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Die Entwicklung in der Kunst war relativ langsam, aber da einige Künstler großen Ruhm erlangten, konnten sie neue Ideen entwickeln & Kunst von dem unterscheiden, was vorher gegangen war.Private Gönner wie Päpste, Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, Könige und Herzöge sahen alle den Vorteil der Verschönerung ihrer Städte und Paläste, aber sie waren auch sehr daran interessiert, einen Ruf für Frömmigkeit und ein Wissen über Kunst und Geschichte zu erlangen. Sobald ein Mäzen einen Künstler fand, den er mochte, beschäftigte er sie oft langfristig als offiziellen Hofkünstler und stellte ihnen alle Arten von Aufgaben, von Porträts bis hin zum Livree-Design. Gönner zahlten und so stellten sie oft spezifische Anfragen zu den Details eines Kunstwerks. Des Weiteren, obwohl ein Künstler ihre Fähigkeiten und Vorstellungskraft einsetzen konnte, Sie mussten innerhalb der Grenzen der Konvention bleiben, da Figuren in ihrer Arbeit als anerkannt werden mussten, wer sie waren. Es war zum Beispiel nicht gut, ein Fresko aus dem Leben eines Heiligen zu machen, wenn niemand erkannte, wer dieser Heilige war. Aus diesem Grund war die Entwicklung in der Kunst relativ langsam, aber da einige Künstler großen Ruhm erlangten, konnten sie neue Ideen in der Kunst entwickeln und sie von dem unterscheiden, was zuvor gegangen war.

Das klassische Revival

Ein bestimmendes Merkmal der Renaissance war das erneute Interesse an der antiken Welt Griechenlands und Roms. Als Teil dessen, was wir heute Renaissance-Humanismus nennen, wurden klassische Literatur, Architektur und Kunst konsultiert, um Ideen zu extrahieren, die für die zeitgenössische Welt transformiert werden könnten. Lorenzo de Medici (1449-1492 n. Chr.), Oberhaupt der großen florentinischen Familie, war ein bemerkenswerter Mäzen, und seine Sammlung antiker Kunstwerke war für viele Künstler ein Studienpunkt. Junge Künstler, die in den Werkstätten etablierter Meister ausgebildet wurden, hatten dort auch Zugang zu alter Kunst oder zumindest Reproduktionszeichnungen.

Künstler imitierten klassische Kunstwerke oder Teile davon direkt in ihren eigenen Werken. Im Jahr 1496 n. Chr. zum Beispiel Michelangelo (1475-1564 n. Chr.) modellierte den schlafenden Amor (jetzt verloren), den er absichtlich gealtert hatte, um ihn als authentisches antikes Werk erscheinen zu lassen. Eine weitere Nachbildung der Antike, diesmal eine völlig imaginäre, ist das Fresko der Schule von Athen von Raphael (1483-1520 n. Chr.). Dieses Fresko, das 1511 n. Chr. fertiggestellt wurde und sich im Vatikan befindet, zeigt alle wichtigen Denker der Antike. Gängige Bilder aus der klassischen Mythologie waren besonders beliebt. Diese wurden erneut neu erfunden und haben in einigen Fällen sogar die antike Kunst in unseren Köpfen überholt, wenn wir an bestimmte Themen denken. Die Geburt der Venus (c. 1484 CE, Uffizien, Florenz) von Sandro Botticelli (1445-1510 CE), ist ein typisches Beispiel. Schließlich war die Darstellung antiker Architektur und Ruinen ein besonderer Favorit vieler Renaissancekünstler, um sowohl ihren mythologischen als auch ihren religiösen Werken eine Hintergrundatmosphäre zu verleihen.

Der gestiegene Status von Künstlern

Eine weitere neue Entwicklung war das Interesse, die Kunstgeschichte zu rekonstruieren und zu katalogisieren, wer genau die großen Künstler waren und warum. Der berühmteste Gelehrte, der eine solche Geschichte zusammenstellte, war Giorgio Vasari (1511-1574 n. Chr.) in seinem Das Leben der hervorragendsten italienischen Architekten, Maler und Bildhauer (1550 n. Chr., überarbeitet 1568 n. Chr.). Die Geschichte ist eine monumentale Aufzeichnung der Renaissancekünstler, ihrer Werke und der damit verbundenen anekdotischen Geschichten, und so gilt Vasari als einer der Pioniere der Kunstgeschichte. Künstler profitierten auch davon, dass bestimmte Biografien über ihr Leben und ihre Werke geschrieben wurden, selbst als sie noch lebten, wie das 1553 CE-Leben von Michelangelo, geschrieben von Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Künstler schrieben auch Texte über Techniken zum Nutzen anderer, die frühesten sind die Kommentare von Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE), geschrieben um 1450 CE. Da die Kommentare Details zu Ghibertis eigenem Leben und Werk enthalten, ist es auch die erste Autobiographie eines europäischen Künstlers.

Dieses Interesse an Renaissance-Künstlern, und wie sie dazu kamen, Meisterwerke zu schaffen, spiegelt den hohen Status wider, den sie jetzt genossen. Künstler wurden immer noch als Handwerker wie Schuster und Schreiner angesehen, und sie waren gezwungen, einer Handelsgilde beizutreten. Dies begann sich während der Renaissance zu ändern. Künstler unterschieden sich offensichtlich von anderen Handwerkern, weil sie für ihre Werke weithin berühmt werden und bei ihren Mitbürgern ein Gefühl des Bürgerstolzes erzeugen konnten. Es waren jedoch die intellektuellen Bemühungen von Malern wie Leonardo da Vinci (1452-1519 n. Chr.) und Albrecht Dürer (1471-1528 n. Chr.), die die Maler schließlich zum Status von Künstlern erhoben, ein Begriff, der zuvor auf diejenigen beschränkt war, die die traditionellen freien Künste wie Latein und Rhetorik studierten. Künstler interessierten sich sehr für das Studium der Kunstgeschichte, was anderswo in der Kunstwelt vor sich ging, schrieb Abhandlungen über ihr Handwerk, und machte Experimente in mathematischer Perspektive. All diese Dinge haben die Kunst zur Wissenschaft erhoben.

Ein weiteres charakteristisches Merkmal der Renaissancekünstler, insbesondere der Hochrenaissance (1490-1527 n. Chr.), ist ihre außergewöhnliche Fähigkeit in einer Vielzahl von Medien. Figuren wie Michelangelo und Leonardo waren ebenso versierte Maler wie Bildhauer, und beide wandten sich wie viele andere Meister auch der Architektur zu. Solche erfolgreichen Meister führten große Werkstätten und diese waren Ausbildungsstätten für die nächste Generation von Künstlern. Ein größeres Vertrauen in ihre Fähigkeiten, ihr Wissen und ihren Beitrag zur Kultur im Allgemeinen zeigt sich in der zunehmenden Zahl von Künstlern, die Selbstporträts malten. Ein weiteres Symptom war das häufige Signieren von Kunstwerken, manchmal an sehr prominenten Stellen des Bildes (auch wenn die Assistenten in einer Meisterwerkstatt häufig Arbeiten fertigstellten).

Malerei & Neue Techniken

Renaissancemaler waren vielseitig und experimentierten oft, aber im Allgemeinen, als die Renaissance eine trug, verwendeten sie die Freskentechnik für Wände, Tempera für Tafeln und Öl für Tafeln oder Leinwand. Fresko – Malerei auf einem nassen Gipshintergrund – und Tempera – mit Pigmenten, die mit Eigelb gemischt wurden – waren beide Techniken, die lange vor der Renaissance angewendet wurden. Experimente wurden jedoch mit Ölfarben (Pigmente gemischt mit Leinsamen- oder Walnussöl) durchgeführt, die kräftigere Farben, eine breitere Palette von Tönen und mehr Tiefe als herkömmliche Farben ergaben. Öle ermöglichten es, mehr Details im Gemälde zu zeigen und Pinselstriche zu einem visuellen Effekt zu machen. Bis zum Ende des 15.Jahrhunderts n. Chr. verwendeten die meisten großen Künstler Öle, wenn sie an einer Staffelei arbeiteten, nicht Tempera. Der Nachteil von Ölen war, dass sie sich schnell verschlechterten, wenn sie an Wänden anstelle von echten Fresken verwendet wurden.

Je nach Standort gab es verschiedene Malstile und -techniken. Zum Beispiel war die Colore (oder colorito) Technik in Venedig vorherrschend (wo kontrastierende Farben verwendet wurden, um eine harmonische Komposition zu bewirken und zu definieren), während Disegno in Florenz bevorzugt wurde (wo Strichzeichnung der Form Vorrang hatte). Andere Techniken, die von Renaissance-Künstlern perfektioniert wurden, sind Helldunkel (die kontrastierende Verwendung von Licht und Schatten) und Sfumato (der Übergang von helleren in dunklere Farben).

Das Thema des Gemäldes war eine weitere Gelegenheit zum Experimentieren. Das Malen von Figuren mit dramatischen Posen wurde zu einer Renaissance-Mode, die am besten in Michelangelos Sixtinischer Kapelle in Rom (1512 n. Chr.) zu sehen ist. Ein enormes Bewegungsgefühl entsteht durch die Verwendung von Contrapposto durch den Künstler, dh die Asymmetrie zwischen Ober- und Unterkörper der Figuren, eine Technik, die Leonardo und viele andere anwenden. Eine andere Idee war, Formen in einer Szene zu erstellen, insbesondere Dreiecke. Ziel war es, eine harmonische Komposition zu schaffen und zusätzliche Tiefe zu verleihen, wie Leonardos letztes Abendmahl in der Mailänder Santa Maria delle Grazie (c. 1498 CE) oder die Galatea von Raphael (c. 1513 CE, Villa Farnesina, Rom).

Künstler strebten nach einem immer größeren Realitätssinn in ihren Gemälden, und dies könnte durch die Reproduktion der Perspektive geschehen, die man in einer dreidimensionalen Ansicht erwarten würde. Andrea Mantegna (geb. 1431-1506 CE) verwendet Techniken der Verkürzung ebenso wie Giotto getan hatte. Siehe seine Die Agonie im Garten (c. 1460 CE, National Gallery, London). Mantegna war auch daran interessiert, seine Szenen so zu malen, als würde man sie von unten betrachten, ein weiterer Trick, der seiner Arbeit Tiefe verlieh. Manchmal wurde Tiefe im Mittelgrund des Gemäldes erreicht, während Figuren den Vordergrund dominierten und sie dem Betrachter näher brachten. Es war eine Technik, die von Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) und kann am besten in der Ehe der Jungfrau (c. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Mailand) von Raphael, einst Schüler von Perugino.In der Zwischenzeit gingen Maler wie Piero della Francesca (um 1420-1492 n. Chr.) weiter und verwendeten präzise mathematische Prinzipien der Perspektive, wie in seiner Geißelung Christi (um 1455 n. Chr., Nationalgalerie der Marken, Urbino) zu sehen ist. Einige Kritiker waren der Meinung, dass einige Künstler in ihrer Verwendung der Perspektive zu weit gingen und so der ursprüngliche Sinn ihrer Malerei verloren ging; Paolo Uccello (1397-1475 n. Chr.) war ein besonderes Opfer dieser Behauptung. Uccellos die Jagd (c. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford) ist sicherlich ein kühnes Gemälde mit seinem Panoramablick auf einen symmetrischen Wald, der sich in einen immer dunkleren Hintergrund zurückzieht, während der Vordergrund von den Jägern und ihren Hunden dominiert wird, die alle in Richtung eines entfernten zentralen Punktes konvergieren.

der Schritt zu einer größeren Realität bestand darin, sicherzustellen, dass die Szene eine einzige Lichtquelle hatte, die passende Schattenbereiche in allen Elementen des Gemäldes liefert. Siehe zum Beispiel die 1480 CE Ecstasy of Saint Francis (Frick Collection, New York) von Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Künstler begannen sogar, dem Betrachter einen Streich zu spielen, wie der Spiegel in Jan van Eycks The Arnolfini Wedding Portrait (1434 CE, National Gallery, London), der Reflexionen von Figuren zeigt, die neben dem Betrachter stehen müssen. Alle diese Techniken hatten den zusätzlichen Vorteil, einen Wow-Faktor bei Zuschauern zu erzeugen, die solche Innovationen nicht gewohnt sind.

Renaissance-Maler wollten ihrer Arbeit eine andere Bedeutungsebene hinzufügen als nur den visuellen ersten Eindruck. Mythologische Szenen waren oft voller Symbolik, um den gut ausgebildeten Betrachter von den weniger gebildeten zu unterscheiden. Tizian (c. 1487-1576 CE) beschrieb sogar seine mythologischen Gemälde als eine Form der Poesie, was er Poesie nannte, so war die Dichte der klassischen Referenzen in ihnen. Siehe zum Beispiel seine Bacchus und Ariadne (c. 1523 CE, National Gallery, London).

ein weiterer Bereich, in dem sich Renaissance-Künstler hervorgetan haben. Das berühmteste Beispiel ist Leonardos Mona Lisa (c. 1506 CE, Louvre, Paris), die eine unbekannte Frau zeigt. Leonardo hat nicht nur ein Abbild gemalt, sondern auch die Stimmung des Dargestellten eingefangen. Konturen, Perspektive und Farbabstufungen werden kombiniert, um dem Bild Leben einzuhauchen. Die lässige Haltung und die Dreiviertelansicht der Dame sind ein weiterer Hinweis auf Bewegung. Dieses Gemälde hatte großen Einfluss auf die Porträts danach. Eine weitere Entwicklung war die Verwendung von Alltagsgegenständen in Porträts, um auf den Charakter, die Überzeugungen und Interessen des Dargestellten hinzuweisen. Die niederländischen Maler waren besondere Meister in realistischen Porträts, und ihre Ideen verbreiteten sich nach Italien, wo sie zum Beispiel in der Arbeit von Piero della Francesca zu sehen sind, insbesondere in seinem Gemälde von Federico da Montefeltro, Herzog von Urbino (c. 1470 CE, Uffizien, Florenz).

Skulptur & Bruch mit der klassischen Form

Während viele religiöse Themen in der Skulptur beliebt blieben, wie die Pietà – die Jungfrau Maria, die um den Leib Jesu Christi trauert -, wich die konventionelle Ikonographie bald innovativeren Behandlungen. Donatello (geb. 1386-1466 n. Chr.) experimentierte beispielsweise mit Opfertechnik und Finish, um die Emotionen einer Figur einzufangen, eine Strategie, die am besten in seiner hölzernen Maria Magdalena (um 1446 n. Chr., Museo dell’Opera del Duomo, Florenz) zu sehen ist.

Die im klassischen Revival kreierten Bildhauer ihre eigenen Versionen antiker Figuren aus Holz, Stein und Bronze. Am bekanntesten ist Michelangelos David (1504 n. Chr., Galleria dell’Accademia, Florenz). Die Marmorfigur, die den biblischen König darstellt, der in seiner Jugend den Riesen Goliath getötet hat, ist viel größer als lebensgroß, etwa 5,20 Meter (17 Fuß) hoch. Es erinnert an kolossale Statuen des Herkules aus der Antike, aber die Spannung der Figur und sein durch und durch entschlossenes Gesicht sind Erfindungen der Renaissance. Donatello produzierte seine Version von David in Bronze (1420er oder 1440er Jahre CE, Bargello, Florenz) und diese Arbeit war eine weitere dramatische Abkehr von der antiken Skulptur. Die Haltung schafft eine sinnliche Figur, die in der Antike nicht hätte hergestellt werden können. Sowohl Michelangelos als auch Donatellos David erinnern an die enge Verbindung zwischen Kunst und Funktion während der Renaissance. David erschien auf dem offiziellen Siegel von Florenz, und als Slayer von Goliath, es war eine rechtzeitige Erinnerung an die Florentiner Kämpfe gegen die rivalisierende Stadt Mailand.

Eine verwandte Kunst zur Skulptur war das Gravieren. Donatello war hier erneut beteiligt und produzierte hervorragende Bronzetafeln mit niedrigem Relief für das Baptisterium von Siena und mehrere florentinische Kirchen. Die Technik, eine Szene mit geringer Tiefe zu schnitzen und dennoch ein Gefühl der Perspektive zu erreichen, war als ‚abgeflachtes Relief‘ oder Rilievo Schiacciato bekannt. Eine ganz andere Technik bestand darin, Metallplatten mit Figuren zu schaffen, deren Relief so hoch ist, dass sie fast rund sind. Das berühmteste Beispiel für diese Technik ist Lorenzo Ghibertis ‚Tore des Paradieses‘, die Türen für das Baptisterium von San Giovanni in Florenz (fertiggestellt 1452 n. Chr.). Die vergoldeten Tafeln an den Türen zeigen biblische Szenen und sogar eine Büste von Ghiberti selbst.

Ab 1420 CE, Drucke aus Holzschnitten waren beliebt, aber es war die Entwicklung der Gravur Kupferplatten aus den 1470er Jahren CE, die wirklich sah Drucke zu einer wahren Kunstform. Kupferplatten gaben eine viel größere Präzision und Detail. Mantegna und Dürer waren zwei bemerkenswerte Experten auf diesem Gebiet, und ihre Stiche wurden sehr sammelbar. Der erfolgreichste Drucker war Marcantonio Raimondi (1480-1534 n. Chr.), und seine Drucke der schönen Kunst halfen, Ideen nach Nordeuropa und umgekehrt zu verbreiten.

Das Erbe der Renaissancekunst

Das Sammeln von Kunst wurde zu einem Hobby der Reichen, aber als die Mittelschicht reicher wurde, konnten sie auch Kunst erwerben, wenn auch nicht ganz so groß. Werkstätten wie die von Ghiberti begannen nicht gerade, Kunst in Massen zu produzieren, sondern zumindest standardisierte Elemente aus einem bestehenden Katalog zu verwenden. Kurz gesagt, Kunst war nicht mehr auf die Reichen beschränkt, und für diejenigen, die sich noch keine Originale leisten konnten, konnten sie immer Drucke kaufen. Drucke verbreiten auch den Ruf von Künstlern weit und breit. Dank der Expansion des Kunstmarktes, Meister waren jetzt frei, Kunst zu produzieren, wie sie dachten, es sollte sein, nicht als Patron Gedanke.

Die Kunst der Renaissance entwickelte sich ständig weiter. Manierismus zum Beispiel ist ein vager Begriff, der sich zunächst auf die seltsam andere Kunst bezog, die nach der Hochrenaissance kam. Der Manierismus erhielt dann eine positivere Bedeutung – Stil, Mehrdeutigkeit der Botschaft, Kontrast und generell das Spiel mit den Techniken und Standardisierungen früherer Renaissancekünstler. Siehe zum Beispiel das Wunder des heiligen Markus von 1548, der einen Sklaven von Tintoretto rettete (c. 1518-1594 CE, Academia, Venedig). Vom Manierismus kam der nächste große Stil in der europäischen Kunst, der hochdekorative Barock, der die reichen Farben, feinen Details und energetischen Posen der Renaissancekunst zu einem neuen Extrem überwältigender Dramatik und Dekoration brachte.