예술의 르네상스 기간에서 유럽(1400 에서 1600 사 CE)포함되어 있는 일부의 가장 인식 할 수 최고의 사랑하는 그림과 조각 세계에서. 주인은 종종 숙련된 모두에서 회화와 조각,그리고 공부하여 고대의 예술과의 이론적 지식의 수학적 관점과 새로운 회화 기법,그들이 생산한 독특한 예술 작품이다. 사실주의,세부 사항,드라마 및 미묘한 의미의 층은 종교적이고 세속적 인 예술의 특징이되었습니다. 지금은,예술가 마지막으로 무에서 자신의 오래된 craftworker 상태를 달성하고 새로운 위치로 중요한 기여하는 문화와 명성의 사회에서 그들이 살았습니다.

정의하는 기능의 르네상스 예술 포함한다:

• 에 관심을 캡처의 필수 요소를 고전 예술,특히 형태와 비율의 인체.현대 미술의 역사에 대한 관심과 개발의 지속적인 경로를 단조.
• 이교도와 종교 도상학의 혼합 그러나 그것의 초점으로 인류와.
• 기념비와 극적인 자세를 향한 경향.
• 시청자의 감정적 인 반응을 만드는 데 관심이 있습니다.정확한 수학적 관점의 개발.
• 초현실적이고 상세한 인물,장면 및 풍경에 대한 관심.
• 밝은 색상,그늘의 사용에 관심,빛의 효과를 캡처.
• 유성 페인트와 정밀한 인쇄의 사용에 있는 발달.
• 미묘한 모양과 일상적인 물건을 사용하여 여분의 의미를 부여합니다.
• 지적 연구와 실용적인 기술을 결합한 우수한 공예가로서의 예술가의 명성이 높아졌습니다.

중세 기원

다고 생각하는 데 사용 르네상스 예술들의 아무것도 없는 곳에서는 기적 같은 중생의 아이디어와 재능을 조사하지만 현대 역사가들은 것을 밝혔다 많은 요소는 르네상스 예술의되고 있었 실험에서 14 세기. 와 같은 예술가 Giotto(d. 1337CE)었 치열하게 자신의 그림을 더 현실적이고 그래서 그들이 사용하는 단축 법의 감각을 제공하기 위해 깊이 있습니다. 지오토스의 사용을 단축법,빛과 그림자,감정,동적 선택의 장면이 될 수 있습에서 자신의 종교 프레스코에서는 스크로베니 예배당,파도바(c. 1315CE). 이러한 기술,그리고 문자를 만드는 작가의 성공은 살아 와서,나중에 예술가에 큰 영향력이 될 것입니다. 이런 이유로 지오토는 르네상스 시대 이전에 살았던 경우에도’최초의 르네상스 화가’로 자주 언급됩니다.

부유 한 후원자는 원동력이 되었 르네상스 예술에 기간의 대부분이,예술작품을 만들에 commission. 교회는 르네상스의 첫 번째 부분에서이 시스템의 일반적인 수혜자였습니다. 그린 위원회에 대한 altarpieces 과 벽화들의 가장 일반적인 형태는 예술적 장식 종종 보여주는 sacra conversazione,즉 버진 아동 성도들에 둘러싸인과 잘 지지자. 몇 미터 높이의 기념비적 인 제단은 종종 건축의 현대적 발전을 모방하기 위해 정교하게 짜여져있었습니다. 가장 유명한 제단은 Jan van Eyck(c.1390-1441CE)의 1432CE 겐트 제단입니다. 초기 르네상스 주제는,다음,중세 시대를 통해 인기있는 것과 매우 유사하다.

개인 후원자와 같은 교황,신성 로마 황제,kings,그리고 공작을 보았의 혜택을 아름답게 그들의 도시과 궁전,하지만 그들은 또한 매우 관심 명성을 얻고 대한 경건과에 대한 지식 예술과 역사입니다. 한 후원자를 찾는 그들이 좋아하는 아티스트,그들은 종종 자영업자들이 장기적으로 자신의 공식원 아티스트,그들을 설정하는 모든 종류의 작업에서 초상화를 정복 디자인. 후원자는 지불하고 있었다 그래서 그들은 종종 예술 작품의 세부 사항에 특정 요청을했다. 추가 있지만,작가는 그들의 능력을 사용할 수 있과 상상력,그들이 남아의 범위 내에서 컨벤션에서는 숫자에 자신의 작업을 인식한 누가 그랬습니다. 예를 들어,아무도 그 성자가 누구인지를 알지 못한다면 성자의 삶의 프레스코 화를 만드는 것이 좋지 않았습니다. 이러한 이유로,진화에서 예술이 상대적으로 느리지만,일부 예술가 큰 명성을 얻었고,그래서 그들은 개발할 수 있다는 새로운 아이디어에서 예술과에서 무엇니다.

고전적 부흥

르네상스 시대의 정의적인 특징은 그리스와 로마의 고대 세계에 대한 재 관심이었다. 의 일부분으로 지금 우리가 무엇을 부르 르네상스 휴머니즘,고전문학,건축과 예술의 모든 상담을 추출하는 아이디어할 수 있는 변형에 대한 세계적인 기업들이 실천하고 있다. Lorenzo de Medici(1449-1492CE),머리의 훌륭한 피렌체의 가족,주목할만한 후원자와 자신의 컬렉션의 고대 작품이었점의 연구를 위한 많은 예술가이다. 설립 된 주인의 워크샵에서 훈련을받은 젊은 예술가들도 그곳에있는 고대 예술이나 적어도 재생산 그림에 접근 할 수있었습니다.

예술가 직접 모방 고전 작품 또는 부품의 내에서 그들 자신의 작동합니다. 에 1496CE,예를 들어,미켈란젤로(1475-1564CE)조각적인 자 큐(금)는 그는 의도적으로 세게 나타나는 본격적인 고대 작동합니다. 고대의 또 다른 레크리에이션,이번에는 완전히 상상의 것,Raphael(1483-1520CE)의 아테네 프레스코 학교입니다. 1511CE 에서 완성되고 바티칸에 위치한이 프레스코 화는 고대 세계의 모든 주요 사상가를 보여줍니다. 고전 신화의 일반적인 이미지가 특히 인기가있었습니다. 이들을 다시 새롭게 그리고,어떤 경우에,그들은 심지어 능 고대예술에서 우리의 마음을 우리가 생각할 때 특정 주제입니다. Sandro Botticelli(1445-1510CE)의 Venus(c.1484CE,Uffizi Gallery,Florence)의 탄생은 사례입니다. 마지막으로 묘사의 고대의 건물과 유적이었다 특히 좋아하는 르네상스 시대의 많은 예술가들이게 분위기를 배경 모두에게 그들의 신화적이고 종교적인 작동합니다.

증가하는 상태의 예술가

또 다른 새로운 개발에 대한 관심이 재구성의 역사 예술과 카탈로그는 정확하게 위대한 예술가 왜. 가장 유명한 학자를 컴파일하는 등의 역사는 Giorgio Vasari(1511-1574CE)에서 자신의 삶의 가장 훌륭한 이탈리아 건축가,화가,조각가(1550CE,개정 1568CE). 역사가 기념비적인 기록의 르네상스 예술가들의 작품,그리고 일화는 이야기는 그와 관련된,그리고 바사 중 하나 간주됩의 개척자들이 예술의 역사입니다. 예술가의 혜택을 갖는 특정 전기 작성된 자신의 삶에 대해하고 작품을 때도 그들은 여전히 살아 같은 1553CE 삶의 미켈란젤로,written by Ascanio Condivi(1525-1574CE). 예술인들이 썼다에서 텍스트 기술을 다른 사람의 이익을 위해,최초의되고 있는 논평을 통해 로렌초 년쯤(1378-1455CE),기록에 대해 1450CE. 논평에는 지베르티 자신의 삶과 작품에 대한 세부 사항이 포함되어 있기 때문에 유럽 예술가의 첫 번째 자서전이기도합니다.

이러한 관심에서 르네상스 예술가,그들의 개인적인 삶, 어떻게 그들이 걸작을 만들이 반영의 높은 상태에 그들은 지금 즐겼다. 아티스트들이 같은 장인 cobblers 과 목수들과 강요하여 가입하세 무역연히 스트러밍도 가능합니다. 이것은 르네상스 시대에 변화하기 시작했습니다. 작가는 물론 다른 장인이기 때문에 그들을 획득할 수 있는 광범위한 명성에 대한 작품을 만들의 감각 시민의 자부심은 그들의 동료 시민들입니다. 그러나,그것은 지적인 노력의 화가는 다음과 같 레오나르도 다빈치(1452-1519 세륨)및 알브레 히트 Dürer(1471-1528CE)는 마지막으로 높은 화가의 상태를’아티스트’,장기 이전에 제한을 공부하는 사람들이 전통적인 인문학과 같은 라틴 아 과언이 아니다. 가했에 관심을 공부한 역사,예술의에서 무슨 일이 있었는 예술 세계 다른 곳에서 쓴 논문에 그들의 기술과 실험에서 수학적 관점입니다. 이 모든 것들이 예술을 과학으로 높였습니다.

또 하나의 독특한 특성의 르네상스 예술가들이,특히 그에 속하는 높은 르네상스(1490-1527CE)들의 특별한 기능의 다양한 매체입니다. 수치 같은 미켈란젤로,레오나르도 있었으로 달성되는 화가로 그들은 조각가,그리고 모두 같은 많은 다른 주인,그들의 손을 건축,too. 이러한 성공적인 마스터는 대규모 워크샵을 운영했으며 이들은 차세대 예술가를위한 훈련장이었습니다.

더 큰 자신감을에서 그들의 기술,지식,그리고 기여금 문화에서 일반적인에서 볼 수 있습의 증가 수가 작가들이 그렸 자화상이다. 또 다른 증상이었 자주의 서명 작품에서 때로는 매우 눈에 띄는 사진의 부분(는 경우에도 보조에서의 작업장 자주 마무리 작동하).

화&새로운 기술을

르네상스 화가는 다양하고 종종 실험을 했지만,일반적으로,르네상스를 입고 하나,그들이 사용되는 프레스코 벽을 위한 기술,템페라에 대한 위원회,그리고 석유에 대한 패널 또는 캔버스입니다. 프레스코-그림에 젖은 석고 배경과 온도를 사용-안료와 혼합 달걀 노른자 모두 기술을 채용하기 전에 긴 르네상스 기간입니다. 실험었다,그러나,기름을 사용하여 페인트(안료와 혼합 아마의 씨 또는 호두나무 기름)준 풍부한 색상의 넓은 범위 톤,그리고 보이는 것보다 더 깊이 전통적인 색상입니다. 오일은 그림에 더 많은 세부 사항이 표시되도록 허용했으며 브러시 스트로크가 시각적 효과가되도록 허용했습니다. 15 세기 CE 가 끝날 무렵,대부분의 주요 예술가들은 템페라가 아닌 이젤에서 일할 때 오일을 사용하고있었습니다. 오일의 단점은 진정한 프레스코 화 대신 벽에 사용하면 빠르게 악화된다는 것이 었습니다.

가 있었 다른 그림의 스타일과 기술에 따라 위치에 있습니다. 예를 들어,colore(또는 카)기술은 유행에서 베네치아(는 대조 색상하는 데 사용되었 효력을 정의하고 조화로운 구성)동안 disegno 이 선호하는 피렌체(디 라인 그리기의 양식을 갔고 우선 순위). 다른 기술에 의해 완성 르네상스 예술가들을 포함 chiaroscuro(대조용의 빛과 그늘)및 스푸마토(전환기의 가벼운로 어두운 색상).그림의 주제는 실험을위한 또 다른 기회였습니다. 그림 그림을 극적인 포즈 되었다 르네상스 패션에서 미켈란젤로의 시스티나 예배당에서 천장이 로마(1512CE). 엄청난 감각의 움직임에 의해 만들어진 아티스트의 사용 contrapposto,즉 비대칭이 상부 및 하체의 인물,사용하는 기술로 레오나르도하고 많은 다른 사람입니다. 또 다른 아이디어는 장면에서 모양,특히 삼각형을 만드는 것이 었습니다. 의 목적이 조화를 만들기 위해 조성을 깊이에서 볼 수 있듯 레오나르도의 마지막 만찬 벽화에는 밀라노의 산타마리아 델라 그라치에 성당(c. 1498CE)또는 Raphael 의 Galatea(c.1513CE,Villa Farnesina,Rome).

예술가 노력했을 위해 더 큰 의미에서 현실의 자신의 그림,그리고 이 작업을 수행할 수도 있으로 재현하는 관점 중 하나에서 볼 기대하는 입체 보기입니다. 안드레아 만테냐(기음. 1431-1506CE)Giotto 가했던 것처럼 foreshortening 기술을 사용했습니다. 그의 정원에서 고통을 참조하십시오(c.1460CE,내셔널 갤러리,런던). 만테냐도에 대한 예리한 그림을 그의 장면을 만나보고 있었 그들이 아래에서 다른 속이는 그의 작품을 깊이가 있습니다. 때로는 인물이 전경을 지배하는 동안 그림의 중간 지점에서 깊이가 달성되어 시청자에게 더 가까이 다가갔습니다. 그것은 기술 혁신으로 피에트로 페루지노(c. 1450-1523 세륨)및 수 있는 최고의 보안에 결혼을 버진(c. 1504CE,Pinacoteca di Brera,Milan)라파엘(raphael),한때 Perugino 의 학생.

한편,화가는 다음과 같 Piero della Francesca(c. 1420-1492CE)더 나아가고 사용한 정확한 수학적 원리의 관점에서 알 수있는 바와 같이 자기 채찍질의 그리스도,(c. 1455CE 국립 미술관,마르쉐,우르비노). 일부 비평가들은 그 느낌 일부 예술가들은 너무 멀리 갔의 사용에 관점 그래서 원래의 의미는 그들의 그림을 잃었다;Paolo uccello 에(1397-1475CE)는 특정 피해자의 이 주장이다. Uccello 의 사냥(기음. 1460CE,애시몰린 박물관,옥스퍼드)는 확실히 대담한 그림을 함께 그것의 파노라마의 대칭 숲으로 물러나 이제까지 어두운 배경이면서 포그라운드에 의해 지배된다면 사냥꾼들과 그 사냥개,모든 수렴을 향해 먼 중심 지점입니다.

으로 또 다른 단계 더 현실을 보장하는 것이 었습니다 현장에 했다 하나의 광원을 제공하는 일치하는 지역의 그림자의 모든 요소에 그림입니다. 예를 들어 Giovanni Bellini(c.1430-1516CE)의 Saint Francis(Frick Collection,New York)의 1480CE 엑스터시를 참조하십시오. 예술가들도 재생하기 시작성에 대해 책임을지지 뷰어와 같은 거울에 얀 반 아이크의 커피/차 메이커은/는 결혼식에 초상화(1434CE,국립갤러리,런던)을 보여주는 반사의 수치해야하는 사람들 옆에 서 있는 뷰어입니다. 이러한 모든 기술은 이러한 혁신을 보는 데 익숙하지 않은 시청자로부터’와우 요소’를 만드는 추가 이점이있었습니다.

르네상스 화가들은 시각적 인 첫 인상보다는 작품에 또 다른 수준의 의미를 더하고 싶었습니다. 신화 적 장면은 종종 상징주의로 가득 차 있었고,덜 교육받은 시청자를 분류하기위한 것입니다. 티치아노(c. 1487-1576CE)도 설명의 신화의 그림으로 형태의 시는,그가 무엇이라고 감탄,그러한 밀도의 고아한 참조가 있습니다. 예를 들어,그의 Bacchus 와 Ariadne(c.1523CE,National Gallery,London)을 참조하십시오.

초상화는 아직이었다는 또 다른 지역 르네상스 예술가가 뛰어납니다. 가장 유명한 예는 레오나르도의 모나리자(c.1506CE,루브르,파리)로,미확인 여성을 보여줍니다. 레오나르도는 모습을 그렸을뿐만 아니라 시터의 분위기를 포착했습니다. 윤곽선,원근감 및 색상의 그라데이션이 모두 결합되어 이미지에 생명을 불어 넣습니다. 또한 캐주얼 한 자세와 숙녀의 4 분의 3 시야는 움직임에 대한 또 다른 힌트입니다. 이 그림은 그 후 초상화에 큰 영향을 미쳤습니다. 또 다른 발전은 시터의 성격,신념 및 관심사를 암시하기 위해 초상화에서 일상적인 물건을 사용하는 것이 었습니다. 은 네덜란드의 화가들은 특정인에서 현실적인 인물,그리고 자신의 아이디어를 확산하여 이탈리아에서 볼 수 있는 작업의,예를 들어,Piero della Francesca,특히 자신의 그림의 페데리코 다 Montefeltro,공작의 우르비노(c. 1470CE,우피치 미술관,플로렌스).

조각&고전적인 형

동안 많은 종교 과목 유지에서 인기있는 조각 같은 피에타-성모 마리아를 통해 애도 예수 그리스도의 몸 전통적인 도해 곧게 더 혁신적인 치료입니다. 도나 텔로(기음. 1386-1466CE),예를 들어,실험과 함께 희생을 기술하고 마무리를 캡처하는 감정의 그림은 전략에서 자신의 나무로 되는 막달라 마리아(c. 1446CE,두오모 부속미술관,플로렌스).

고전적인 부흥은 본 조각가를 만들 자신의 버전의 고대 그림에서 목재,석재,습니다. 가장 유명한 것은 미켈란젤로의 데이비드(1504CE,Galleria dell’Accademia,Florence)입니다. 을 나타내는 성경적인 왕,자신의 청소년들,유명 사망의 거인 골리앗,대리석의 그림보다 훨씬 더 큰 크기의 주위에,5.20m(17 피트)높이입니다. 그것은 나의 거대한 동상의 헤라클레스에서 고대,하지만 긴장의 그림과 그의 철저하게 결정되는 르네상스품을 발명하였습니다.

도나텔로 생산된 그의 버전에 있는 다윗의 동(1420s 또는 1440s CE,바르겔로,피렌체)그리고 이 작업이 다른 극적인에서 출발 고대의 조각상도 있습니다. 자세는 고대에 생산 될 수 없었던 감각적 인 인물을 만듭니다. 미켈란젤로와 도나 텔로의 다비드는 모두 르네상스 시대의 예술과 기능 사이의 밀접한 연관성을 상기시킵니다. 다윗이 등장에서의 공인 피렌체,그리고 슬레이어 골리앗의,그것의 적시에 알림이집’투쟁에 대하여 경쟁시공합니다.

관련 예술 조각 조각입니다. Donatello 는 다시 여기에 참여하여 Sienna 의 세례당과 여러 피렌체 교회를위한 훌륭한 저 구호 청동 패널을 제작했습니다. 얕은 깊이의 장면을 조각하면서도 여전히 원근감을 얻는 기술은’평평한 구호’또는 rilievo schiacciato 로 알려졌습니다. 매우 다른 기술은 거의 라운드에있는 구호가 너무 높은 수치로 금속 패널을 만드는 것이 었습니다. 가장 유명한 예제는 이 기술의 Lorenzo 년쯤의’파라다이스’,문을 위한 피렌체의 산 조반니 세례당(에서 완료 1452CE). 문에 부착 된 금박을 입힌 패널은 성경의 장면과 심지어 지 베르 티 자신의 흉상을 보여줍니다.

에서 1420CE,인쇄에서 만든 목판 인기가 있었지만,그것은 개발의 조각 구리판에서 1470 년대 CE 는 정말을 보았 인쇄가 진정한 예술 형태입니다. 동판은 훨씬 더 정밀도와 세부 사항을주었습니다. Mantegna 와 Dürer 는이 점에서 주목할만한 두 명의 전문가였으며,그들의 조각은 매우 수집 가능해졌습니다. 가장 성공적인 프린터를 Marcantonio Raimondi(1480-1534CE),그리고 그의 인쇄 미술의 확산하는데 도움을 주었는 아이디어는 북부 유럽에 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.

기존의 르네상스 예술

미술 수집이 되었 취미의 부유 한,그러나 중간 클래스에 부자가 되었다,그래서도,그들을 획득할 수 있는 예술을,이기는 하지만 아주 좋습니다. 워크샵 것과 같은 실 년쯤에 의해 시작했지 정확하게 대량 생산하는 예술을 하지만 적어도를 사용 표준화 요소를 촬영에서 기존 카탈로그입니다. 에 짧고,예술은 더 이상 제한되지 않습니다 부유 한,그리고 사람들을 위해 여전히 감당할 수 없는 원본은,그들은 항상 구매 인쇄합니다. 인쇄물은 또한 예술가의 명성을 멀리 그리고 넓게 퍼뜨 렸습니다. 감사는 확장 시장,주인 지금 무료 생산하는 예술로 그들은 해야한다 생각지 않으로 수호 생각했다.

르네상스 예술은 계속 진화하고 있었다. 예를 들어,매너리즘은 처음에는 높은 르네상스 이후에 온 이상하게 다른 예술을 언급 한 모호한 용어입니다. 매너리즘 다음 인수는 더 많은 긍정적인 의미-식,모호성의 메시지,대조,그리고 일반적으로 재생 기술과 standardisations 이전 르네상스 예술가들을 설정했다. 예를 들어 Tintoretto(C.1518-1594CE,Academia,Venice)가 노예를 구출 한 Saint Mark 의 1548CE 기적을 참조하십시오. 에서 매너리즘에 올 것이라 다음 주요 스타일에 유럽 예술,높은 장식적인 바로크는 풍부한 색상,미세한 세부 정보,및 활기찬 포즈 르네상스 예술의 새로운 극단적의 압도하는 드라마와 장식입니다.