Wood entró a la pintura en un concurso en el Instituto de Arte de Chicago. Un juez lo consideró un «día de san valentín cómico», pero un patrón del museo persuadió al jurado para que otorgara la medalla de bronce y un premio en efectivo de 3 300. El mismo patrón también persuadió al Instituto de Arte para comprar la pintura, y sigue siendo parte de la colección del museo de Chicago. La imagen pronto comenzó a reproducirse en los periódicos, primero en el Chicago Evening Post, y luego en Nueva York, Boston, Kansas City e Indianápolis. Sin embargo, cuando la imagen finalmente apareció en la Gaceta de Cedar Rapids, hubo una reacción violenta. Los habitantes de Iowa estaban furiosos por su representación como»golpeadores puritanos de la Biblia pellizcados, de cara sombría y puritanos». Wood protestó, diciendo que no había pintado una caricatura de Iowa, sino una representación de su aprecio, afirmando que «Tuve que ir a Francia para apreciar Iowa. En una carta de 1941, Wood dijo: «En general, he encontrado que las personas que resienten la pintura son aquellos que sienten que ellos mismos se parecen a la representación.»

Los críticos de arte que tenían opiniones favorables sobre la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron de manera similar que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural en las líneas de, en la literatura, la novela de Sherwood Anderson de 1919 Winesburg, Ohio, la calle principal de Sinclair Lewis de 1920 y La Condesa tatuada de Carl Van Vechten de 1924.

Sin embargo, con la profundización de la Gran Depresión no mucho tiempo después de que se hiciera la pintura, el gótico americano llegó a ser visto como una representación del firme espíritu pionero estadounidense. Wood ayudó a esta transición interpretativa renunciando a su juventud bohemia en París y agrupándose con pintores populistas del Medio Oeste como John Steuart Curry y Thomas Hart Benton, que se rebelaron contra el dominio de los círculos artísticos de la Costa Este. Wood fue citado en este período diciendo: «Todas las buenas ideas que he tenido vinieron a mí mientras ordeñaba una vaca.»American art historian Wanda M. Corn insiste en que Wood no estaba pintando una pareja moderna, sino más bien una del pasado, señalando el hecho de que Wood dirigió a las modelos a usar ropa antigua para la que encontró inspiración consultando su álbum de fotos familiar. Wood incluso planteó las figuras de una manera que se asemejaba a fotografías de larga exposición de familias del Medio Oeste que databan de antes de la Primera Guerra Mundial.

En 2005, la historiadora del arte Sue Taylor sugirió que las figuras en el retrato en realidad podrían representar a los padres de Wood. Afirmó que debido a que el padre de Wood falleció cuando Wood tenía solo 10 años, Wood no desarrolló una relación cercana con él, pero señaló que pasó el resto de su vida muy apegado a su madre. Teoriza que la madera pudo haber desarrollado un complejo de Edipo y lo expresó subconscientemente en la pintura. Taylor cita la falta de calidez entre las dos figuras, así como la clasificación de Wood de ellas como «padre e hija» fue una forma de que Wood eliminara cualquier connotación sexual para que Wood no tuviera que enfrentar sus propios miedos e inseguridades. Taylor también señala similitudes entre otros retratos de la madre de Wood y la mujer en gótico americano, incluido el broche que lleva puesto.

El historiador de arte Tripp Evans lo interpretó en 2010 como un «retrato de luto a la antigua usanza»… Es revelador que las cortinas que cuelgan en las ventanas de la casa, tanto arriba como abajo, se cierren a mitad del día, una costumbre de luto en la América victoriana. La mujer lleva un vestido negro debajo de su delantal, y mira hacia otro lado como conteniendo las lágrimas. Uno imagina que está de duelo por el hombre que está a su lado. Wood solo tenía 10 años cuando murió su padre, y más tarde vivió durante una década «encima de un garaje reservado para coches fúnebres», por lo que la muerte probablemente estaba en su mente.

En 2019, la escritora de cultura Kelly Grovier lo describió como un retrato de Plutón y Proserpina, los dioses romanos del inframundo. Interpreta el pequeño globo en la veleta en la parte superior de la pintura como representación del entonces recientemente descubierto planeta enano Plutón, el granjero que maneja una horquilla como el guardián de las puertas del infierno, y señala el broche de camafeo de la mujer, que contiene una representación clásica de la diosa mitológica, y el mechón de cabello colgando de la oreja derecha de la mujer como representación de lo deslumbrante en el mito de la diosa.