Fjern Annonser

Annonse

Fjern Annonser

Annonse

utviklingen i kunsten var relativt langsom, men som noen kunstnere fikk stor berømmelse, slik at de kunne utvikle nye ideer & gjøre Kunst forskjellig fra hva som hadde gått før.Private beskyttere Som Paver, Tysk-Romerske Keisere, konger og hertuger så alle fordelene ved å forskjønne deres byer og palasser, men de var også veldig interessert i å få et rykte for fromhet og kunnskap om kunst og historie. Når en patron funnet en artist de likte, de ofte ansatt dem langsiktig som sin offisielle domstol artist, sette dem alle typer oppgaver fra portretter til livery design. Lånere betalte og så gjorde de ofte spesifikke forespørsler om detaljer om et kunstverk. Videre, selv om en kunstner kunne bruke sine ferdigheter og fantasi, måtte de forbli innenfor konvensjonens grenser ved at tallene i deres arbeid måtte anerkjennes for hvem de var. Det var for eksempel ikke noe godt å lage en freske av en helgenes liv hvis ingen gjenkjente hvem den helgenen var. Av denne grunn var utviklingen i kunsten relativt langsom, men som noen kunstnere fikk stor berømmelse, slik at de kunne utvikle nye ideer i kunsten og gjøre det forskjellig fra det som hadde gått før.

Den Klassiske Vekkelse

et definerende trekk Ved Renessansen var re-interesse I den antikke Verden Av Hellas og Roma. Som en del av Det Vi nå kaller Renessansehumanisme, ble klassisk litteratur, arkitektur og kunst alle konsultert for å trekke ut ideer som kunne forvandles til den moderne verden. Lorenzo De Medici (1449-1492), leder Av Den Store Florentinske familien, var en bemerkelsesverdig beskytter, og hans samling av gamle kunstverk var et studiested for mange kunstnere. Unge kunstnere, trening i verksteder av etablerte mestere, hadde også tilgang til gammel kunst der eller i det minste reproduksjonstegninger.

kunstnere imiterte direkte klassiske kunstverk eller deler av dem i sine egne verk. I 1496, For Eksempel, skulpturert Michelangelo (1475-1564 CE) Den Sovende Cupid (nå tapt) som han med vilje alderen for å få det til å virke som et autentisk gammelt verk. En annen rekreasjon av antikken, denne gangen en helt imaginær en, Er Skolen Av Athen fresco Av Raphael (1483-1520 CE). Fullført i 1511 CE og ligger I Vatikanet, viser denne fresken alle de store tenkere fra den gamle verden. Vanlige bilder fra klassisk mytologi var spesielt populære. Disse ble igjen reimagined, og i noen tilfeller har de til og med overhalet gammel kunst i våre sinn når vi tenker på bestemte fag. Venus ‘ Fødsel (ca. 1484 E. Kr., Uffizi Gallery, Firenze) av Sandro Botticelli (1445-1510 E. KR.) er et eksempel på dette. Til slutt var avbildningen av gammel arkitektur og ruiner en spesiell favoritt av Mange Renessansekunstnere for å gi bakgrunnsstemning til både deres mytologiske og religiøse verk.

Økt Status For Kunstnere

en annen ny utvikling var interessen for å rekonstruere kunsthistorien og katalogisere hvem som var de store kunstnerne og hvorfor. Den mest berømte lærde for å kompilere en slik historie var Giorgio Vasari (1511-1574 E. KR.) i Hans The Lives of The Most Excellent Italian Architects, Painters, And Sculptors (1550 E. kr., revidert 1568 E. KR.). Historien er en monumental oversikt Over Renessansekunstnere, deres verk og anekdotiske historier knyttet til Dem, Og Så Vasari regnes som en av pionerene innen kunsthistorie. Kunstnere hadde også nytte av å ha spesifikke biografier skrevet om deres liv og verk, selv når De fortsatt var i live som 1553 CE Life Of Michelangelo, skrevet Av Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Kunstnere skrev også tekster om teknikker til fordel for andre, de tidligste Var Kommentarer Av Lorenzo Ghiberti (1378-1455 E. KR.), skrevet en gang rundt 1450 E.KR. Ettersom Kommentarene inneholder detaljer Om Ghibertis eget liv og verk, er Det også den Første selvbiografien til En europeisk kunstner.

denne interessen i renessansekunstnere gjenspeiler deres private liv, og hvordan de kom til å skape mesterverk, den forhøyede statusen de nå likte. Kunstnere ble fortsatt sett på som håndverkere som skomakere og snekkere, og de ble tvunget til å delta i en handel guild. Dette begynte å forandre seg Under Renessansen. Kunstnere var åpenbart forskjellig fra andre håndverkere fordi de kunne skaffe seg utbredt berømmelse for sine verk og skape en følelse av borgerlig stolthet fra sine medborgere. Det var imidlertid de intellektuelle bestrebelsene til malere Som Leonardo Da Vinci (1452-1519 E. KR.) Og Albrecht Dü (1471-1528 E. KR.) som til slutt løftet malere til status som ‘kunstnere’, et begrep som tidligere var begrenset til de som studerte den tradisjonelle liberale kunsten som Latin og retorikk. Kunstnere tok en stor interesse i å studere kunsthistorien, hva som foregikk i kunstverdenen andre steder, skrev avhandlinger om sine båter, og gjort eksperimenter i matematisk perspektiv. Alle disse tingene forhøyet kunst til en vitenskap.

Et annet definerende trekk Ved Renessansekunstnere, spesielt De som tilhører Høyrenessansen (1490-1527 CE) er deres ekstraordinære evne i en rekke medier. Figurer Som Michelangelo og Leonardo var like dyktig malere som de var skulptører, og begge, som mange andre mestere, slått sin hånd til arkitektur, også. Slike vellykkede mestere kjørte store verksteder, og disse var treningsfelt for neste generasjon kunstnere. En større tillit til sine ferdigheter, kunnskaper og bidrag til kultur generelt kan sees i det økende antall kunstnere som malte selvportretter. Et annet symptom var hyppig signering av kunstverk, noen ganger i svært fremtredende deler av bildet (selv om assistentene i et mesterverksted ofte avsluttet arbeider).

maleri & nye teknikker

renessansemalere var allsidige og Eksperimenterte ofte, men generelt, da renessansen hadde på seg en, brukte de freskoteknikken for vegger, tempera for paneler og Olje for paneler eller lerret. Fresco-maleri på en våt gips bakgrunn-og tempera-ved hjelp av pigmenter blandet med eggeplomme – var begge teknikker ansatt lenge Før Renessansen. Eksperimenter ble imidlertid gjort ved hjelp av oljemaling (pigmenter blandet med linfrø eller valnøttolje) som ga rikere farger, et bredere spekter av toner og mer dybde enn tradisjonelle farger. Oljer tillatt flere detaljer som skal vises i maleriet og tillatt penselstrøk for å bli en visuell effekt. Ved slutten AV DET 15. århundre E. KR. brukte de fleste store kunstnere oljer når de jobbet på et easel, ikke tempera. Ulempen med oljer var at de raskt forverret hvis de brukes på vegger i stedet for ekte fresco.

det var forskjellige malestiler og teknikker avhengig av sted. For eksempel var colore (eller colorito) teknikken utbredt I Venezia (hvor kontrastfarger ble brukt til å påvirke og definere en harmonisk sammensetning) mens disegno ble foretrukket I Firenze (hvor strektegning av form hadde forrang). Andre teknikker perfeksjonert Av Renessansekunstnere inkluderer chiaroscuro (kontrasterende bruk av lys og skygge) og sfumato (overgangen fra lysere til mørkere farger).

maleriets emne var en annen mulighet for eksperimentering. Maleri figurer med dramatiske positurer ble En Renessanse mote, best sett I Michelangelos Sixtinske Kapell taket I Roma (1512 CE). En enorm følelse av bevegelse er skapt av kunstnerens bruk av contrapposto, det er asymmetrien mellom figurens øvre og nedre kropp, en teknikk som Brukes Av Leonardo og mange andre. En annen ide var å lage former i en scene, spesielt trekanter. Målet med dette var å skape en harmonisk komposisjon og gi ekstra dybde, som Kan sees I Leonardos Nattverden veggmaleri I Milanos Santa Maria Delle Grazie (c. 1498 E. KR.) Eller Galatea av Raphael (Ca. 1513 E. Kr., Villa Farnesina, Roma).

kunstnere strebet etter en stadig større Følelse Av Virkelighet I Sine Malerier, Og Dette Kunne Gjøres ved å reprodusere perspektivet man ville forvente å se i et tredimensjonalt syn. Andrea Mantegna (født ca. 1431-1506) brukte forkortelsesteknikker akkurat som Giotto hadde gjort. Se Hans Dødskamp i Hagen (ca. 1460 E. Kr., National Gallery, London). Mantegna var også ivrig på å male sine scener som om man så på dem nedenfra, et annet triks som ga sitt arbeid dybde. Noen ganger dybde ble oppnådd i midten bakken av maleriet mens tallene dominerte forgrunnen, bringe dem nærmere betrakteren. Det var en teknikk som ble oppfunnet Av Pietro Perugino (ca. 1450-1523 E. KR.) og kan best ses i Jomfruens Ekteskap (ca. 1504 E. Kr., Pinacoteca Di Brera, Milano) Av Raphael, en gang elev Av Perugino.I Mellomtiden gikk malere Som Piero Della Francesca (ca. 1420-1492 E. KR.) videre og brukte presise matematiske prinsipper for perspektiv, som det kan ses i Hans Flagellasjon Av Kristus, (Ca. 1455 E. Kr., National Gallery Of Marche, Urbino). Noen kritikere mente at noen kunstnere gikk for langt i sin bruk av perspektiv og så den opprinnelige følelsen av deres maleri gikk tapt; Paolo Uccello (1397-1475 E. KR.) var et spesielt offer for denne påstanden. Uccello Er Jakten (ca. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford) er absolutt et dristig maleri med panoramautsikt over en symmetrisk skog som går tilbake til en stadig mørkere bakgrunn mens forgrunnen domineres av jegerne og deres hunder, som alle konvergerer mot et fjernt sentralt punkt.

et annet skritt mot en større virkelighet var å sikre at scenen hadde en enkelt lyskilde som gir matchende skyggeområder i alle elementene i maleriet. Se For eksempel 1480 CE Ecstasy Of Saint Francis (Frick Collection, New York) Av Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Kunstnere begynte selv å spille triks på betrakteren som speilet I Jan van Eycks The Arnolfini Wedding portrait (1434 CE, National Gallery, London) som viser refleksjoner av figurer som må stå ved siden av betrakteren. Alle disse teknikkene hadde den ekstra fordelen av å skape en ‘wow-faktor’ fra seere som ikke er vant til å se slike innovasjoner.Renessansemalere ønsket å legge til et annet nivå av mening i sitt arbeid enn bare det visuelle førsteinntrykket. Mytologiske scener var ofte fullpakket med symbolikk, ment å sortere ut den velutdannede seeren fra mindre. Tizian (ca. 1487-1576 E. KR.) beskrev selv sine mytologiske malerier som en form for poesi, det han kalte poesia, slik var tettheten av klassiske referanser innenfor dem. Se For eksempel Hans Bacchus Og Ariadne (ca. 1523 E. Kr., National Gallery, London).

portrett var enda et område hvor renessansekunstnere utmerket seg. Det mest kjente eksempelet er Leonardos Mona Lisa (ca. 1506 E. Kr., Louvre, Paris), som viser En uidentifisert kvinne. Leonardo har ikke bare malt en likhet, men også fanget stemningen i sitter. Konturer, perspektiv og fargegraderinger kombineres for å gi bildet liv. Videre er den uformelle stillingen og tre fjerdedeler av damen et annet hint på bevegelse. Dette maleriet var enormt innflytelsesrik på portretter etterpå. En annen utvikling var bruken av hverdagslige objekter i portretter for å antyde hundepasserens karakter, tro og interesser. De Nederlandske malerne var særskilte mestere i realistiske portretter, og deres ideer spredte seg til Italia hvor de kan bli sett i verkene Til For Eksempel Piero Della Francesca, særlig hans maleri Av Federico Da Montefeltro, Hertug Av Urbino (ca. 1470 E. kr., Uffizi, Firenze).

Skulptur & Å Bryte Den Klassiske Formen

mens mange religiøse emner forble populære i skulptur som Pietupuncture-Jomfru Maria sorg Over jesu kristi kropp-konvensjonell ikonografi snart banet vei for mer innovative behandlinger. Donatello (født ca. 1386-1466), for eksempel, eksperimenterte med å ofre teknikk og finish for å fange følelser av en figur, en strategi best sett i hans Tre Maria Magdalena (c. 1446 CE, Museo dell ‘ Opera del Duomo, Firenze).

den klassiske revival så skulptører lage sine egne versjoner av gamle figurer i tre, stein og bronse. Mest kjent av Alt Er Michelangelos David (1504 CE, Galleria dell ‘ Accademia, Firenze). Representerer den bibelske kongen som i sin ungdom drepte den gigantiske Goliat, er marmorfiguren mye større enn livsstil, rundt 5, 20 meter (17 fot) høy. Det minner om kolossale statuer Av Hercules fra antikken, men spenningen i figuren og hans grundig bestemte ansikt er Renessansoppfinnelser. Donatello produserte sin versjon Av David i bronse (1420-eller 1440-tallet E. Kr., Bargello, Firenze) og dette arbeidet var en annen dramatisk avgang fra gammel skulptur. Stillingen skaper en sanselig figur som ikke kunne ha blitt produsert i antikken. Både Michelangelos Og Donatellos David minner om den nære forbindelsen mellom kunst og funksjon under Renessansen. David dukket opp på Det offisielle seglet I Firenze, og som slayer Av Goliat var det en rettidig påminnelse om Florentinernes kamp mot den rivaliserende Byen Milano.

en relatert kunst til skulptur var gravering. Donatello var igjen involvert her, og produserte flotte lav relieff bronse paneler for dåpskapellet I Sienna og flere Florentinske kirker. Teknikken med carving en scene med en grunn dybde, men likevel oppnå en følelse av perspektiv var kjent som ‘flat relief’ eller rilievo schiacciato. En helt annen teknikk var å lage metallpaneler med figurer så høyt i lettelse de er nesten i runden. Det mest kjente eksempelet på denne teknikken er Lorenzo Ghiberti ‘ S ‘Gates Of Paradise’, dørene Til Firenzes Baptistery Of San Giovanni (fullført i 1452 CE). De forgylte panelene festet til dørene viser bibelske scener og til og med En byste Av Ghiberti selv. fra 1420 E. KR. var trykk laget av tresnitt populære, men det var utviklingen av gravering av kobberplater FRA 1470-tallet E. KR. som virkelig så utskrifter bli en ekte kunstform. Kobberplater ga en mye større presisjon og detaljer. Mantegna og Dü var to kjente eksperter på dette, og deres graveringer ble svært collectible. Den mest vellykkede trykkeren Var Marcantonio Raimondi (1480-1534 E. KR.), og hans trykk av kunst bidro til å spre ideer til nord-Europa og omvendt.

Arven Fra Renessansekunst

Innsamling av kunst ble en hobby for de rike, men da middelklassen ble rikere, kunne de også skaffe seg kunst, om enn ikke fullt så stor. Workshops som De som Drives Av Ghiberti begynte ikke akkurat å masseprodusere kunst, men å i det minste benytte standardiserte elementer hentet fra en eksisterende katalog. Kort sagt, kunst var ikke lenger begrenset til de rike, og for de som fortsatt ikke hadde råd til originaler, kunne de alltid kjøpe utskrifter. Trykk spredte også kunstneres omdømme vidt og bredt. Takket være utvidelsen av kunstmarkedet var mestere nå fri til å produsere kunst som de trodde det skulle være, ikke som en patron tanke.

Renessansekunst utviklet seg kontinuerlig. Manierismen, for eksempel, er et vagt begrep som opprinnelig refererte til den merkelig forskjellige kunsten som kom etter Høyrenessansen. Manierismen fikk da en mer positiv betydning-stilighet , tvetydighet i budskap, kontrast, og generelt spille med teknikker og standardiseringer Tidligere Renessansekunstnere hadde satt. Se For eksempel 1548 Ce Mirakel Av Saint Mark Redde En Slave Av Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Venezia). Fra Manierismen kom Den neste store stilen I Europeisk kunst, den svært dekorative Barokken, som tok de rike farger, fine detaljer og energiske positurer Fra Renessansekunst til en ny ekstrem av overveldende drama og dekorasjon.