Arte Renacentista
El arte del período renacentista en Europa (1400-1600 d. C.) incluye algunas de las pinturas y esculturas más reconocidas y queridas del mundo. Los maestros a menudo eran expertos en pintura y escultura, y al estudiar el arte de la antigüedad y agregar sus conocimientos teóricos de perspectiva matemática y nuevas técnicas de pintura, produjeron obras de arte verdaderamente únicas. El realismo, el detalle, el drama y las capas sutiles de significado se convirtieron en características del arte religioso y secular. Ahora, los artistas finalmente se liberaron de su antiguo estatus de artesanos y alcanzaron una nueva posición como contribuyentes vitales a la cultura y el prestigio de las sociedades en las que vivían.
Las características definitorias del arte renacentista incluyen:
- un interés en capturar los elementos esenciales del arte clásico, particularmente la forma y las proporciones del cuerpo humano.
- un interés por la historia del arte contemporáneo y forjar un camino continuo de desarrollo.
- una mezcla de iconografía pagana y religiosa, pero con la humanidad como foco.
- una tendencia a la monumentalidad y a las posturas dramáticas.
- un interés en crear una respuesta emocional del espectador.
- el desarrollo de una perspectiva matemática precisa.
- interés en retratos, escenas y paisajes hiperrealistas y detallados.
- interés en el uso de colores brillantes, sombras y captura de los efectos de la luz.
- el desarrollo en el uso de pinturas al óleo y estampados finos.
- el uso de formas sutiles y objetos cotidianos para dar un significado extra.
- un aumento en el prestigio de los artistas como artesanos superiores que combinan estudios intelectuales con habilidades prácticas.
Orígenes medievales
Se solía pensar que el arte renacentista surgió de la nada en un renacimiento milagroso de ideas y talento, pero la investigación de los historiadores modernos ha revelado que muchos elementos del arte renacentista se experimentaban en el siglo XIV. Artistas como Giotto (fallecido en 1337 d. C.) estaban dispuestos a hacer sus pinturas más realistas, por lo que usaron escorzo para dar una sensación de profundidad a una escena. El uso de escorzo, luces y sombras, emoción y elección dinámica de escenas de Giotto se puede ver mejor en sus frescos religiosos en la Capilla de los Scrovegni, Padua (c. 1315 d. C.). Estas técnicas, y el éxito del artista en hacer que los personajes cobraran vida, serían enormemente influyentes en los artistas posteriores. Por esta razón, a Giotto se le conoce a menudo como el «primer pintor renacentista», incluso si vivió antes del Renacimiento propiamente dicho.
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Los clientes adinerados fueron la fuerza impulsora del arte renacentista en un período en el que la gran mayoría de las obras artísticas se hicieron por encargo. Las iglesias fueron los beneficiarios habituales de este sistema en la primera parte del Renacimiento. Los paneles pintados para retablos y frescos eran la forma más común de decoración artística, a menudo mostrando la sacra conversazione, es decir, la Virgen y el Niño rodeados de santos y simpatizantes. Retablos monumentales de varios metros de altura a menudo se enmarcaban elaboradamente para imitar los desarrollos contemporáneos de la arquitectura. El retablo más famoso de todos es el Retablo de Gante de 1432 por Jan van Eyck (c. 1390-1441). Los temas del Renacimiento temprano, entonces, son muy similares a los populares a través de la Edad Media.
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Los mecenas privados como Papas, Emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, reyes y duques vieron el beneficio de embellecer sus ciudades y palacios, pero también estaban muy interesados en ganar una reputación de piedad y un conocimiento de las artes y la historia. Una vez que un mecenas encontraba a un artista que le gustaba, a menudo lo empleaba a largo plazo como su artista oficial de la corte, asignándole todo tipo de tareas, desde retratos hasta diseño de librea. Los clientes pagaban, por lo que a menudo hacían solicitudes específicas sobre los detalles de una obra de arte. Además, aunque un artista podía usar sus habilidades e imaginación, tenía que permanecer dentro de los límites de la convención, ya que las figuras en su trabajo tenían que ser reconocidas por quienes eran. Por ejemplo, no servía de nada hacer un fresco de la vida de un santo si nadie reconocía quién era ese santo. Por esta razón, la evolución en el arte fue relativamente lenta, pero como algunos artistas ganaron gran fama, pudieron desarrollar nuevas ideas en el arte y diferenciarlas de lo que habían pasado antes.
El Renacimiento clásico
Una característica definitoria del período renacentista fue el re-interés en el mundo antiguo de Grecia y Roma. Como parte de lo que ahora llamamos humanismo renacentista, se consultó a la literatura clásica, la arquitectura y el arte para extraer ideas que pudieran transformarse para el mundo contemporáneo. Lorenzo de Medici (1449-1492), cabeza de la gran familia florentina, fue un mecenas notable, y su colección de obras de arte antiguas fue un punto de estudio para muchos artistas. Los artistas jóvenes, que se capacitaban en los talleres de maestros establecidos, también tenían acceso al arte antiguo allí o al menos a dibujos de reproducción.
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los Artistas directamente imitado clásica, obras de arte o partes de ellos dentro de sus propias obras. En 1496 d. C., por ejemplo, Miguel Ángel (1475-1564 d.C.) esculpió el Cupido dormido (ahora perdido) que envejeció a propósito para que pareciera una auténtica obra antigua. Otra recreación de la antigüedad, esta vez totalmente imaginaria, es el fresco de la Escuela de Atenas de Rafael (1483-1520 d. C.). Terminado en 1511 d. C. y ubicado en el Vaticano, este fresco muestra a todos los grandes pensadores del mundo antiguo. Las imágenes comunes de la mitología clásica eran especialmente populares. Estos fueron nuevamente reinventados y, en algunos casos, incluso han superado el arte antiguo en nuestras mentes cuando pensamos en ciertos temas. El Nacimiento de Venus (c. 1484 CE, Galería de los Uffizi, Florencia), de Sandro Botticelli (1445-1510 CE), es un caso en punto. Finalmente, la representación de la arquitectura antigua y las ruinas fue una de las favoritas de muchos artistas renacentistas para dar ambiente de fondo a sus obras mitológicas y religiosas.
El creciente estatus de los artistas
Otro nuevo desarrollo fue el interés en reconstruir la historia del arte y catalogar quiénes fueron exactamente los grandes artistas y por qué. El más famoso erudito para compilar una historia fue Giorgio Vasari (1511-1574 CE) en su Vidas de los Más Excelentes Arquitectos italianos, Pintores y Escultores (1550 CE, revisado 1568 CE). La historia es un registro monumental de artistas del Renacimiento, sus obras y las historias anecdóticas asociadas con ellos, por lo que Vasari es considerado uno de los pioneros de la historia del arte. Los artistas también se beneficiaron de tener biografías específicas escritas sobre sus vidas y obras, incluso cuando aún estaban vivos, como la vida de Miguel Ángel de 1553, escrita por Ascanio Condivi (1525-1574). Los artistas también escribieron textos sobre técnicas para el beneficio de otros, siendo los primeros los Comentarios de Lorenzo Ghiberti (1378-1455 d.C.), escritos alrededor de 1450 d. C. Como los Comentarios incluyen detalles de la propia vida y obras de Ghiberti, también es la primera autobiografía de un artista europeo.
en los artistas del Renacimiento, sus vidas privadas y la forma en que llegaron a crear obras maestras refleja el estatus elevado que ahora disfrutaban. Los artistas todavía eran vistos como artesanos como zapateros y carpinteros, y se vieron obligados a unirse a un gremio comercial. Esto comenzó a cambiar durante el Renacimiento. Los artistas eran obviamente diferentes de otros artesanos porque podían adquirir fama generalizada por sus obras y crear un sentido de orgullo cívico de sus conciudadanos. Sin embargo, fueron los esfuerzos intelectuales de pintores como Leonardo da Vinci (1452-1519 d.C.) y Alberto Durero (1471-1528 d. C.) los que finalmente elevaron a los pintores al estatus de «artistas», un término previamente restringido a aquellos que estudiaban las artes liberales tradicionales, como el latín y la retórica. Los artistas tuvieron un gran interés en estudiar la historia del arte, lo que estaba sucediendo en el mundo del arte en otros lugares, escribieron tratados sobre su oficio e hicieron experimentos en perspectiva matemática. Todas estas cosas elevaron el arte a una ciencia.
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Otra característica definitoria de los artistas renacentistas, especialmente los que pertenecen al Alto Renacimiento (1490-1527 CE) es su extraordinaria capacidad en una variedad de medios. Figuras como Miguel Ángel y Leonardo eran pintores tan consumados como escultores, y ambos, como muchos otros maestros, también se dedicaron a la arquitectura. Estos maestros exitosos dirigieron grandes talleres y estos fueron campos de entrenamiento para la próxima generación de artistas.
Una mayor confianza en sus habilidades, conocimientos y contribución a la cultura en general se puede ver en el creciente número de artistas que pintaron autorretratos. Otro síntoma fue la firma frecuente de obras de arte, a veces en partes muy prominentes de la imagen (incluso si los asistentes en el taller de un maestro terminaban con frecuencia las obras).
Pintura & Nuevas técnicas
Los pintores renacentistas eran versátiles y a menudo experimentaban, pero, en general, como el Renacimiento llevaba uno, usaban la técnica del fresco para paredes, la témpera para paneles y el óleo para paneles o lienzos. La pintura al fresco sobre un fondo de yeso húmedo y la témpera con pigmentos mezclados con yema de huevo fueron técnicas empleadas mucho antes del Renacimiento. Sin embargo, se realizaron experimentos con pinturas al óleo (pigmentos mezclados con aceite de linaza o nuez) que daban colores más ricos, una gama de tonos más amplia y más profundidad que los colores tradicionales. Los aceites permitieron que se mostraran más detalles en la pintura y permitieron que las pinceladas se convirtieran en un efecto visual. A finales del siglo XV, entonces, la mayoría de los grandes artistas usaban aceites cuando trabajaban en un caballete, no en témpera. La desventaja de los aceites era que se deterioraban rápidamente si se usaban en paredes en lugar de verdaderos frescos.
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Había diferentes estilos y técnicas de pintura dependiendo de la ubicación. Por ejemplo, la técnica de colore (o colorito) prevalecía en Venecia (donde se usaban colores contrastantes para efectuar y definir una composición armoniosa), mientras que disegno se prefería en Florencia (donde el dibujo lineal de la forma tenía prioridad). Otras técnicas perfeccionadas por los artistas renacentistas incluyen el claroscuro (el uso contrastante de la luz y la sombra) y el sfumato (la transición de colores más claros a más oscuros).
El tema de la pintura fue otra oportunidad para la experimentación. Pintar figuras con poses dramáticas se convirtió en una moda renacentista, mejor vista en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel en Roma (1512 d.C.). El uso del contrapposto por parte del artista, es decir, la asimetría entre la parte superior e inferior del cuerpo de las figuras, una técnica utilizada por Leonardo y muchos otros, crea una tremenda sensación de movimiento. Otra idea era crear formas en una escena, especialmente triángulos. El objetivo de esto era crear una composición armoniosa y dar mayor profundidad, como se puede ver en el mural de la Última Cena de Leonardo en Santa Maria delle Grazie de Milán (c. 1498 d. C.) o la Galatea de Rafael (c. 1513 d. C., Villa Farnesina, Roma).
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Los artistas lucharon por un sentido cada vez mayor de la realidad en sus pinturas, y esto se podía hacer reproduciendo la perspectiva que uno esperaría ver en una vista tridimensional. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 d. C.) utilizó técnicas de escorzo tal como lo había hecho Giotto. Vea su obra La agonía en el Jardín (c. 1460 d. C., National Gallery, Londres). Mantegna también estaba interesado en pintar sus escenas como si uno las mirara desde abajo, otro truco que le dio profundidad a su trabajo. A veces, la profundidad se lograba en el medio de la pintura, mientras que las figuras dominaban el primer plano, acercándolas al espectador. Fue una técnica innovada por Pietro Perugino (c. 1450-1523) y se puede ver mejor en las Bodas de la Virgen (c. 1504 d. C., Pinacoteca de Brera, Milán) de Rafael, antiguo alumno de Perugino.
Mientras tanto, pintores como Piero della Francesca (c. 1420-1492) fueron más allá y utilizaron principios matemáticos precisos de perspectiva, como se puede ver en su Flagelación de Cristo (c. 1455 d. C., Galería Nacional de las Marcas, Urbino). Algunos críticos consideraron que algunos artistas fueron demasiado lejos en su uso de la perspectiva y, por lo tanto, el sentido original de su pintura se perdió; Paolo Uccello (1397-1475 d.C.) fue una víctima particular de esta afirmación. La caza de Uccello (c. 1460 DC, Ashmolean Museum, Oxford) es sin duda una pintura audaz con su vista panorámica de un bosque simétrico que se aleja en un fondo cada vez más oscuro, mientras que el primer plano está dominado por los cazadores y sus perros, todos convergiendo hacia un punto central distante.
Otro paso hacia una realidad mayor fue asegurarse de que la escena tuviera una sola fuente de luz que proporcionara áreas de sombra coincidentes en todos los elementos de la pintura. Véase, por ejemplo, el Éxtasis de San Francisco de 1480 (Colección Frick, Nueva York) de Giovanni Bellini (c. 1430-1516). Los artistas incluso comenzaron a jugar trucos con el espectador, como el espejo en El retrato de boda de Arnolfini de Jan van Eyck (1434 d.C., National Gallery, Londres), que muestra reflejos de figuras que deben estar de pie junto al espectador. Todas estas técnicas tenían la ventaja adicional de crear un «factor sorpresa» de los espectadores que no estaban acostumbrados a ver tales innovaciones.
Los pintores renacentistas querían añadir otro nivel de significado a su trabajo que la primera impresión visual. Las escenas mitológicas a menudo estaban llenas de simbolismo, destinadas a separar al espectador bien educado de los menos educados. Tiziano (c. 1487-1576) incluso describió sus pinturas mitológicas como una forma de poesía, lo que llamó poesia, tal era la densidad de referencias clásicas dentro de ellas. Véase, por ejemplo, su Baco y Ariadna (c. 1523 CE, National Gallery, Londres).
el Retrato fue otra área donde los artistas del Renacimiento se destacó. El ejemplo más famoso es la Mona Lisa de Leonardo (c. 1506, Louvre, París), que muestra a una mujer no identificada. Leonardo no solo ha pintado una imagen, sino que también ha capturado el estado de ánimo de la niñera. Los contornos, la perspectiva y las gradaciones de color se combinan para dar vida a la imagen. Además, la postura informal y la vista de tres cuartos de la dama son otro indicio de movimiento. Esta pintura fue enormemente influyente en los retratos a partir de entonces. Otro desarrollo fue el uso de objetos cotidianos en retratos para insinuar el carácter, las creencias y los intereses de la modelo. Los pintores holandeses eran maestros particulares en retratos realistas, y sus ideas se extendieron a Italia, donde se pueden ver en la obra de, por ejemplo, Piero della Francesca, en particular en su pintura de Federico da Montefeltro, duque de Urbino (c. 1470, Uffizi, Florencia).
Escultura& Romper el molde clásico
Mientras que muchos temas religiosos siguieron siendo populares en la escultura como la Piedad – la Virgen María de luto sobre el cuerpo de Jesucristo – la iconografía convencional pronto dio paso a tratamientos más innovadores. Donatello (c. 1386-1466 d. C.), por ejemplo, experimentó con el sacrificio de la técnica y el acabado para capturar la emoción de una figura, una estrategia que se ve mejor en su María Magdalena de madera (c. 1446 d. C., Museo dell’Opera del Duomo, Florencia).
El clásico del renacimiento vio escultores crear sus propias versiones de antiguas figuras en madera, piedra y bronce. El más famoso de todos es el David de Miguel Ángel (1504 d.C., Galleria dell’Accademia, Florencia). Representando al rey bíblico que, en su juventud, mató al Goliat gigante, la figura de mármol es mucho más grande que el tamaño real, alrededor de 5,20 metros (17 pies) de altura. Recuerda a estatuas colosales de Hércules de la antigüedad, pero la tensión de la figura y su rostro completamente determinado son inventos renacentistas.
Donatello produjo su versión de David en bronce (1420 o 1440 d. C., Bargello, Florencia) y esta obra fue otra salida dramática de la escultura antigua. La postura crea una figura sensual que no podría haberse producido en la antigüedad. Tanto el David de Miguel Ángel como el de Donatello recuerdan el estrecho vínculo entre el arte y la función durante el Renacimiento. David apareció en el sello oficial de Florencia, y como el asesino de Goliat, fue un recordatorio oportuno de las luchas de los florentinos contra la ciudad rival de Milán.
los relacionados con el arte de la escultura fue grabado. Donatello se involucró de nuevo aquí, produciendo magníficos paneles de bronce de bajo relieve para el baptisterio de Siena y varias iglesias florentinas. La técnica de tallar una escena con poca profundidad y sin embargo lograr un sentido de perspectiva se conocía como «relieve aplanado» o rilievo schiacciato. Una técnica muy diferente fue crear paneles de metal con figuras tan altas en relieve que son casi redondas. El ejemplo más famoso de esta técnica son las «Puertas del Paraíso» de Lorenzo Ghiberti, las puertas del Baptisterio de San Giovanni de Florencia (terminado en 1452 d.C.). Los paneles dorados unidos a las puertas muestran escenas bíblicas e incluso un busto del propio Ghiberti.
A partir de 1420 d.C., las impresiones hechas de xilografías eran populares, pero fue el desarrollo de las planchas de cobre grabadas a partir de la década de 1470 d. C. lo que realmente vio a las impresiones convertirse en una verdadera forma de arte. Las placas de cobre dieron una precisión y un detalle mucho mayores. Mantegna y Durero fueron dos notables expertos en esto, y sus grabados se volvieron altamente coleccionables. El impresor más exitoso fue Marcantonio Raimondi (1480-1534 d.C.), y sus estampas de bellas artes ayudaron a difundir ideas al norte de Europa y viceversa.
El legado del Arte renacentista
Coleccionar arte se convirtió en un pasatiempo de los ricos, pero a medida que las clases medias se enriquecían, también podían adquirir arte, aunque no tan grande. Talleres como los dirigidos por Ghiberti comenzaron no precisamente a producir arte en masa, sino al menos a emplear elementos estandarizados tomados de un catálogo existente. En resumen, el arte ya no estaba restringido a los ricos, y para aquellos que aún no podían pagar los originales, siempre podían comprar grabados. Los grabados también difundieron la reputación de los artistas a lo largo y ancho. Gracias a la expansión del mercado del arte, los maestros ahora eran libres de producir arte como pensaban que debía ser, no como un pensamiento de mecenas.
El arte renacentista evolucionaba continuamente. Manierismo, por ejemplo, es un término vago que inicialmente se refería al arte extrañamente diferente que vino después del Alto Renacimiento. El manierismo adquirió entonces un significado más positivo: elegancia, ambigüedad de mensaje, contraste y, en general, jugar con las técnicas y estandarizaciones que los artistas renacentistas anteriores habían establecido. Véase, por ejemplo, el Milagro de 1548 de San Marcos Rescatando a un esclavo de Tintoretto (c. 1518-1594 d. C., Academia, Venecia). Del manierismo vendría el siguiente estilo importante en el arte europeo, el barroco altamente decorativo, que llevó los ricos colores, los finos detalles y las enérgicas poses del arte renacentista a un nuevo extremo de abrumador drama y decoración.
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