L’arte del periodo rinascimentale in Europa (1400-1600 CE) include alcuni dei dipinti e delle sculture più riconoscibili e più amati al mondo. I maestri erano spesso abili sia nella pittura che nella scultura, e studiando l’arte dell’antichità e aggiungendo la loro conoscenza teorica della prospettiva matematica e nuove tecniche pittoriche, producevano opere d’arte davvero uniche. Realismo, dettaglio, dramma e sottili strati di significato divennero caratteristiche dell’arte religiosa e secolare. Ora, gli artisti finalmente si sono liberati dal loro vecchio status di artigiani e hanno raggiunto una nuova posizione come contributori vitali alla cultura e al prestigio delle società in cui vivevano.

Le caratteristiche che definiscono l’arte rinascimentale includono:

• un interesse nel catturare gli elementi essenziali dell’arte classica, in particolare la forma e le proporzioni del corpo umano.
• un interesse per la storia dell’arte contemporanea e la creazione di un percorso continuo di sviluppo.
• una fusione di iconografia pagana e religiosa, ma con l’umanità come il suo focus.
• una tendenza verso la monumentalità e le posture drammatiche.
• un interesse nel creare una risposta emotiva da parte dello spettatore.
• lo sviluppo di una precisa prospettiva matematica.
• un interesse per ritratti iperrealistici e dettagliati, scene e paesaggi.
• un interesse per l’uso di colori vivaci, ombra, e catturare gli effetti della luce.
• lo sviluppo in uso di colori ad olio e stampe fini.
• l’uso di forme sottili e oggetti di uso quotidiano per dare un significato in più.
• un aumento del prestigio degli artisti come artigiani superiori che combinavano studi intellettuali con abilità pratiche.

Origini medievali

Si pensava che l’arte rinascimentale spuntasse dal nulla in una miracolosa rinascita di idee e talenti, ma l’indagine degli storici moderni ha rivelato che molti elementi dell’arte rinascimentale venivano sperimentati nel 14 ° secolo DC. Artisti come Giotto (m. 1337 CE) erano desiderosi di rendere i loro dipinti più realistici e quindi usarono lo scorcio per dare un senso di profondità a una scena. L’uso dello scorcio, della luce e delle ombre, dell’emozione e della scelta dinamica delle scene di Giotto si può vedere meglio nei suoi affreschi religiosi nella Cappella degli Scrovegni a Padova (1315 ca.). Queste tecniche, e il successo dell’artista nel rendere vivi i personaggi, sarebbero estremamente influenti sugli artisti successivi. Per questo motivo, Giotto è spesso indicato come il ‘primo pittore rinascimentale’ anche se visse prima del Rinascimento vero e proprio.

i Ricchi mecenati sono stati la forza trainante dietro l’arte Rinascimentale in un periodo in cui la stragrande maggioranza delle opere artistiche su commissione. Le chiese erano i soliti beneficiari di questo sistema nella prima parte del Rinascimento. Pannelli dipinti per pale d’altare e affreschi erano la forma più comune di decorazione artistica, spesso mostrando la sacra conversazione, cioè la Vergine con il Bambino circondata da santi e sostenitori. Pale d’altare monumentali di diversi metri di altezza sono stati spesso elaborato incorniciato per imitare gli sviluppi contemporanei in architettura. La più famosa pala d’altare di tutti è il 1432 CE Gand Pala d’altare di Jan van Eyck (c. 1390-1441 CE). I soggetti del primo Rinascimento, quindi, sono molto simili a quelli popolari attraverso il Medioevo.

Patroni privati come Papi, Imperatori del Sacro Romano Impero, re e duchi vedevano tutti il vantaggio di abbellire le loro città e palazzi, ma erano anche molto interessati a guadagnare una reputazione di pietà e una conoscenza delle arti e della storia. Una volta che un mecenate ha trovato un artista che gli piaceva, spesso li ha impiegati a lungo termine come artista ufficiale di corte, impostando loro tutti i tipi di compiti, dai ritratti al design della livrea. I patroni pagavano e così spesso facevano richieste specifiche sui dettagli di un’opera d’arte. Inoltre, anche se un artista poteva usare le loro abilità e immaginazione, dovevano rimanere entro i limiti della convenzione in quanto le figure nel loro lavoro dovevano essere riconosciute per quello che erano. Ad esempio, non era utile fare un affresco della vita di un santo se nessuno riconosceva chi fosse quel santo. Per questo motivo, l’evoluzione nell’arte è stata relativamente lenta, ma come alcuni artisti hanno guadagnato grande fama, così hanno potuto sviluppare nuove idee nell’arte e renderla distinta da ciò che era andato prima.

La rinascita classica

Una caratteristica distintiva del periodo rinascimentale era il ri-interesse per il mondo antico della Grecia e di Roma. Come parte di ciò che ora chiamiamo umanesimo rinascimentale, la letteratura classica, l’architettura e l’arte sono state tutte consultate per estrarre idee che potrebbero essere trasformate per il mondo contemporaneo. Lorenzo de Medici (1449-1492 CE), capo della grande famiglia fiorentina, fu un mecenate notevole, e la sua collezione di opere d’arte antiche fu un punto di studio per molti artisti. I giovani artisti, formandosi nei laboratori di maestri affermati, avevano anche accesso all’arte antica lì o almeno ai disegni di riproduzione.

direttamente gli Artisti imitati classica, opere d’arte o parti di essi all’interno dei loro propri. Nel 1496 d.C., ad esempio, Michelangelo (1475-1564 d. C.) scolpì il Cupido Dormiente (oggi perduto) che volutamente invecchiò per farlo apparire un’autentica opera antica. Un’altra ricreazione dell’antichità, questa volta interamente immaginaria, è l’affresco della Scuola di Atene di Raffaello (1483-1520 CE). Completato nel 1511 e situato in Vaticano, questo affresco mostra tutti i principali pensatori del mondo antico. Le immagini comuni della mitologia classica erano particolarmente popolari. Questi sono stati nuovamente reinventati e, in alcuni casi, hanno persino superato l’arte antica nella nostra mente quando pensiamo a determinati soggetti. La nascita di Venere (c. 1484 CE, Galleria degli Uffizi, Firenze) di Sandro Botticelli (1445-1510 CE), è un esempio calzante. Infine, la raffigurazione di antiche architetture e rovine è stato uno dei preferiti di molti artisti rinascimentali per dare sfondo atmosfera sia per le loro opere mitologiche e religiose.

L’accresciuto status degli artisti

Un’altra novità è stata l’interesse a ricostruire la storia dell’arte e catalogare chi erano esattamente i grandi artisti e perché. Il più famoso studioso a compilare una tale storia fu Giorgio Vasari (1511-1574 CE) nella sua Vita dei più eccellenti architetti, pittori e scultori italiani (1550 CE, revised 1568 CE). La storia è un record monumentale di artisti del Rinascimento, le loro opere, e le storie aneddotiche ad essi associati, e così Vasari è considerato uno dei pionieri della storia dell’arte. Gli artisti hanno anche beneficiato di avere biografie specifiche scritte sulle loro vite e opere, anche quando erano ancora in vita, come la Vita di Michelangelo del 1553, scritta da Ascanio Condivi (1525-1574). Gli artisti hanno anche scritto testi su tecniche a beneficio di altri, i primi sono i Commentari di Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE), scritti intorno al 1450 CE. Poiché i Commenti includono dettagli della vita e delle opere di Ghiberti, è anche la prima autobiografia di un artista europeo.

Questo interesse per gli artisti del Rinascimento, la loro vita privata, e come si è venuto a creare capolavori riflette l’elevata stato che ora ha goduto. Gli artisti erano ancora visti come artigiani come calzolai e falegnami, e furono costretti a unirsi a una gilda commerciale. Questo ha cominciato a cambiare durante il Rinascimento. Gli artisti erano ovviamente diversi dagli altri artigiani perché potevano acquisire una fama diffusa per le loro opere e creare un senso di orgoglio civico dai loro concittadini. Tuttavia, sono stati gli sforzi intellettuali di pittori come Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) e Albrecht Dürer (1471-1528 CE) che hanno finalmente elevato i pittori allo status di ‘artisti’, un termine precedentemente limitato a coloro che hanno studiato le arti liberali tradizionali come il latino e la retorica. Gli artisti hanno preso un vivo interesse nello studio della storia dell’arte, quello che stava succedendo nel mondo dell’arte altrove, ha scritto trattati sul loro mestiere, e fatto esperimenti in prospettiva matematica. Tutte queste cose hanno elevato l’arte a scienza.

Un’altra caratteristica distintiva di artisti del Rinascimento, in particolare quelli appartenenti al Rinascimento (1490-1527 CE) è la loro straordinaria capacità in una varietà di media. Figure come Michelangelo e Leonardo erano pittori affermati come scultori, ed entrambi, come molti altri maestri, volsero la mano anche all’architettura. Questi maestri di successo gestivano grandi laboratori e questi erano campi di allenamento per la prossima generazione di artisti.

Una maggiore fiducia nelle loro capacità, conoscenze e contributo alla cultura in generale può essere visto nel crescente numero di artisti che hanno dipinto autoritratti. Un altro sintomo era la frequente firma di opere d’arte, a volte in parti molto importanti del quadro (anche se gli assistenti di un laboratorio di un maestro spesso finivano i lavori).

Pittura & Nuove Tecniche

pittori del Rinascimento sono versatili e spesso sperimentato, ma, in generale, come il Rinascimento ha indossato uno, hanno usato la tecnica dell’affresco, per le pareti, tempera su pannelli, e l’olio per pannelli o di tela. L’affresco-dipinto su un fondo di gesso bagnato – e la tempera – usando pigmenti mescolati con tuorlo d’uovo-erano entrambe tecniche impiegate molto prima del periodo rinascimentale. Gli esperimenti sono stati, tuttavia, realizzati con colori ad olio (pigmenti mescolati con olio di lino o di noce) che hanno dato colori più ricchi, una gamma più ampia di toni e più profondità rispetto ai colori tradizionali. Gli oli hanno permesso di mostrare maggiori dettagli nel dipinto e hanno permesso che le pennellate diventassero un effetto visivo. Entro la fine del 15 ° secolo CE, poi, la maggior parte dei grandi artisti stavano usando oli quando si lavora a un cavalletto, non tempera. Lo svantaggio degli oli era che si deterioravano rapidamente se usati sulle pareti invece del vero affresco.

C’erano diversi stili di pittura e tecniche a seconda della posizione. Ad esempio, la tecnica del colore (o colorito) era prevalente a Venezia (dove i colori contrastanti venivano usati per effettuare e definire una composizione armoniosa) mentre il disegno era preferito a Firenze (dove il disegno a linee di forma aveva la precedenza). Altre tecniche perfezionate dagli artisti rinascimentali includono il chiaroscuro (l’uso contrastante di luce e ombra) e lo sfumato (la transizione di colori più chiari in colori più scuri).

Il soggetto del dipinto è stata un’altra occasione di sperimentazione. Dipingere figure con pose drammatiche divenne una moda rinascimentale, meglio vista nel soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo a Roma (1512 CE). Un enorme senso di movimento è creato dall’uso del contrapposto da parte dell’artista, cioè dall’asimmetria tra il corpo superiore e inferiore delle figure, tecnica utilizzata da Leonardo e da molti altri. Un’altra idea era quella di creare forme in una scena, in particolare triangoli. Lo scopo era quello di creare una composizione armoniosa e dare maggiore profondità, come si può vedere nel murale dell’Ultima Cena di Leonardo in Santa Maria delle Grazie a Milano (c. 1498 d. C.) o la Galatea di Raffaello (c. 1513 d. C., Villa Farnesina, Roma).

Artisti si sono impegnati per un sempre maggiore senso di realtà nei loro dipinti, e questo potrebbe essere fatto attraverso la riproduzione di prospettiva che ci si aspetterebbe di vedere in una visione tridimensionale. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) utilizzava tecniche di scorcio proprio come aveva fatto Giotto. Vedere la sua L’agonia nel giardino (c. 1460 CE, National Gallery, Londra). Mantegna era anche appassionato di dipingere le sue scene come se si stesse guardando dal basso, un altro trucco che ha dato la sua profondità di lavoro. A volte la profondità è stata raggiunta nella terra di mezzo del dipinto mentre le figure dominavano il primo piano, avvicinandole allo spettatore. Era una tecnica innovata da Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) e può essere visto meglio nel Matrimonio della Vergine (c. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milano) di Raffaello, un tempo allievo del Perugino.

Nel frattempo, pittori come Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) andarono oltre e usarono precisi principi matematici della prospettiva, come si può vedere nella sua Flagellazione di Cristo, (c. 1455 CE, Galleria Nazionale delle Marche, Urbino). Alcuni critici ritenevano che alcuni artisti si spingessero troppo oltre nel loro uso della prospettiva e così il senso originale della loro pittura fu perso; Paolo Uccello (1397-1475 CE) fu una particolare vittima di questa affermazione. Uccello è la caccia (c. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford) è certamente un dipinto audace con la sua vista panoramica di una foresta simmetrica che si allontana in uno sfondo sempre più scuro mentre il primo piano è dominato dai cacciatori e dai loro segugi, tutti convergenti verso un lontano punto centrale.

un Altro passo verso una realtà più grande era quello di garantire la scena ha una sola fonte di luce che fornisce la corrispondenza di zone d’ombra, in tutti gli elementi del quadro. Si veda, ad esempio, l’Estasi di San Francesco del 1480 (Frick Collection, New York) di Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Gli artisti hanno anche iniziato a giocare trucchi sullo spettatore come lo specchio in The Arnolfini Wedding portrait di Jan van Eyck (1434 CE, National Gallery, Londra) che mostra riflessi di figure che devono essere in piedi accanto allo spettatore. Tutte queste tecniche avevano l’ulteriore vantaggio di creare un “fattore wow” da spettatori non abituati a vedere tali innovazioni.

I pittori rinascimentali volevano aggiungere un altro livello di significato al loro lavoro oltre alla semplice prima impressione visiva. Le scene mitologiche erano spesso piene di simbolismo, destinato a risolvere lo spettatore ben istruito da meno. Tiziano (c. 1487-1576 CE) ha anche descritto i suoi dipinti mitologici come una forma di poesia, ciò che ha chiamato poesia, tale era la densità di riferimenti classici al loro interno. Vedi, per esempio, il suo Bacco e Arianna (c. 1523 CE, National Gallery, Londra).

Ritrattistica era ancora un’altra area in cui artisti del Rinascimento eccelso. L’esempio più famoso è la Gioconda di Leonardo (c. 1506 CE, Louvre, Parigi), che mostra una donna non identificata. Leonardo non solo ha dipinto una somiglianza, ma ha anche catturato l’umore della baby sitter. Contorni, prospettiva e gradazioni di colore sono tutti combinati per dare vita all’immagine. Inoltre, la postura casual e la vista di tre quarti della donna sono un altro suggerimento al movimento. Questo dipinto è stato estremamente influente sui ritratti da allora in poi. Un altro sviluppo fu l’uso di oggetti di uso quotidiano nei ritratti per suggerire il carattere, le credenze e gli interessi della sitter. I pittori olandesi erano maestri particolari nei ritratti realistici, e le loro idee si diffusero in Italia dove si possono vedere nel lavoro di, per esempio, Piero della Francesca, in particolare il suo dipinto di Federico da Montefeltro, Duca di Urbino (c. 1470 CE, Uffizi, Firenze).

Scultura&Rompendo lo stampo classico

Mentre molti soggetti religiosi sono rimasti popolari nella scultura come la Pietà – la Vergine che piange sul corpo di Gesù Cristo – l’iconografia convenzionale ha presto lasciato il posto a trattamenti più innovativi. Donatello (c. 1386-1466 CE), ad esempio, sperimentò la tecnica del sacrificio e la finitura per catturare l’emozione di una figura, una strategia che si vede meglio nella sua Maria Maddalena lignea (c. 1446 CE, Museo dell’Opera del Duomo, Firenze).

Il classico revival visto scultori creare le proprie versioni di figure antiche in legno, pietra e bronzo. Il più famoso di tutti è il David di Michelangelo (1504 CE, Galleria dell’Accademia, Firenze). Rappresentante il re biblico che, nella sua giovinezza, notoriamente ucciso il gigante Golia, la figura di marmo è molto più grande di grandezza naturale, circa 5,20 metri (17 piedi) di altezza. Ricorda le statue colossali di Ercole dell’antichità, ma la tensione della figura e il suo volto completamente determinato sono invenzioni rinascimentali.

Donatello produsse la sua versione del David in bronzo (1420 o 1440 CE, Bargello, Firenze) e questo lavoro fu un altro drammatico allontanamento dalla scultura antica. La postura crea una figura sensuale che non avrebbe potuto essere prodotta nell’antichità. Sia il David di Michelangelo che quello di Donatello ricordano lo stretto legame tra arte e funzione durante il Rinascimento. Davide apparve sul sigillo ufficiale di Firenze, e come l’uccisore di Golia, fu un promemoria tempestivo delle lotte dei fiorentini contro la città rivale di Milano.

Un’arte legata alla scultura era incisione. Donatello fu nuovamente coinvolto qui, producendo superbi pannelli in bronzo a basso rilievo per il battistero di Siena e diverse chiese fiorentine. La tecnica di intagliare una scena con una profondità ridotta ma ancora ottenendo un senso di prospettiva era conosciuta come’ rilievo appiattito ‘ o rilievo schiacciato. Una tecnica molto diversa era quella di creare pannelli metallici con figure così alte in rilievo che sono quasi a tutto tondo. L’esempio più famoso di questa tecnica è la “Porta del Paradiso” di Lorenzo Ghiberti, la porta del Battistero di San Giovanni di Firenze (completata nel 1452 d.C.). I pannelli dorati attaccati alle porte mostrano scene bibliche e persino un busto dello stesso Ghiberti.

A partire dal 1420 CE, le stampe fatte con xilografie erano popolari, ma fu lo sviluppo delle lastre di rame per incisione dal 1470 CE che vide davvero le stampe diventare una vera forma d’arte. Le lastre di rame davano una precisione e un dettaglio molto maggiori. Mantegna e Dürer furono due notevoli esperti in questo, e le loro incisioni divennero altamente collezionabili. Lo stampatore di maggior successo fu Marcantonio Raimondi (1480-1534 d.C.), e le sue stampe d’arte contribuirono a diffondere le idee nel nord Europa e viceversa.

L’eredità dell’arte rinascimentale

Collezionare arte divenne un hobby dei ricchi, ma man mano che le classi medie diventavano più ricche, così anche loro potevano acquisire arte, anche se non così grande. Laboratori come quelli gestiti da Ghiberti iniziarono non proprio a produrre in serie arte, ma ad impiegare almeno elementi standardizzati tratti da un catalogo esistente. In breve, l’arte non era più limitata ai ricchi, e per coloro che ancora non potevano permettersi gli originali, potevano sempre acquistare stampe. Le stampe diffondono anche la reputazione degli artisti in lungo e in largo. Grazie all’espansione del mercato dell’arte, i maestri erano ora liberi di produrre arte come pensavano che dovesse essere, non come un pensiero mecenate.

L’arte rinascimentale era in continua evoluzione. Il manierismo, ad esempio, è un termine vago che inizialmente si riferiva all’arte stranamente diversa che venne dopo l’Alto Rinascimento. Manierismo poi acquisito un significato più positivo-eleganza, ambiguità del messaggio, contrasto, e in generale giocando con le tecniche e standardizzazioni precedenti artisti rinascimentali avevano impostato. Si veda, ad esempio, il Miracolo di San Marco che salva uno schiavo del Tintoretto del 1548 (c. 1518-1594 CE, Accademia, Venezia). Dal manierismo sarebbe venuto il prossimo stile importante nell’arte europea, il Barocco altamente decorativo, che ha preso i colori ricchi, dettagli raffinati e pose energiche dell’arte rinascimentale ad un nuovo estremo di travolgente dramma e decorazione.