ヨーロッパ（1400-1600CE）のルネサンス期の芸術は、世界で最も認識し、最も愛さ絵画や彫刻のい 巨匠は絵画と彫刻の両方に熟練していたことが多く、古代の芸術を研究し、数学的視点と新しい絵画技術の理論的知識を加えることによって、真にユニークな芸術作品を生み出しました。 リアリズム、ディテール、ドラマ、微妙な意味の層は、宗教的および世俗的な芸術の特徴となった。 今、芸術家は最終的に彼らの古い職人の地位から解放され、彼らが住んでいた社会の文化と威信に重要な貢献者として新しい地位を達成しました。

ルネサンス芸術の特徴を定義するには、次のものが含まれます。

• 古典芸術の本質的な要素、特に人体の形と割合を捉えることに関心があります。
  • 現代美術の歴史への関心と開発の継続的なパスを鍛造。
  • 異教と宗教的な図像のブレンドが、その焦点として人類と。
  • 記念碑と劇的な姿勢への傾向。
  • 視聴者からの感情的な反応を作り出すことへの関心。
  • 正確な数学的視点の開発。
  • 超現実的で詳細な肖像画、シーン、風景への関心。
  • 明るい色、色合いの使用、および光の効果をキャプチャすることに興味を持っています。
  • 油絵具や細かいプリントの使用中の開発。
  • 余分な意味を与えるために微妙な形や日常のオブジェクトの使用。
  • 知的研究と実践的なスキルを組み合わせた優れた職人としてのアーティストの威信の増加。

  中世の起源

  ルネサンス芸術は、アイデアや才能の奇跡的な復活でどこからともなく生まれたと考えられていましたが、現代の歴史家 ジョット（d.1337CE）のようなアーティストは、彼らの絵画をより現実的にすることに熱心だったので、シーンに深さの感覚を与えるために短縮を使用しました。 ジョットの短縮、光と影、感情、シーンの動的な選択の使用は、パドヴァ（c.1315CE）のScrovegniチャペルの彼の宗教的なフレスコ画で最もよく見ることができます。 これらの技術と、キャラクターを生き生きとさせることでのアーティストの成功は、後のアーティストに非常に影響力があるでしょう。 このため、ジョットはルネサンス以前に住んでいたとしても、しばしば”最初のルネサンスの画家”と呼ばれています。p>

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  裕福なパトロンは、芸術作品の大半が手数料で作られた期間にルネサンス芸術の原動力でした。 教会は、ルネサンスの最初の部分では、このシステムの通常の受益者でした。 祭壇画やフレスコ画のための塗装パネルは、多くの場合、聖人とよくウィッシャーに囲まれた聖母と子供であるサクラconversazioneを示す、芸術的な装飾の最も一般的 高さ数メートルの記念碑的な祭壇は、現代の建築の発展を模倣するために精巧に囲まれていたことがよくありました。 すべての中で最も有名な祭壇画は、Jan van Eyck（c.1390-1441CE）による1432CE Ghent祭壇画です。 初期のルネサンスの主題は、中世を通じて人気のあるものと非常によく似ています。

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  芸術の進化は比較的遅かったが、いくつかのアーティストが大きな名声を得たので、新しいアイデアを開発することができた&芸術を以前のものとは異なるものにする。

  教皇、神聖ローマ皇帝、王、公爵などの私的な後援者は、すべて彼らの都市や宮殿を美化することの利点を見ましたが、彼らはまた、敬虔さと芸術と歴史の知識のための評判を得ることに非常に興味を持っていました。 パトロンは、彼らが好きなアーティストを見つけたら、彼らはしばしばそれらを肖像画からカラーリングのデザインにタスクのすべての種類を設定し、彼らの公式の裁判所のアーティストとして長期的にそれらを採用しました。 パトロンは払っていたので、彼らはしばしば芸術作品の詳細について特定の要求をしました。 さらに、アーティストは自分のスキルと想像力を使用することができますが、彼らは自分の作品の数字は、彼らが誰であるかのために認識されなければ 誰もその聖人が誰であるかを認識していない場合、それは、例えば、聖人の人生のフレスコ画を作る良いことではありませんでした。 このため、芸術の進化は比較的遅かったが、いくつかの芸術家が大きな名声を得たので、彼らは芸術の新しいアイデアを開発し、以前に行っていたものとは別のものにすることができた。

  古典的なリバイバル

  ルネサンス期の決定的な特徴は、ギリシャとローマの古代世界への再関心でした。 私たちが今ルネッサンスヒューマニズムと呼ぶものの一部として、古典文学、建築、芸術はすべて、現代世界のために変換することができるアイデアを抽出 ロレンツォ-デ-メディチ（1449-1492CE）、偉大なフィレンツェの家族の頭は、注目すべきパトロンであり、古代の作品の彼のコレクションは、多くの芸術家のための研 確立された巨匠のワークショップで訓練を受けた若い芸術家は、そこにある古代の芸術や少なくとも複製の絵にアクセスすることができました。

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  より大きな現実に向けたもう一つのステップは、シーンが絵のすべての要素に影の一致する領域を提供する単一の光源を持っていることを確認す 例えば、Ｇｉｏｖａｎｎｉ Ｂｅｌｌｉｎｉによる１ ４ ８ ０ＣＥ Ｅｃｓｔａｓｙ ｏ ｆ Ｓａｉｎｔ Ｆｒａｎｃｉｓ（Ｆｒｉｃｋ Ｃｏｌｌｅｃｔｉｏｎ，Ｎｅｗ Ｙｏｒｋ）（１ ４ ３ ０−１ ５ １ ６ＣＥ）を参照されたい。 アーティストも、このようなヤン*ファン*エイクのArnolfini結婚式の肖像画（1434CE、ナショナル*ギャラリー、ロンドン）の鏡のような視聴者にトリックを再生し始めた視聴者の隣に立っている必要があります数字の反射を示しています。 これらの技術のすべては、そのような技術革新を見ることに慣れていない視聴者から”すごい要因”を作成するという追加の利点を持っていました。

  ルネサンスの画家たちは、視覚的な第一印象だけでなく、自分の仕事に別のレベルの意味を加えたいと思っていました。 神話のシーンは、しばしば象徴主義で詰め込まれ、よく教育された視聴者をあまりそうではないものから整理することを意図していました。 ティツィアーノ（c.1487-1576CE）も詩の一形態として彼の神話の絵画を説明し、彼はpoesiaと呼ばれるもの、そのようなものは、それらの中の古典的な参照の密度でした。 例えば、ｈｉｓ Ｂａｃｃｈｕｓ ａｎｄ Ａｒｉａｄｎｅ（１ ５ ２ ３ＣＥ，Ｎａｔｉｏｎａｌ Ｇａｌｌｅｒｙ，Ｌｏｎｄｏｎ）を参照されたい。P>

  

  肖像画ルネッサンスの芸術家が優れたまだ別の領域でした。 最も有名な例は、レオナルドのモナリザ（c.1506CE、ルーヴル美術館、パリ）であり、正体不明の女性を示しています。 レオナルドは肖像画を描いただけでなく、シッターの気分も捉えています。 輪郭、遠近法、および色のグラデーションはすべて、画像の生命を与えるために組み合わされます。 さらに、カジュアルな姿勢と女性の四分の三のビューは、動きの別のヒントです。 この絵は、その後の肖像画に非常に影響を与えました。 もう一つの開発は、シッターの性格、信念、および利益を示唆するために肖像画で日常のオブジェクトの使用でした。 ネーデルラントの画家は、現実的な肖像画で特定のマスターだった、と彼らのアイデアは、彼らがの作品で見ることができるイタリアに広がった、例えば、ピエロ*デッラ*フランチェスカ、特に彼の絵画フェデリコ*ダ*モンテフェルトロ、ウルビーノ公爵（c.1470CE、ウフィツィ、フィレンツェ）。

  彫刻&古典的な金型を破る

  多くの宗教的な科目は、ピエタのような彫刻で人気が残っている間-イエス-キリストの体の上に喪 ドナテッロ(c. 1386-1466CE）は、例えば、図の感情をキャプチャするために技術と仕上げを犠牲にして実験し、最高の彼の木製のマグダラのマリア（c.1446CE、Museo dell’Opera del Duomo、フィレンツェ）に見 p>

  

  古典的な復活は、彫刻家が木、石、青銅で古代の人物の独自のバージョンを作成するのを見ました。 すべての中で最も有名なのは、ミケランジェロのダビデ（1504CE、ガレリアdell’Accademia、フィレンツェ）です。 彼の若さで、有名な巨大なゴリアテを殺した聖書の王を表す、大理石の姿は、5.20メートル（17フィート）の高さの周りに、等身大よりもはるかに大きいです。 それは古代からのヘラクレスの巨大な彫像を思い起こさせるが、人物の緊張と彼の徹底的に決定された顔はルネサンスの発明である。

  ドナテッロは青銅（1420年代または1440年代CE、Bargello、フィレンツェ）でダビデの彼のバージョンを生産し、この作品は古代の彫刻から別の劇的な出発でした。 姿勢は、古代には生産されていなかった感覚的な姿を作り出します。 ミケランジェロとドナテッロの両方のダビデは、ルネサンスの間に芸術と機能の間の密接なリンクを思い出させます。 ダビデはフィレンツェの公式シールに登場し、ゴリアテの殺し屋として、それはミラノのライバル都市に対するフィレンツェの闘争のタイムリーなリマインダーでした。 p>

  

  彫刻に関連する芸術は彫刻でした。 ドナテッロは再びここに関与し、シエナの洗礼堂といくつかのフィレンツェの教会のための優れた低レリーフ青銅パネルを生産しました。 浅い深さを持つシーンを彫刻する技術は、まだ視点の感覚を達成することは、”平らな救済”またはrilievo schiacciatoとして知られていました。 非常に異なった技術は円形にほとんどある救助で非常に高い図が付いている金属のパネルを作成することだった。 この技法の最も有名な例は、ロレンツォ-ジベルティの”楽園の門”、フィレンツェのサン-ジョヴァンニの洗礼堂（1452CEに完成）のためのドアです。 ドアに取り付けられた金色のパネルは、聖書のシーンとGhiberti自身の胸像を示しています。

  1420CEから、木版画から作られたプリントが人気がありましたが、実際にプリントが真の芸術形式になるのを見たのは、1470年代のCEからの彫刻銅板の開 銅板は、はるかに大きな精度と詳細を与えた。 マンテーニャとデューラーはこの時の二つの著名な専門家であり、彼らの彫刻は非常に収集可能になった。 最も成功したプリンタはMarcantonio Raimondi（1480-1534CE）であり、美術の彼のプリントは、北ヨーロッパとその逆にアイデアを広めるのに役立ちました。 p>

  

  ルネサンス芸術の遺産

  芸術を収集することは裕福な人の趣味になりましたが、中産階級が豊かに Ghibertiが運営するようなワークショップは、芸術を大量生産するのではなく、少なくとも既存のカタログから取られた標準化された要素を採用するように 要するに、芸術はもはや裕福な人に限定されておらず、原稿を買う余裕がない人にとっては、常に版画を買うことができました。 版画はまた、アーティストの評判をはるかに広げました。 芸術市場の拡大のおかげで、巨匠たちは、守護者の考えではなく、そうすべきだと思ったように自由に芸術を制作することができました。

  ルネサンス芸術は継続的に進化していました。 マニエリスムは、例えば、最初に高いルネッサンスの後に来た奇妙に異なる芸術を指した漠然とした用語です。 マニエリスムはその後、より肯定的な意味を獲得しました-スタイリッシュさ、メッセージのあいまいさ、コントラスト、そして一般的に以前のルネッサンス 例えば、Tintorettoによる1548CE Miracle of Saint Mark Rescuing a Slave（c.1518-1594CE、Academia、Venice）を参照してください。 マニエリスムからヨーロッパの芸術の次の主要なスタイル、圧倒的なドラマや装飾の新しい極端にルネッサンス芸術の豊かな色、細かいディテール、およ