Wood nahm an einem Wettbewerb am Art Institute of Chicago teil. Ein Richter hielt es für einen „Comic-Valentinstag“, aber ein Museumspatron überredete die Jury, dem Gemälde die Bronzemedaille und einen Geldpreis von 300 US-Dollar zu verleihen. Derselbe Mäzen überredete auch das Art Institute, das Gemälde zu kaufen, und es bleibt Teil der Sammlung des Chicago Museum. Das Bild wurde bald in Zeitungen reproduziert, zuerst von der Chicago Evening Post und dann in New York, Boston, Kansas City und Indianapolis. Als das Bild jedoch schließlich in der Cedar Rapids Gazette erschien, gab es eine Gegenreaktion. Iowans waren wütend auf ihre Darstellung als „eingeklemmte, grimmige, puritanische Bibelschläger“. Wood protestierte und sagte, er habe keine Karikatur von Iowans gemalt, sondern eine Darstellung seiner Wertschätzung: „Ich musste nach Frankreich gehen, um Iowa zu schätzen.“ In einem Brief von 1941 sagte Wood: „Im Allgemeinen habe ich festgestellt, dass die Leute, die das Gemälde ablehnen, diejenigen sind, die das Gefühl haben, dass sie selbst der Darstellung ähneln.“Kunstkritiker, die positive Meinungen über das Gemälde hatten, wie Gertrude Stein und Christopher Morley, nahmen in ähnlicher Weise an, dass das Gemälde eine Satire des ländlichen Kleinstadtlebens sein sollte. Es wurde daher als Teil des Trends zu zunehmend kritischen Darstellungen des ländlichen Amerikas nach dem Vorbild von Sherwood Andersons Roman Winesburg, Ohio aus dem Jahr 1919, Sinclair Lewis ‚Main Street aus dem Jahr 1920 und Carl Van Vechts The Tattooed Countess aus dem Jahr 1924 gesehen.Mit der Vertiefung der Weltwirtschaftskrise nicht allzu lange nach der Entstehung des Gemäldes wurde American Gothic jedoch als Darstellung des standhaften amerikanischen Pioniergeistes angesehen. Wood unterstützte diesen interpretativen Übergang, indem er auf seine böhmische Jugend in Paris verzichtete und sich mit populistischen Malern aus dem Mittleren Westen wie John Steuart Curry und Thomas Hart Benton zusammenschloss, die sich gegen die Dominanz der Kunstkreise an der Ostküste auflehnten. Wood wurde in dieser Zeit mit den Worten zitiert: „All die guten Ideen, die ich jemals hatte, kamen mir, als ich eine Kuh melkte.“Amerikanische Kunsthistorikerin Wanda M. Corn besteht darauf, dass Wood kein modernes Paar malte, sondern eines aus der Vergangenheit, und weist auf die Tatsache hin, dass Wood die Models anwies, altmodische Kleidung zu tragen, für die er Inspiration fand, indem er sein Familienfotoalbum konsultierte. Im Jahr 2005 schlug die Kunsthistorikerin Sue Taylor vor, dass die Figuren im Porträt tatsächlich Woods Eltern darstellen könnten. Sie behauptete, dass Woods Vater starb, als Wood erst 10 Jahre alt war, Wood entwickelte keine enge Beziehung zu ihm, stellte jedoch fest, dass er den Rest seines Lebens sehr eng mit seiner Mutter verbunden verbrachte. Sie theoretisiert, dass Wood einen Ödipuskomplex entwickelt haben könnte und drückte dies unbewusst in der Malerei aus. Taylor zitiert den Mangel an Wärme zwischen den beiden Figuren sowie Woods Klassifizierung von ihnen als „Vater und Tochter“ war eine Möglichkeit für Wood, jede sexuelle Konnotation zu entfernen, so dass Wood sich nicht seinen eigenen Ängsten und Unsicherheiten stellen musste. Taylor weist auch auf Ähnlichkeiten zwischen anderen Porträts von Woods Mutter und der Frau in der amerikanischen Gotik hin, einschließlich der Brosche, die sie trägt. Der Kunsthistoriker Tripp Evans interpretierte es 2010 als „altmodisches Trauerporträt … Bezeichnenderweise werden die Vorhänge, die in den Fenstern des Hauses hängen, sowohl oben als auch unten, mitten am Tag geschlossen, ein Trauergewohnheit im viktorianischen Amerika. Die Frau trägt ein schwarzes Kleid unter ihrer Schürze und schaut weg, als würde sie Tränen zurückhalten. Man stellt sich vor, sie trauert um den Mann neben ihr.“ Wood war erst 10 Jahre alt gewesen, als sein Vater starb, und später lebte er ein Jahrzehnt lang „über einer Garage, die für Leichenwagen reserviert war“.Im Jahr 2019 beschrieb die Kulturautorin Kelly Grovier es als Porträt von Pluto und Proserpina, den römischen Göttern der Unterwelt. Er interpretiert den kleinen Globus auf der Wetterfahne ganz oben auf dem Gemälde als Darstellung des damals kürzlich entdeckten Zwergplaneten Pluto, den Heugabel schwingenden Bauern als Hüter der Höllentore und zeigt auf die Cameo-Brosche der Frau, die eine klassische Darstellung der mythologischen Göttin enthält, und die baumelnde Haarsträhne am rechten Ohr der Frau als Darstellung des Hinreißenden im Mythos der Göttin.