renæssancekunst
Renæssanceperiodens kunst i Europa (1400-1600 CE) inkluderer nogle af de mest genkendelige og mest elskede malerier og skulpturer i verden. Masters var ofte dygtige i både maleri og skulptur, og ved at studere antikens kunst og tilføje deres teoretiske viden om matematisk perspektiv og nye maleteknikker producerede de virkelig unikke kunstværker. Realisme, detaljer, drama og subtile lag af mening blev træk ved religiøs og sekulær kunst. Nu, kunstnere brød endelig fri fra deres gamle håndværkerstatus og opnåede en ny position som vitale bidragydere til kulturen og prestige i de samfund, hvor de boede.
definerende træk ved renæssancekunst inkluderer:
- en interesse i at fange de væsentlige elementer i klassisk kunst, især menneskets form og proportioner.
- en interesse i samtidskunstens historie og smedning af en kontinuerlig udviklingsvej.
- en blanding af hedensk og religiøs ikonografi, men med menneskeheden som fokus.
- en tendens til monumentalitet og dramatiske holdninger.
- en interesse i at skabe et følelsesmæssigt svar fra seeren.
- udviklingen af præcis matematisk perspektiv.en interesse for hyperrealistiske og detaljerede portrætter, scener og landskaber.
- en interesse i brugen af lyse farver, skygge, og indfange virkningerne af lys.
- udviklingen i brugen af olie maling og fine prints.
- brug af subtile former og dagligdags genstande for at give ekstra mening.
- en stigning i kunstnerens prestige som overlegne håndværker, der kombinerede intellektuelle studier med praktiske færdigheder.
Medieval Origins
det plejede at være tænkt, at renæssance kunst sprang ud af ingenting i en mirakuløs genfødsel af ideer og talent, men undersøgelse af moderne historikere har afsløret, at mange elementer af renæssance kunst blev eksperimenteret med i det 14.århundrede CE. Kunstnere som Giotto (d. 1337 CE) var ivrige efter at gøre deres malerier mere realistiske, og derfor brugte de forkortelse for at give en følelse af dybde til en scene. Giottos brug af forkortelse, lys og skygger, følelser og dynamisk valg af scener kan bedst ses i hans religiøse fresker i Scrovegni Kapel, Padua (c. 1315 CE). Disse teknikker og kunstnerens succes med at få karakterer til at blive levende, ville være enormt indflydelsesrige på senere kunstnere. Af denne grund omtales Giotto ofte som den’ første renæssancemaler’, selvom han levede før selve renæssancen.
annonce
velhavende lånere var drivkraften bag renæssancekunst i en periode, hvor langt de fleste kunstneriske værker blev lavet på kommission. Kirker var de sædvanlige modtagere af dette system i den første del af renæssancen. Malede paneler til altertavler og fresker var den mest almindelige form for kunstnerisk dekoration, der ofte viser sacra-samtalen, det er Jomfruen og barnet omgivet af helgener og velbegyndere. Monumentale altertavler, der var flere meter høje, blev ofte omhyggeligt indrammet for at efterligne nutidig udvikling inden for arkitektur. Den mest berømte altertavle af alle er 1432 CE Gent altertavle af Jan van Eyck (c. 1390-1441 CE). Tidlige renæssance emner, derefter, ligner meget dem, der er populære gennem middelalderen.
annonce
den klassiske genoplivning
et definerende træk ved renæssanceperioden var geninteressen i den antikke verden af Grækenland og Rom. Som en del af det, vi nu kalder Renæssancehumanisme, klassisk litteratur, arkitektur, og kunst blev alle hørt for at udtrække ideer, der kunne transformeres til den moderne verden. Lorenso de Medici (1449-1492 e. kr.), leder af den store florentinske familie, var en bemærkelsesværdig protektor, og hans samling af gamle kunstværker var et studiepunkt for mange kunstnere. Unge kunstnere, der træner i etablerede mesteres værksteder, havde også adgang til gammel kunst der eller i det mindste reproduktionstegninger.
Tilmeld dig vores ugentlige e-mail-nyhedsbrev!
kunstnere efterlignede direkte klassiske kunstværker eller dele af dem inden for deres egne værker. I 1496 e.kr. skulpturerede Michelangelo (1475-1564 e. kr.) Den sovende Amor (nu tabt), som han med vilje ældede for at få det til at fremstå som et autentisk gammelt værk. En anden genskabelse af antikken, denne gang en helt imaginær, er School of Athens fresco af Raphael (1483-1520 CE). Færdiggjort i 1511 CE og beliggende i Vatikanet, viser denne fresco alle de store tænkere fra den antikke verden. Almindelige billeder fra klassisk mytologi var især populære. Disse blev igen forestillet, og i nogle tilfælde har de endda overhalet gammel kunst i vores sind, når vi tænker på bestemte emner. Venus ‘ fødsel (ca.1484 e. KR.) af Sandro Botticelli (1445-1510 e. kr.) er et eksempel. Endelig var skildringen af gammel arkitektur og ruiner en særlig favorit blandt mange renæssancekunstnere for at give baggrundsatmosfære til både deres mytologiske og religiøse værker.
den øgede status for kunstnere
en anden ny udvikling var interessen for at rekonstruere kunsthistorien og katalogisere, hvem der nøjagtigt var de store kunstnere, og hvorfor. Den mest berømte lærde til at kompilere en sådan historie var Giorgio Vasari (1511-1574 CE) i hans liv for de mest fremragende italienske arkitekter, malere og billedhuggere (1550 CE, revideret 1568 CE). Historien er en monumental oversigt over renæssancekunstnere, deres værker og de anekdotiske historier, der er forbundet med dem, og derfor betragtes Vasari som en af pionererne i kunsthistorien. Kunstnere også nydt godt af at have specifikke biografier skrevet om deres liv og værker, selv når de stadig var i live som 1553 CE life of Michelangelo, skrevet af Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Kunstnere skrev også tekster om teknikker til gavn for andre, den tidligste er kommentarerne af Lorenso Ghiberti (1378-1455 CE), skrevet omkring 1450 CE. Da kommentarerne indeholder detaljer om Ghibertis eget liv og værker, er det også den første selvbiografi af en europæisk kunstner.
denne interesse for renæssancekunstnere, deres privatliv, og hvordan de kom til at skabe mesterværker afspejler den forhøjede status, de nu nød. Kunstnere blev stadig set som håndværkere som skomagere og tømrere, og de blev tvunget til at slutte sig til en handelsgilde. Dette begyndte at ændre sig under renæssancen. Kunstnere var tydeligvis forskellige fra andre håndværkere, fordi de kunne erhverve udbredt berømmelse for deres værker og skabe en følelse af borgerlig stolthed fra deres medborgere. Imidlertid var det de intellektuelle bestræbelser fra malere som Leonardo da Vinci (1452-1519 e.kr.) og Albrecht D. lurer (1471-1528 e. kr.), der endelig hævede malere til status som ‘kunstnere’, et udtryk, der tidligere var begrænset til dem, der studerede den traditionelle liberale kunst som Latin og retorik. Kunstnere tog en stor interesse i at studere kunsthistorien, hvad der foregik i kunstverdenen andre steder, skrev afhandlinger om deres håndværk og lavede eksperimenter i matematisk perspektiv. Alle disse ting forhøjede kunst til en videnskab. et andet definerende træk ved renæssancekunstnere, især dem, der tilhører højrenæssancen (1490-1527 CE) er deres ekstraordinære evne i en række medier. Figurer som Michelangelo og Leonardo var lige så dygtige malere, som de var billedhuggere, og begge, ligesom mange andre mestre, vendte deres hånd til arkitektur, også. Sådanne succesrige mestre kørte store værksteder, og disse var træningspladser for den næste generation af kunstnere. en større tillid til deres færdigheder, viden og bidrag til kultur generelt kan ses i det stigende antal kunstnere, der malede selvportrætter. Et andet symptom var den hyppige underskrivelse af kunstværker, undertiden i meget fremtrædende dele af billedet (selvom assistenterne i et mesterværksted ofte afsluttede værker). renæssancemalere var alsidige og eksperimenterede ofte, men generelt, da renæssancen bar en, brugte de fresco-teknikken til vægge, tempera til paneler og olie til paneler eller lærred. Fresco-maleri på en våd gipsbaggrund – og tempera – ved hjælp af pigmenter blandet med æggeblomme – var begge teknikker anvendt længe før renæssanceperioden. Eksperimenter blev dog lavet ved hjælp af oliemaling (pigmenter blandet med hørfrø eller valnødolie), som gav rigere farver, et bredere udvalg af toner og mere dybde end traditionelle farver. Olier tillod flere detaljer at blive vist i maleriet og tillod penselstrøg at blive en visuel effekt. I slutningen af det 15.århundrede e. kr. brugte de fleste store kunstnere olier, når de arbejdede på et staffeli, ikke tempera. Ulempen ved olier var, at de hurtigt forværredes, hvis de blev brugt på vægge i stedet for ægte fresco. med din hjælp skaber vi gratis indhold, der hjælper millioner af mennesker med at lære historie over hele verden. Bliv medlem Der var forskellige maleri stilarter og teknikker afhængigt af placering. For eksempel var colore (eller colorito) – teknikken udbredt i Venedig (hvor kontrasterende farver blev brugt til at påvirke og definere en harmonisk komposition), mens disegno blev foretrukket i Florence (hvor stregtegning af form havde forrang). Andre teknikker perfektioneret af renæssancekunstnere inkluderer chiaroscuro (den kontrasterende brug af lys og skygge) og sfumato (overgangen af lysere til mørkere farver). maleriets emne var en anden mulighed for eksperimentering. Maleri figurer med dramatiske positurer blev en renæssance mode, bedst set i Michelangelos Sistine Kapel loft i Rom (1512 CE). En enorm bevægelsesfølelse skabes af kunstnerens brug af contrapposto, det vil sige asymmetrien mellem figurernes over-og underkrop, en teknik, der bruges af Leonardo og mange andre. En anden ide var at skabe figurer i en scene, især trekanter. Formålet med dette var at skabe en harmonisk komposition og give ekstra dybde, som det kan ses i Leonardos sidste Nadvermaleri i Milanos Santa Maria delle Gracie (ca. 1498 CE) eller Galatea af Raphael (c. 1513 CE, Villa Farnesina, Rom). kunstnere stræbte efter en stadig større følelse af virkelighed i deres malerier, og dette kunne gøres ved at gengive det perspektiv, man kunne forvente at se i en tredimensionel visning. Andrea Mantegna (ca. 1431-1506 CE) brugte teknikker til forkortelse ligesom Giotto havde gjort. Se hans smerte i haven (c. 1460 CE, National Gallery, London). Mantegna var også ivrig efter at male sine scener, som om man så på dem nedenunder, et andet trick, der gav hans arbejdsdybde. Nogle gange blev der opnået dybde i maleriets mellemgrund, mens figurer dominerede forgrunden og bragte dem tættere på seeren. Det var en teknik, der blev innoveret af Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) og kan bedst ses i Jomfruens ægteskab (c. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milano) af Raphael, engang en elev af Perugino. I mellemtiden gik malere som Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) videre og brugte præcise matematiske principper for perspektiv, som det kan ses i hans flagellation af Kristus, (c. 1455 CE, National Gallery of Marche, Urbino). Nogle kritikere mente, at nogle kunstnere gik for langt i deres brug af perspektiv, og derfor gik den oprindelige følelse af deres maleri tabt; Paolo Uccello (1397-1475 CE) var et særligt offer for denne påstand. Uccello ‘ s jagten (c. 1460 CE, Ashmolean Museum, er bestemt et dristigt maleri med sin panoramaudsigt over en symmetrisk skov, der trækker sig tilbage i en stadig mørkere baggrund, mens forgrunden domineres af jægerne og deres hunde, der alle konvergerer mod et fjernt centralt punkt. et andet skridt mod en større virkelighed var at sikre, at scenen havde en enkelt lyskilde, der giver matchende skyggeområder i alle elementer i maleriet. Se for eksempel 1480 CE Ecstasy of Saint Francis (Frick Collection, Ny York) af Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Kunstnere begyndte endda at spille tricks på seeren som spejlet i Jan van Eycks Arnolfini Bryllupsportræt (1434 CE, National Gallery, London), der viser refleksioner af figurer, der skal stå ved siden af seeren. Alle disse teknikker havde den ekstra fordel at skabe en’ upprofaktor ‘ fra seere, der ikke var vant til at se sådanne innovationer.renæssance malere ønskede at tilføje et andet niveau af mening til deres arbejde end blot det visuelle første indtryk. Mytologiske scener var ofte fyldt med symbolik, beregnet til at sortere den veluddannede seer fra mindre. Titian (c. 1487-1576 CE) beskrev endda sine mytologiske malerier som en form for poesi, hvad han kaldte poesia, sådan var tætheden af klassiske referencer inden for dem. Se for eksempel hans Bacchus og Ariadne (c. 1523 CE, National Gallery, London). portrætter var endnu et område, hvor renæssancekunstnere udmærkede sig. Det mest berømte eksempel er Leonardos Mona Lisa (c. 1506 CE, Louvre, Paris), der viser en uidentificeret kvinde. Leonardo har ikke kun malet en lighed, men også fanget sidderens stemning. Konturer, perspektiv og farvegraderinger kombineres alle for at give billedet liv. Endvidere er den afslappede kropsholdning og tre fjerdedelsbillede af damen et andet tip til bevægelse. Dette maleri var enormt indflydelsesrig på portrætter derefter. En anden udvikling var brugen af hverdagsgenstande i portrætter for at antyde sitterens karakter, tro og interesser. De Nederlandske malere var særlige mestre ved realistiske portrætter, og deres ideer spredte sig til Italien, hvor de kan ses i for eksempel Piero Della Francesca ‘ s arbejde, især hans maleri af Federico da Montefeltro, hertug af Urbino (c. 1470 e.kr. mens mange religiøse emner forblev populære i skulptur som Piet – Jomfru Maria sørger over Jesu Kristi legeme – konventionel ikonografi gav snart plads til mere innovative behandlinger. Donatello (c. 1386-1466 CE) eksperimenterede for eksempel med at ofre teknik og finish for at fange følelsen af en figur, en strategi, der bedst ses i hans træ Mary Magdalene (c. 1446 CE, Museo dell ‘ Opera del Duomo, Florence). den klassiske genoplivning så billedhuggere skabe deres egne versioner af gamle figurer i træ, sten og bronse. Mest berømt af alt er Michelangelos David (1504 CE, Galleria dell ‘ Accademia, Florence). Repræsenterer den bibelske konge, der i sin ungdom berømt dræbte kæmpen Goliat, marmorfiguren er meget større end livsstørrelse, omkring 5,20 meter (17 fod) høj. Det minder om kolossale statuer af Hercules fra antikken, men spændingen af figuren og hans grundigt bestemte ansigt er renæssancens opfindelser. Donatello producerede sin version af David i bronse (1420 ‘erne eller 1440’ erne CE, Bargello, Florence), og dette arbejde var en anden dramatisk afvigelse fra gammel skulptur. Holdningen skaber en sanselig figur, der ikke kunne have været produceret i antikken. Både Michelangelos og Donatellos David minder om den tætte forbindelse mellem kunst og funktion under renæssancen. David dukkede op på Florens officielle segl, og som dræber af Goliat var det en rettidig påmindelse om Florentinernes kamp mod den rivaliserende by Milano. en relateret kunst til skulptur var gravering. Donatello var igen involveret her, producerer fremragende lav relief bronspaneler til døbefont i Sienna og flere florentinske kirker. Teknikken til at udskære en scene med en lav dybde, men alligevel opnå en følelse af perspektiv, blev kendt som ‘fladet relief’ eller rilievo schiacciato. En meget anden teknik var at skabe metalpaneler med figurer, der er så høje i lettelse, at de næsten er i runden. Det mest berømte eksempel på denne teknik er ‘paradisets porte’, dørene til Florence ‘ s Baptistery of San Giovanni (afsluttet i 1452 e.kr.). De forgyldte paneler fastgjort til dørene viser bibelske scener og endda en buste af Ghiberti selv. fra 1420 CE var Tryk lavet af træsnit populære, men det var udviklingen af gravering af kobberplader fra 1470 ‘ erne CE, der virkelig så tryk blive en ægte kunstform. Kobberplader gav en meget større præcision og detaljer. Mantegna og D Kurrrer var to bemærkelsesværdige eksperter på dette, og deres graveringer blev meget samlerobjekt. Den mest succesrige printer var Marcantonio Raimondi (1480-1534 CE), og hans kunsttryk hjalp med at sprede ideer til Nordeuropa og omvendt. indsamling af kunst blev en hobby for de velhavende, men da middelklassen blev rigere, så kunne de også erhverve kunst, omend ikke helt så stor. Værksteder som dem, der drives af Ghiberti, begyndte ikke ligefrem at masseproducere kunst, men i det mindste at anvende standardiserede elementer hentet fra et eksisterende katalog. Kort sagt var kunst ikke længere begrænset til de velhavende, og for dem, der stadig ikke har råd til originaler, kunne de altid købe tryk. Tryk spreder også kunstneres omdømme vidt og bredt. Takket være udvidelsen af kunstmarkedet var mestre nu fri til at producere kunst, som de troede, det skulle være, ikke som en protektor tanke. renæssancekunst udviklede sig konstant. Manierisme er for eksempel et vagt udtryk, der oprindeligt henviste til den mærkeligt forskellige kunst, der kom efter højrenæssancen. Mannerisme fik derefter en mere positiv betydning – stilfuldhed, tvetydighed i budskabet, kontrast og generelt at lege med de teknikker og standardiseringer, som tidligere renæssancekunstnere havde sat. Se for eksempel 1548 CE Miracle of Saint Mark redde en Slave af Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Venedig). Fra Mannerisme ville komme den næste store stil i europæisk kunst, den meget dekorative barok, der tog de rige farver, fine detaljer, og energiske stillinger af renæssancekunst til en ny ekstrem af overvældende drama og dekoration. 
annonce
maleri& nye teknikker
Støt vores Non-Profit organisation
annonce
annonce
skulptur& bryde den klassiske skimmel
arv fra renæssancekunst
Leave a Reply