L’art de la Renaissance en Europe (1400-1600 CE) comprend certaines des peintures et sculptures les plus reconnaissables et les plus appréciées au monde. Les maîtres étaient souvent qualifiés à la fois en peinture et en sculpture, et en étudiant l’art de l’Antiquité et en ajoutant leurs connaissances théoriques de la perspective mathématique et des nouvelles techniques de peinture, ils produisaient des œuvres d’art vraiment uniques. Le réalisme, les détails, le drame et les couches subtiles de sens sont devenus des caractéristiques de l’art religieux et profane. Maintenant, les artistes se sont enfin libérés de leur ancien statut d’artisan et ont atteint une nouvelle position en tant que contributeurs vitaux à la culture et au prestige des sociétés dans lesquelles ils vivaient.

Les caractéristiques de l’art de la Renaissance comprennent:

• un intérêt pour la capture des éléments essentiels de l’art classique, en particulier la forme et les proportions du corps humain.
• un intérêt pour l’histoire de l’art contemporain et forger un chemin continu de développement.
• un mélange d’iconographie païenne et religieuse mais avec l’humanité comme centre d’intérêt.
• une tendance à la monumentalité et aux postures dramatiques.
• un intérêt à créer une réponse émotionnelle du spectateur.
• le développement d’une perspective mathématique précise.
• un intérêt pour les portraits, les scènes et les paysages hyperréalistes et détaillés.
• un intérêt pour l’utilisation de couleurs vives, d’ombres et la capture des effets de la lumière.
• le développement de l’utilisation des peintures à l’huile et des imprimés fins.
• l’utilisation de formes subtiles et d’objets du quotidien pour donner un sens supplémentaire.
• une augmentation du prestige des artistes en tant qu’artisans supérieurs qui combinaient études intellectuelles et compétences pratiques.

Origines médiévales

On pensait que l’art de la Renaissance était né de nulle part dans une renaissance miraculeuse d’idées et de talents, mais les recherches des historiens modernes ont révélé que de nombreux éléments de l’art de la Renaissance étaient expérimentés au 14ème siècle de notre ère. Des artistes comme Giotto (mort en 1337 de notre ère) tenaient à rendre leurs peintures plus réalistes et utilisaient donc le raccourci pour donner un sentiment de profondeur à une scène. L’utilisation par Giotto du raccourci, de la lumière et des ombres, de l’émotion et du choix dynamique des scènes est mieux visible dans ses fresques religieuses de la chapelle des Scrovegni, à Padoue (vers 1315 de notre ère). Ces techniques, et le succès de l’artiste à donner vie aux personnages, auront une influence énorme sur les artistes ultérieurs. Pour cette raison, Giotto est souvent qualifié de « premier peintre de la Renaissance », même s’il a vécu avant la Renaissance proprement dite.

Les mécènes fortunés étaient le moteur de l’art de la Renaissance à une époque où la grande majorité des œuvres artistiques étaient réalisées sur commande. Les églises étaient les bénéficiaires habituels de ce système dans la première partie de la Renaissance. Les panneaux peints pour retables et fresques étaient la forme la plus courante de décoration artistique, montrant souvent la sacra conversazione, c’est-à-dire la Vierge à l’Enfant entourée de saints et de sympathisants. Les retables monumentaux de plusieurs mètres de haut étaient souvent richement encadrés pour imiter les développements contemporains de l’architecture. Le retable le plus célèbre de tous est le Retable de Gand de 1432 CE de Jan van Eyck (c. 1390-1441 CE). Les sujets du début de la Renaissance sont donc très similaires à ceux populaires du Moyen Âge.

Les mécènes privés tels que les Papes, les empereurs du Saint-Empire romain germanique, les rois et les ducs ont tous vu l’avantage d’embellir leurs villes et leurs palais, mais ils étaient également très intéressés à acquérir une réputation de piété et une connaissance des arts et de l’histoire. Une fois qu’un mécène a trouvé un artiste qu’il aimait, il les a souvent employés à long terme comme artiste officiel de la cour, leur assignant toutes sortes de tâches, des portraits à la conception de la livrée. Les clients payaient et ils faisaient donc souvent des demandes spécifiques sur les détails d’une œuvre d’art. De plus, bien qu’un artiste puisse utiliser ses compétences et son imagination, il devait rester dans les limites de la convention en ce sens que les figures de son travail devaient être reconnues pour ce qu’elles étaient. Il n’était pas bon, par exemple, de faire une fresque de la vie d’un saint si personne ne reconnaissait qui était ce saint. Pour cette raison, l’évolution de l’art a été relativement lente, mais comme certains artistes ont acquis une grande renommée, ils ont pu développer de nouvelles idées dans l’art et le différencier de ce qui s’était passé auparavant.

Le Renouveau classique

Une caractéristique déterminante de la période de la Renaissance a été le regain d’intérêt pour le monde antique de la Grèce et de Rome. Dans le cadre de ce que nous appelons maintenant l’humanisme de la Renaissance, la littérature classique, l’architecture et l’art ont tous été consultés pour extraire des idées qui pourraient être transformées pour le monde contemporain. Lorenzo de Médicis (1449-1492 de notre ère), chef de la grande famille florentine, était un mécène notable, et sa collection d’œuvres anciennes était un point d’étude pour de nombreux artistes. Les jeunes artistes, formés dans les ateliers de maîtres établis, y avaient également accès à l’art ancien ou au moins à des dessins de reproduction.

Les artistes ont directement imité des œuvres classiques ou des parties d’entre elles dans leurs propres œuvres. En 1496 CE, par exemple, Michel-Ange (1475-1564 CE) a sculpté le Cupidon Endormi (aujourd’hui perdu) qu’il a volontairement vieilli pour le faire apparaître comme une œuvre antique authentique. Une autre reconstitution de l’antiquité, cette fois entièrement imaginaire, est La fresque de l’École d’Athènes de Raphaël (1483-1520 EC). Achevée en 1511 de notre ère et située au Vatican, cette fresque montre tous les grands penseurs du monde antique. Les images courantes de la mythologie classique étaient particulièrement populaires. Ceux-ci ont de nouveau été réinventés et, dans certains cas, ils ont même dépassé l’art ancien dans nos esprits lorsque nous pensons à certains sujets. La Naissance de Vénus (c. 1484 CE, Galerie des Offices, Florence) de Sandro Botticelli (1445-1510 CE), en est un exemple. Enfin, la représentation de l’architecture ancienne et des ruines était un favori particulier de nombreux artistes de la Renaissance pour donner une atmosphère de fond à leurs œuvres mythologiques et religieuses.

Le statut accru des artistes

Une autre nouveauté a été l’intérêt de reconstruire l’histoire de l’art et de cataloguer qui étaient exactement les grands artistes et pourquoi. L’érudit le plus célèbre à compiler une telle histoire était Giorgio Vasari (1511-1574 CE) dans ses Vies des Plus Excellents Architectes, Peintres et Sculpteurs italiens (1550 CE, révisé 1568 CE). L’histoire est un enregistrement monumental des artistes de la Renaissance, de leurs œuvres et des histoires anecdotiques qui leur sont associées, et Vasari est donc considéré comme l’un des pionniers de l’histoire de l’art. Les artistes ont également bénéficié de la rédaction de biographies spécifiques sur leur vie et leurs œuvres, même lorsqu’ils étaient encore en vie, comme la Vie de Michel-Ange de 1553 CE, écrite par Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Les artistes ont également écrit des textes sur les techniques au profit des autres, les plus anciens étant les Commentaires de Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE), écrits vers 1450 CE. Comme les Commentaires contiennent des détails sur la vie et les œuvres de Ghiberti, il s’agit également de la première autobiographie d’un artiste européen.

Cet intérêt pour les artistes de la Renaissance, leur vie privée et la façon dont ils en sont venus à créer des chefs-d’œuvre reflète le statut élevé dont ils jouissaient maintenant. Les artistes étaient encore considérés comme des artisans comme des cordonniers et des charpentiers, et ils étaient obligés de rejoindre une guilde commerciale. Cela a commencé à changer pendant la Renaissance. Les artistes étaient évidemment différents des autres artisans car ils pouvaient acquérir une renommée généralisée pour leurs œuvres et créer un sentiment de fierté civique de la part de leurs concitoyens. Cependant, ce sont les efforts intellectuels de peintres comme Léonard de Vinci (1452-1519 CE) et Albrecht Dürer (1471-1528 CE) qui ont finalement élevé les peintres au statut d ‘ »artistes », un terme auparavant réservé à ceux qui étudiaient les arts libéraux traditionnels tels que le latin et la rhétorique. Les artistes se sont intéressés à l’histoire de l’art, à ce qui se passait dans le monde de l’art ailleurs, ont écrit des traités sur leur métier et ont fait des expériences en perspective mathématique. Toutes ces choses ont élevé l’art au rang de science.

Une autre caractéristique déterminante des artistes de la Renaissance, en particulier ceux appartenant à la Haute Renaissance (1490-1527 EC) est leur capacité extraordinaire dans une variété de médias. Des figures comme Michel-Ange et Léonard étaient aussi des peintres accomplis que des sculpteurs, et tous deux, comme beaucoup d’autres maîtres, se sont également tournés vers l’architecture. Ces maîtres à succès ont organisé de grands ateliers et ce sont des terrains de formation pour la prochaine génération d’artistes.

Une plus grande confiance dans leurs compétences, leurs connaissances et leur contribution à la culture en général se voit dans le nombre croissant d’artistes qui peignent des autoportraits. Un autre symptôme était la signature fréquente d’œuvres d’art, parfois dans des parties très proéminentes de l’image (même si les assistants dans l’atelier d’un maître terminaient fréquemment des œuvres).

Peinture&Nouvelles techniques

Les peintres de la Renaissance étaient polyvalents et expérimentaient souvent, mais, généralement, comme la Renaissance en portait une, ils utilisaient la technique de la fresque pour les murs, de la tempera pour les panneaux et de l’huile pour les panneaux ou les toiles. La peinture à fresque sur fond de plâtre humide et la tempera – utilisant des pigments mélangés à du jaune d’œuf – étaient deux techniques utilisées bien avant la Renaissance. Des expériences ont cependant été faites avec des peintures à l’huile (pigments mélangés à de l’huile de lin ou de noix) qui donnaient des couleurs plus riches, une gamme de tons plus large et plus de profondeur que les couleurs traditionnelles. Les huiles permettaient de montrer plus de détails dans la peinture et permettaient aux coups de pinceau de devenir un effet visuel. À la fin du 15ème siècle de notre ère, la plupart des artistes majeurs utilisaient des huiles pour travailler sur un chevalet, pas de la tempera. L’inconvénient des huiles était qu’elles se détérioraient rapidement si elles étaient utilisées sur les murs au lieu de véritables fresques.

Il y avait différents styles et techniques de peinture en fonction de l’emplacement. Par exemple, la technique du colore (ou colorito) était répandue à Venise (où des couleurs contrastées étaient utilisées pour réaliser et définir une composition harmonieuse) tandis que le disegno était préféré à Florence (où le dessin au trait de forme avait la priorité). D’autres techniques perfectionnées par les artistes de la Renaissance incluent le clair-obscur (utilisation contrastée de la lumière et de l’ombre) et le sfumato (transition de couleurs plus claires vers des couleurs plus sombres).

Le sujet du tableau était une autre occasion d’expérimentation. Peindre des figures avec des poses dramatiques est devenu une mode de la Renaissance, mieux visible dans le plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange à Rome (1512 de notre ère). Un sens du mouvement extraordinaire est créé par l’utilisation par l’artiste du contrapposto, c’est-à-dire l’asymétrie entre le haut et le bas du corps des figures, une technique utilisée par Léonard et bien d’autres. Une autre idée était de créer des formes dans une scène, en particulier des triangles. Le but était de créer une composition harmonieuse et de donner plus de profondeur, comme on peut le voir dans la fresque de la Cène de Léonard de Vinci à Santa Maria delle Grazie de Milan (c. 1498 de notre ère) ou la Galatée de Raphaël (vers 1513 de notre ère, Villa Farnesina, Rome).

Les artistes se sont efforcés d’obtenir un sens toujours plus grand de la réalité dans leurs peintures, et cela pourrait être fait en reproduisant la perspective que l’on s’attendrait à voir dans une vue en trois dimensions. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 EC) a utilisé des techniques de raccourci comme Giotto l’avait fait. Voir son L’Agonie dans le Jardin (c. 1460 CE, National Gallery, Londres). Mantegna aimait aussi peindre ses scènes comme si on les regardait d’en bas, une autre astuce qui donnait de la profondeur à son travail. Parfois, la profondeur était atteinte au milieu de la peinture tandis que les figures dominaient le premier plan, les rapprochant du spectateur. C’était une technique innovée par Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) et peut être mieux vu dans le Mariage de la Vierge (c. 1504 CE, Pinacothèque de Brera, Milan) de Raphaël, autrefois élève du Pérugin.

Pendant ce temps, des peintres comme Piero della Francesca (v. 1420-1492 EC) sont allés plus loin et ont utilisé des principes mathématiques précis de perspective, comme on peut le voir dans sa Flagellation du Christ, (v. 1455 EC, Galerie nationale des Marches, Urbino). Certains critiques ont estimé que certains artistes allaient trop loin dans leur utilisation de la perspective et ont donc perdu le sens original de leur peinture; Paolo Uccello (1397-1475 CE) a été une victime particulière de cette affirmation. La Chasse d’Uccello (c. 1460 EC, Ashmolean Museum, Oxford) est certainement une peinture audacieuse avec sa vue panoramique d’une forêt symétrique reculant dans un arrière-plan de plus en plus sombre tandis que le premier plan est dominé par les chasseurs et leurs chiens, tous convergeant vers un point central lointain.

Une autre étape vers une plus grande réalité a été de s’assurer que la scène avait une source de lumière unique qui fournit des zones d’ombre correspondantes dans tous les éléments de la peinture. Voir, par exemple, l’Extase de Saint François de 1480 CE (Collection Frick, New York) de Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Les artistes ont même commencé à jouer des tours au spectateur, comme le miroir dans Le portrait de mariage d’Arnolfini de Jan van Eyck (1434 de notre ère, National Gallery, Londres) qui montre des reflets de figures qui doivent se tenir à côté du spectateur. Toutes ces techniques avaient l’avantage supplémentaire de créer un « facteur wow » de la part de téléspectateurs peu habitués à voir de telles innovations.

Les peintres de la Renaissance voulaient ajouter un autre niveau de sens à leur travail que la simple première impression visuelle. Les scènes mythologiques étaient souvent remplies de symbolisme, destinées à trier le spectateur bien éduqué des moins instruits. Titien (c. 1487-1576 CE) a même décrit ses peintures mythologiques comme une forme de poésie, ce qu’il appelait la poésie, telle était la densité des références classiques en leur sein. Voir, par exemple, son Bacchus et Ariane (vers 1523 de notre ère, National Gallery, Londres).

Le portrait était un autre domaine où les artistes de la Renaissance excellaient. L’exemple le plus célèbre est la Joconde de Léonard (c. 1506 CE, Louvre, Paris), qui montre une femme non identifiée. Leonardo a non seulement peint une ressemblance, mais a également capturé l’humeur de la gardienne. Les contours, la perspective et les dégradés de couleur sont tous combinés pour donner vie à l’image. De plus, la posture décontractée et la vue de trois quarts de la dame sont un autre indice du mouvement. Cette peinture a eu une influence considérable sur les portraits par la suite. Un autre développement a été l’utilisation d’objets du quotidien dans les portraits pour faire allusion au caractère, aux croyances et aux intérêts de la gardienne. Les peintres néerlandais étaient des maîtres particuliers des portraits réalistes, et leurs idées se sont répandues en Italie où elles peuvent être vues dans l’œuvre de, par exemple, Piero della Francesca, notamment sa peinture de Federico da Montefeltro, duc d’Urbino (c. 1470 CE, Offices, Florence).

Sculpture &Brisant le moule classique

Alors que de nombreux sujets religieux sont restés populaires dans la sculpture comme la Pietà – la Vierge Marie pleurant sur le corps de Jésus-Christ – l’iconographie conventionnelle a rapidement cédé la place à des traitements plus innovants. Donatello (c. 1386-1466 EC), par exemple, a expérimenté la technique de sacrifice et la finition pour capturer l’émotion d’une figure, une stratégie mieux vue dans sa Marie-Madeleine en bois (vers 1446 EC, Museo dell’Opera del Duomo, Florence).

Les sculpteurs de la scie néo-classique créent leurs propres versions de figures anciennes en bois, en pierre et en bronze. Le plus célèbre de tous est le David de Michel-Ange (1504 CE, Galleria dell’Accademia, Florence). Représentant le roi biblique qui, dans sa jeunesse, a tué le géant Goliath, la figure en marbre est beaucoup plus grande que la taille réelle, mesurant environ 5,20 mètres (17 pieds). Il rappelle les statues colossales d’Hercule de l’Antiquité, mais la tension de la figure et son visage bien déterminé sont des inventions de la Renaissance.

Donatello a produit sa version de David en bronze (années 1420 ou 1440 de notre ère, Bargello, Florence) et cette œuvre a été un autre départ spectaculaire de la sculpture antique. La posture crée une figure sensuelle qui n’aurait pas pu être produite dans l’Antiquité. Le David de Michel-Ange et celui de Donatello rappellent le lien étroit entre l’art et la fonction à la Renaissance. David est apparu sur le sceau officiel de Florence, et en tant que tueur de Goliath, c’était un rappel opportun des luttes des Florentins contre la ville rivale de Milan.

Un art lié à la sculpture était la gravure. Donatello y a de nouveau participé, produisant de superbes panneaux de bronze en bas-relief pour le baptistère de Sienne et plusieurs églises florentines. La technique consistant à sculpter une scène avec une faible profondeur tout en conservant un sens de la perspective était connue sous le nom de « relief aplati » ou rilievo schiacciato. Une technique très différente consistait à créer des panneaux métalliques avec des figures si hautes en relief qu’elles sont presque rondes. L’exemple le plus célèbre de cette technique est les « Portes du Paradis » de Lorenzo Ghiberti, les portes du baptistère de San Giovanni à Florence (achevées en 1452 de notre ère). Les panneaux dorés attachés aux portes montrent des scènes bibliques et même un buste de Ghiberti lui-même.

À partir de 1420, les gravures sur bois sont populaires, mais c’est le développement de la gravure sur plaques de cuivre à partir des années 1470 qui voit les estampes devenir une véritable forme d’art. Les plaques de cuivre donnaient une précision et des détails beaucoup plus importants. Mantegna et Dürer étaient deux experts notables dans ce domaine, et leurs gravures sont devenues très collectionnables. L’imprimeur le plus titré fut Marcantonio Raimondi (1480-1534 de notre ère), et ses estampes de beaux-arts contribuèrent à diffuser les idées en Europe du Nord et vice-versa.

L’héritage de l’Art de la Renaissance

Collectionner des œuvres d’art est devenu un passe-temps des riches, mais à mesure que les classes moyennes s’enrichissaient, elles pouvaient également acquérir des œuvres d’art, bien que moins grandes. Des ateliers comme ceux de Ghiberti n’ont pas commencé à produire de l’art en série, mais à utiliser au moins des éléments standardisés tirés d’un catalogue existant. En bref, l’art n’était plus réservé aux riches, et pour ceux qui n’avaient toujours pas les moyens de s’offrir des originaux, ils pouvaient toujours acheter des estampes. Les estampes répandent également la réputation des artistes au loin. Grâce à l’expansion du marché de l’art, les maîtres étaient désormais libres de produire de l’art comme ils le pensaient, et non comme le pensait un mécène.

L’art de la Renaissance était en constante évolution. Le maniérisme, par exemple, est un terme vague qui désignait initialement l’art étrangement différent qui est venu après la Haute Renaissance. Le maniérisme a alors acquis une signification plus positive – élégance, ambiguïté du message, contraste, et jouant généralement avec les techniques et les standardisations des artistes de la Renaissance antérieurs. Voir, par exemple, le Miracle de 1548 de Saint Marc sauvant un Esclave par Tintoret (c. 1518-1594 CE, Academia, Venise). Du maniérisme viendrait le prochain style majeur de l’art européen, le baroque très décoratif, qui portait les riches couleurs, les détails fins et les poses énergiques de l’art de la Renaissance à un nouvel extrême de drame et de décoration écrasants.