelentette, hogy rendezze ki a jól képzett néző a kevésbé. Titian (c. 1487-1576 CE) még mitológiai festményeit a költészet egyik formájaként írta le, amit poesia-nak nevezett, ilyen volt a klasszikus referenciák sűrűsége bennük. Lásd például az ő Bacchus és Ariadne (c. 1523 CE, National Gallery, London). / p > portraiture volt egy másik terület, ahol a reneszánsz művészek kitűnt. A leghíresebb példa Leonardo Mona Lisa (c. 1506 CE, Louvre, Párizs), amely egy azonosítatlan nőt mutat. Leonardo nemcsak hasonlóságot festett, hanem megragadta a sitter hangulatát is. A kontúrok, a perspektíva és a színárnyalatok együttesen adják a kép életét. Továbbá a hölgy alkalmi testtartása és háromnegyedes nézete egy újabb utalás a mozgásra. Ez a festmény óriási hatással volt a portrékra. Egy másik fejlemény az volt, hogy a mindennapi tárgyakat portrékban használták fel, hogy utaljanak a sitter karakterére, hiedelmeire és érdekeire. A holland festők a realisztikus portrék különleges mesterei voltak, ötleteik Olaszországba terjedtek, ahol például Piero della Francesca munkájában láthatók, nevezetesen Federico da Montefeltro, Urbino hercegének festményében (CE, Uffizi, Firenze). bár sok vallási témák továbbra is népszerű a szobor, mint a Pietáját – Szűz Mária gyász, a Jézus Krisztus testének – hagyományos ikonográfia hamarosan adta, hogy több innovatív kezelések. Donatello (KR. 1386-1466 CE), például, kísérletezett feláldozása technika és befejezni, hogy rögzítse az érzelem egy alak, a stratégia legjobban látható az ő FA Mária Magdolna (c. 1446 CE, Museo dell ‘ Opera del Duomo, Firenze). a klasszikus revival fűrész szobrászok létre saját változatai ősi számok fa, kő, bronz. A leghíresebb Michelangelo Dávid (1504 CE, Galleria dell ‘ Accademia, Firenze). A bibliai királyt ábrázolva, aki ifjúkorában híresen megölte az óriás Góliát, a márvány alak sokkal nagyobb, mint az életnagyság, körülbelül 5, 20 méter (17 láb) magas. Az ókori Hercules kolosszális szobraira emlékeztet, de az alak feszültsége és alaposan eltökélt arca reneszánsz találmány. Donatello termelt a változata David bronz (1420s vagy 1440s CE, Bargello, Firenze), s ez a munka egy másik drámai eltérést ősi szobor. A testtartás olyan érzéki alakot hoz létre, amelyet az ókorban nem lehetett előállítani. Mind Michelangelo, mind Donatello Dávidja emlékeztet a művészet és a funkció szoros kapcsolatára a reneszánsz idején. Dávid megjelent a hivatalos pecsét Firenze, és mint a gyilkos Góliát, ez egy időben emlékeztető A Firenzei küzdelmek ellen a rivális város Milan. a szobrászathoz kapcsolódó művészet gravírozás volt. Donatello ismét részt vett itt, kiváló alacsony dombormű bronz paneleket készített Sienna keresztelőkápolnájához és több firenzei templomhoz. A technika faragás egy jelenet egy sekély mélységben még mindig elérve egyfajta perspektíva volt az úgynevezett “lapított megkönnyebbülés” vagy rilievo schiacciato. Egy nagyon Más technika volt, hogy hozzon létre fém panelek számok olyan nagy megkönnyebbülés, hogy szinte a kerek. Ennek a technikának a leghíresebb példája Lorenzo Ghiberti “Paradicsom kapuja”, a San Giovanni firenzei Keresztelőkápolnájának ajtaja (1452-ben fejeződött be). Az ajtókhoz rögzített aranyozott panelek bibliai jeleneteket mutatnak, sőt maga Ghiberti mellszobra is. 1420-tól a fametszetekből készült nyomatok népszerűek voltak,de az 1470-es évekből származó rézlemezek gravírozása valóban valódi művészeti formává vált. A rézlemezek sokkal nagyobb pontosságot és részletességet adtak. Mantegna és Dürer két neves szakértő volt ebben, metszeteik rendkívül gyűjthetővé váltak. A legsikeresebb nyomdász Marcantonio Raimondi (1480-1534) volt, és a képzőművészet nyomatai segítettek az ötletek terjesztésében Észak-Európában és fordítva. a művészet gyűjtése a gazdagok hobbija lett, de ahogy a középosztályok gazdagabbá váltak, így ők is megszerezhették a művészetet, bár nem annyira nagyszerűek. Az olyan műhelyek, mint a Ghiberti által üzemeltetett műhelyek, nem pontosan a művészet tömeggyártását kezdték el, hanem legalább egy meglévő katalógusból vett szabványosított elemeket alkalmaztak. Röviden: a művészet már nem korlátozódott a gazdagokra, és azok számára, akik még mindig nem engedhetik meg maguknak az eredetiket, mindig ujjlenyomatokat vásárolhattak. A nyomatok a művészek hírnevét is széles körben terjesztik. A művészeti piac bővülésének köszönhetően a mesterek szabadon készíthettek művészetet, ahogy azt gondolták, nem pedig védőszentként. a reneszánsz művészet folyamatosan fejlődött. A manierizmus, például, egy homályos kifejezés, amely eredetileg a különös módon eltérő művészetre utalt, amely a nagy reneszánsz után jött. A manierizmus ezután pozitívabb értelmet szerzett : a stílus, az üzenet kétértelműsége,a kontraszt, és általában a korábbi reneszánsz művészek által meghatározott technikákkal és szabványosításokkal játszott. Lásd például a 1548 CE csoda Szent Márk megmentése Rabszolga Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Velence). A Manierizmusból az európai művészet következő jelentős stílusa, a rendkívül dekoratív Barokk, amely a reneszánsz művészet gazdag színeit, finom részleteit és energikus pózait a lenyűgöző dráma és dekoráció ÚJ szélsőségévé tette. 
hirdetés
A Klasszikus újjászületés
A művészek megnövekedett státusza
hirdetés
Festmény & Új Technikák
támogassa Nonprofit szervezetünket
hirdetés
Hirdetés
Szobor & Törés a Klasszikus Penész
A reneszánsz művészet Öröksége
Leave a Reply