Für eine Figur, die so rätselhaft ist wie Michael Jackson, ist eines der faszinierendsten Paradoxe seiner Karriere: Als er weißer wurde, wurde er schwärzer. Oder anders ausgedrückt: Als seine Haut weißer wurde, wurde seine Arbeit schwärzer.

Um dies näher zu erläutern, müssen wir zu einem entscheidenden Wendepunkt zurückspulen: den frühen 1990er Jahren. Im Nachhinein stellt es die beste und die schlechteste Zeit für den Künstler dar. Im November 1991 veröffentlichte Jackson die erste Single seines Dangerous-Albums: Black or White, eine helle, eingängige Pop-Rock-Rap-Fusion, die auf Platz 1 der Billboard Hot 100 aufstieg und sechs Wochen lang an der Spitze der Charts blieb. Es war seine erfolgreichste Solo-Single seit Beat It.

Das Gespräch um Jackson zu diesem Zeitpunkt drehte sich jedoch nicht um seine Musik. Es ging um seine Rasse. Sicher, Kritiker sagten, er könnte singen, dass es „egal ist, ob du schwarz oder weiß bist“, aber warum hatte er sich dann weiß gemacht? Hat er seine Haut gebleicht? Schämte er sich für seine Schwärze? Versuchte er, jede Bevölkerungsgruppe anzusprechen, jede Identitätskategorie zu überwinden, um größere kommerzielle Höhen als Thriller zu erreichen?Bis heute gehen viele davon aus, dass Jackson seine Haut gebleicht hat, um weiß zu werden – dass es eine vorsätzliche kosmetische Entscheidung war, weil er sich seiner Rasse schämte. Doch Mitte der 1980er Jahre wurde bei Jackson Vitiligo diagnostiziert, eine Hauterkrankung, die den Verlust der Pigmentierung in Flecken auf dem Körper verursacht. Laut denen, die ihm nahe standen, war es eine unerträglich demütigende persönliche Herausforderung, bei der er sich sehr bemühte, sich durch Langarmhemden, Hüte, Handschuhe, Sonnenbrillen und Masken zu verstecken. Als Jackson 2009 starb, bestätigte seine Autopsie definitiv, dass er Vitiligo hatte, ebenso wie seine Krankengeschichte.

In den frühen 1990er Jahren war die Öffentlichkeit jedoch gelinde gesagt skeptisch. Jackson enthüllte zuerst öffentlich, dass er Vitiligo in einem weit beobachteten Interview 1993 mit Oprah Winfrey hatte. „Das ist die Situation“, erklärte er. „Ich habe eine Hauterkrankung, die die Pigmentierung der Haut zerstört. Es ist etwas, was ich nicht helfen kann, OK? Aber wenn Leute Geschichten erfinden, dass ich nicht sein will, was ich bin, tut es mir weh … Es ist ein Problem für mich, das ich nicht kontrollieren kann. Jackson räumte zwar eine plastische Operation ein, sagte aber, er sei“entsetzt“, dass die Leute zu dem Schluss kamen, dass er nicht schwarz sein wollte. „Ich bin ein schwarzer Amerikaner“, erklärte er. „Ich bin stolz auf mein Rennen. Ich bin stolz darauf, wer ich bin.“

Für Jackson gab es also keine Ambivalenz hinsichtlich seiner rassischen Identität und seines Erbes. Seine Haut hatte sich verändert, aber seine Rasse nicht. Eigentlich, Wenn überhaupt, war seine Identifikation als schwarzer Künstler stärker geworden. Der erste Hinweis darauf kam im Video für Schwarz oder Weiß. Von einem beispiellosen globalen Publikum von 500 Millionen Zuschauern gesehen, war es Jacksons größte Plattform aller Zeiten; Eine Plattform, die er verdient hat, indem er Rassenbarrieren bei MTV mit seinen bahnbrechenden Kurzfilmen von Thriller niedergerissen hat.

Die ersten Minuten des Schwarz-Weiß-Videos schienen relativ harmlos und stimmten mit den utopischen Aufrufen früherer Songs überein (Can You Feel It, We Are the World, Man in the Mirror). Jackson, geschmückt in kontrastierender schwarz-weißer Kleidung, reist um den Globus und passt seine Tanzbewegungen fließend an die Kultur oder das Land an, in dem er sich befindet. Er agiert als eine Art kosmopolitischer Schamane, der neben Afrikanern, amerikanischen Ureinwohnern, Thailändern, Indianern und Russen auftritt und versucht, den weißen amerikanischen Vater (gespielt von George Wendt) in Liegestühlen über die Schönheiten von Differenz und Vielfalt zu unterrichten. Der Hauptteil des Videos gipfelt in der bahnbrechenden „Morphing-Sequenz“, in der überschwängliche Gesichter verschiedener Rassen nahtlos miteinander verschmelzen. Die Botschaft schien zu sein, dass wir alle Teil der menschlichen Familie sind – verschieden, aber verbunden – unabhängig von kosmetischen Variationen.

Im Zeitalter von Trump und dem Wiederaufleben des weißen Nationalismus bleibt selbst diese multikulturelle Botschaft von entscheidender Bedeutung. Aber das ist nicht alles, was Jackson zu sagen hatte. Gerade als der Regisseur (John Landis) schreit „Cut!“ wir sehen einen schwarzen Panther, der von der Klangbühne in eine Hintergasse lauert. Die folgende Coda wurde Jacksons riskantester künstlerischer Schritt zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere – insbesondere angesichts der Erwartungen seines „familienfreundlichen“ Publikums. Im Gegensatz zum fröhlichen, meist optimistischen Ton des Hauptteils des Videos entfesselt Jackson eine Flut ungezügelter Wut, Schmerz und Aggression. Er schlägt ein Auto mit einer Brechstange ein; er packt und reibt sich; er grunzt und schreit; Er wirft einen Mülleimer in ein Schaufenster (in Anlehnung an den umstrittenen Höhepunkt von Spike Lees Film von 1989, Mach das Richtige), bevor er auf die Knie fällt und sein Hemd abreißt. Das Video endet damit, dass Homer Simpson, ein weiterer weißer amerikanischer Vater, die Fernbedienung von seinem Sohn Bart nimmt und den Fernseher ausschaltet. Dieser zensierte Schritt erwies sich als vorausschauend.

Der sogenannte „Panther-Tanz“ sorgte für Aufruhr; ironischerweise mehr als alles, was in diesem Jahr von Nirvana oder Guns N’Roses veröffentlicht wurde. Fox, der US-Sender, der das Video ursprünglich ausgestrahlt hatte, wurde mit Beschwerden bombardiert. In einer Titelgeschichte beschrieb Entertainment Weekly es als „Michael Jacksons Video-Albtraum“. Schließlich, dem Druck nachgeben, Fox und MTV haben die letzten vier Minuten des Videos herausgeschnitten.

Doch inmitten der Kontroverse (die meisten Medien haben es einfach als „Werbegag“ abgetan) stellten nur sehr wenige die einfache Frage: Was bedeutete es? Eingebettet zwischen den Schlägen von Rodney King und den Unruhen in Los Angeles erscheint es im Nachhinein verrückt, den Kurzfilm nicht in diesem Kontext zu interpretieren. Rassenspannungen in den USA, insbesondere in LA, waren heiß. In diesem Klima drehte Michael Jackson – der berühmteste schwarze Entertainer der Welt – einen Kurzfilm, in dem er den Grenzen der Hollywood-Klangbühne entkommt, sich in einen schwarzen Panther verwandelt und die aufgestaute Wut und Empörung einer Nation und eines Moments kanalisiert. Jackson selbst erklärte später, dass er in der Coda „eine Tanznummer machen wollte, in der ich meine Frustration über Ungerechtigkeit und Vorurteile und Rassismus und Bigotterie ausließ, und innerhalb des Tanzes wurde ich verärgert und ließ los.“Der schwarze oder weiße Kurzfilm war keine Anomalie in seiner rassischen Botschaft. Das Dangerous-Album, von seinen Songs bis zu seinen Kurzfilmen, hebt nicht nur schwarze Talente, Stile und Sounds hervor, sondern fungiert auch als eine Art Hommage an die schwarze Kultur. Das vielleicht offensichtlichste Beispiel dafür ist das Video zu Remember the Time. Mit einigen der prominentesten schwarzen Koryphäen der Ära – Magic Johnson, Eddie Murphy und Iman – spielt das Video im alten Ägypten. Im Gegensatz zu Hollywoods stereotypen Darstellungen von Afroamerikanern als Diener präsentiert Jackson sie hier als Könige.Jackson versprach ein beträchtliches Produktionsbudget und engagierte John Singleton, einen jungen, aufstrebenden schwarzen Regisseur, der aus dem Erfolg von Boyz N the Hood hervorging, für den er eine Oscar-Nominierung erhielt. Jackson und Singletons Zusammenarbeit führte zu einem der aufwendigsten und denkwürdigsten Musikvideos seiner Karriere, hervorgehoben durch die komplizierte, hieroglyphische Hip-Hop-Tanzsequenz (choreografiert von Fatima Robinson). Nochmal, in diesem Video, Jackson erschien weißer als je zuvor, aber das Video – Regie, choreografiert von und mit schwarzen Talenten – war eine Feier der schwarzen Geschichte, Kunst, und Schönheit.Der Song wurde tatsächlich von einem anderen jungen schwarzen aufstrebenden Star, Teddy Riley, dem Architekten von New Jack Swing, produziert und mitgeschrieben. Vor Riley, Jackson hatte sich an eine Reihe anderer schwarzer Künstler und Produzenten gewandt, einschließlich LA Reid, Babyface, Bryan Loren und LL Cool J., auf der Suche nach jemandem, mit dem er einen neuen entwickeln könnte, Post-Quincy Jones Sound. In Riley, dessen Grooves den Punch des Hip-Hop, den Swing des Jazz und die Akkorde der Black Church enthielten, wurde er fündig. Remember the Time ist vielleicht ihre bekannteste Zusammenarbeit mit ihrem warmen Orgelgrundgestein und dem engen Drum-Machine-Beat. Es wurde ein großer Hit im Black Radio und erreichte Platz 1 der Billboard R&B/ Hip-Hop-Charts.

Die ersten sechs Tracks auf Dangerous sind Jackson-Riley Kollaborationen. Sie klangen wie nichts, was Jackson zuvor getan hatte, von der glaszerbrechenden, hornartigen Verve der Marmelade bis zum fabrikgeschmiedeten, industriellen Funk des Titeltracks. Anstelle von Thrillers makellosem Crossover R&B und Bads filmisches Drama sind ein Sound und eine Botschaft, die rauer, dringender und auf die Straße abgestimmt sind. Auf She Drives Me Wild baut die Künstlerin einen ganzen Song um Straßengeräusche: Motoren; Hupen; knallende Türen und Sirenen. Auf mehreren anderen Songs integrierte Jackson Rap, einer der ersten Popkünstler – zusammen mit Prince –, um dies zu tun.Dangerous wurde Jacksons meistverkauftes Album nach Thriller, mit 7 Millionen Exemplaren in den USA und mehr als 32 Millionen Exemplaren weltweit. Doch zu dieser Zeit betrachteten es viele als Jacksons letzten verzweifelten Versuch, seinen Thron zurückzuerobern. Als Nirvanas Nevermind Dangerous in der zweiten Januarwoche 1992 an der Spitze der Charts ersetzten, erklärten White-Rock-Kritiker fröhlich die Herrschaft des King of Pop für beendet. Es ist leicht, die Symbolik dieses Augenblicks zu erkennen. Dennoch ist es gut gealtert. Wenn man jetzt ohne den Hype oder die Vorurteile, die mit der Veröffentlichung in den frühen 90ern einhergingen, zurückkehrt, bekommt man ein klareres Gefühl für seine Bedeutung. Wie Nevermind hat es die Kulturszene – und die innere Angst seines Schöpfers – auf überzeugende Weise untersucht. Darüber hinaus könnte argumentiert werden, dass Dangerous für die Transformation der schwarzen Musik (R&B/new jack swing) genauso wichtig war wie Nevermind für weiße Musik (Alternative / Grunge). Die zeitgenössische Musikszene ist Dangerous sicherlich weitaus mehr zu verdanken ( dh Finesse, die kürzlich erschienene neue Jack-Inflected-Single von Bruno Mars und Cardi B).

Erst in jüngster Zeit haben Kritiker jedoch begonnen, die Bedeutung von Dangerous neu zu bewerten. In einem Guardian-Artikel aus dem Jahr 2009 wird es als Jacksons „wahres Karrierehoch“ bezeichnet. In ihrem Buch über das Album für Bloomsburys 33 ⅓ -Serie beschreibt Susan Fast Dangerous als das „Coming of Age Album“ der Künstlerin. Die Platte, schreibt sie, „bietet Jackson an einer Schwelle, endlich erwachsen zu werden – ist das nicht das, was so viele sagten, fehlte? – und dies durch ein Eintauchen in schwarze Musik, das sich in seinem späteren Werk nur noch vertiefen würde.“

Dieses Eintauchen setzte sich auch in seiner visuellen Arbeit fort, die neben Schwarz oder Weiß und Remember the Time die elegante Athletik des Basketball-Superstars Michael Jordan im Musikvideo für Jam und die spürbare Sinnlichkeit von Naomi Campbell im sepiafarbenen Kurzfilm für In the Closet zur Schau stellte. Ein paar Jahre später arbeitete er mit Spike Lee an der pointiertesten Rassensalve seiner Karriere, They Don’t Care About Us, die als Hymne für die Black Lives Matter-Bewegung wiederbelebt wurde. Immer noch, Kritiker, Komiker und die Öffentlichkeit behaupteten weiterhin, Jackson schäme sich für seine Rasse. „Nur in Amerika kann ein armer schwarzer Junge zu einer reichen weißen Frau heranwachsen.“Doch Jackson hat gezeigt, dass es bei Rasse um mehr geht als nur um Pigmentierung oder körperliche Merkmale. While his skin became whiter, his work in the 1990s was never more infused with black pride, talent, inspiration and culture.

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