ta bort annonser

annons

ta bort annonser

annons

utvecklingen i konsten var relativt långsam, men som vissa konstnärer fick stor berömmelse, så att de kunde utveckla nya ideer& göra konst skiljer sig från vad som hade gått tidigare.privata beskyddare som Påvar, heliga romerska kejsare, kungar och hertigar såg alla fördelen med att försköna sina städer och palats, men de var också mycket intresserade av att få ett rykte för fromhet och kunskap om konst och historia. När en beskyddare hittade en konstnär som de gillade, anställde de dem ofta långsiktigt som sin officiella domstolskonstnär och satte dem alla typer av uppgifter från porträtt till leverdesign. Beskyddare betalade och så gjorde de ofta specifika förfrågningar om detaljerna i ett konstverk. Vidare, även om en konstnär kunde använda sina färdigheter och fantasi, måste de förbli inom gränserna för konventionen genom att siffrorna i deras arbete måste erkännas för vem de var. Det var till exempel inte bra att göra en fresco av ett helgons liv om ingen kände igen vem det helgonet var. Av denna anledning var utvecklingen i konsten relativt långsam, men eftersom vissa konstnärer fick stor berömmelse, så att de kunde utveckla nya tankar i konsten och göra det skiljer sig från vad som hade gått tidigare.

den klassiska väckelsen

ett avgörande inslag i renässansperioden var återintresset i den antika världen i Grekland och Rom. Som en del av det vi nu kallar renässanshumanismen konsulterades alla klassisk litteratur, arkitektur och konst för att extrahera tankar som kunde omvandlas för den samtida världen. Lorenzo De Medici (1449-1492 CE), chef för den stora florentinska familjen, var en anmärkningsvärd beskyddare, och hans samling av antika konstverk var en studiepunkt för många konstnärer. Unga konstnärer, utbildning i verkstäderna för etablerade mästare, hade också tillgång till Antik konst där eller åtminstone reproduktionsritningar.

konstnärer imiterade direkt klassiska konstverk eller delar av dem inom sina egna verk. I 1496 CE, till exempel, Michelangelo (1475-1564 CE) skulpterade den sovande cupiden (nu förlorad) som han avsiktligt åldrade för att få det att framstå som ett autentiskt gammalt verk. En annan rekreation av antiken, den här gången en helt imaginär, är School of Athens fresco av Raphael (1483-1520 CE). Färdigställd 1511 CE och ligger i Vatikanen, visar denna fresco alla stora tänkare från den antika världen. Vanliga bilder från klassisk mytologi var särskilt populära. Dessa ombildades igen och i vissa fall har de till och med tagit över Antik konst i våra sinnen när vi tänker på vissa ämnen. Venus födelse (C. 1484 CE, Uffizi Gallery, Florens) av Sandro Botticelli (1445-1510 CE), är ett typexempel. Slutligen var skildringen av forntida arkitektur och ruiner en speciell favorit hos många renässanskonstnärer för att ge bakgrundsatmosfär till både deras mytologiska och religiösa verk.

Konstnärernas ökade Status

en annan ny utveckling var intresset för att rekonstruera konsthistorien och katalogisera vem exakt var de stora konstnärerna och varför. Den mest kända forskaren för att sammanställa en sådan historia var Giorgio Vasari (1511-1574 CE) i hans liv för de mest utmärkta italienska arkitekterna, målarna och skulptörerna (1550 CE, reviderad 1568 CE). Historien är en monumental rekord av renässanskonstnärer, deras verk och de anekdotiska berättelserna som är förknippade med dem, och så anses Vasari vara en av konsthistoriens pionjärer. Konstnärer gynnades också av att ha specifika biografier skrivna om sina liv och verk, även när de fortfarande levde som Michelangelos liv 1553 CE, skriven av Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Konstnärer skrev också texter om tekniker till förmån för andra, den tidigaste var kommentarerna av Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE), skrivna omkring 1450 CE. Eftersom kommentarerna innehåller detaljer om Ghibertis eget liv och verk är det också den första självbiografin av en europeisk konstnär.

detta intresse för renässanskonstnärer, deras privatliv och hur de kom för att skapa mästerverk återspeglar den förhöjda status de nu haft. Konstnärer sågs fortfarande som hantverkare som skomakare och snickare, och de var tvungna att gå med i en handelsgild. Detta började förändras under renässansen. Konstnärer skilde sig uppenbarligen från andra hantverkare eftersom de kunde få stor berömmelse för sina verk och skapa en känsla av medborgerlig stolthet från sina medborgare. Det var dock de intellektuella strävandena för målare som Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) och Albrecht D cigarrer (1471-1528 CE) som äntligen upphöjde målare till status som ’konstnärer’, en term som tidigare begränsades till dem som studerade traditionell liberal konst som Latin och retorik. Konstnärer intresserade sig mycket för att studera konsthistoria, vad som pågick i konstvärlden någon annanstans, skrev avhandlingar om sitt hantverk och gjorde experiment i matematiskt perspektiv. Alla dessa saker höjde konst till en vetenskap.

en annan avgörande egenskap hos renässansartister, särskilt de som tillhör högrenässansen (1490-1527 CE) är deras extraordinära förmåga i en mängd olika medier. Figurer som Michelangelo och Leonardo var lika skickliga målare som de var skulptörer, och båda, som många andra mästare, vände också sin hand till arkitektur. Sådana framgångsrika mästare drev stora workshops och dessa var träningsplatser för nästa generation konstnärer.

ett större förtroende för deras färdigheter, kunskaper och bidrag till kulturen i allmänhet kan ses i det ökande antalet konstnärer som målade självporträtt. Ett annat symptom var den frekventa signeringen av konstverk, ibland i mycket framträdande delar av bilden (även om assistenterna i en mästares verkstad ofta avslutade verk).

målning & nya tekniker

renässansmålare var mångsidiga och experimenterade ofta men i allmänhet, som renässansen bar en, använde de fresco-tekniken för väggar, Tempera för paneler och olja för paneler eller duk. Fresco-målning på en våt gipsbakgrund-och tempera-med pigment blandade med äggula – var båda tekniker som användes långt före renässansperioden. Experiment gjordes dock med oljemålningar (pigment blandade med linfrö eller valnötolja) som gav rikare färger, ett bredare spektrum av toner och mer djup än traditionella färger. Oljor tillät mer detaljer att visas i målningen och tillät penseldrag att bli en visuell effekt. I slutet av 15-talet CE, sedan, de flesta stora konstnärer använde oljor när man arbetar på ett staffli, inte tempera. Nackdelen med oljor var att de snabbt försämrades om de användes på väggar istället för äkta fresco.

det fanns olika målningsstilar och tekniker beroende på plats. Till exempel var colore (eller colorito) tekniken utbredd i Venedig (där kontrasterande färger användes för att åstadkomma och definiera en harmonisk komposition) medan disegno föredrogs i Florens (där linjeteckning av form hade företräde). Andra tekniker som är perfekta av renässanskonstnärer inkluderar chiaroscuro (den kontrasterande användningen av ljus och skugga) och sfumato (övergången av ljusare till mörkare färger).

målningens ämne var en annan möjlighet till experiment. Målningsfigurer med dramatiska poser blev ett Renässansmode, bäst sett i Michelangelos Sixtinska kapelltak i Rom (1512 CE). En enorm känsla av rörelse skapas av konstnärens användning av contrapposto, det vill säga asymmetrin mellan figurernas övre och nedre kropp, en teknik som används av Leonardo och många andra. En annan tanke var att skapa former i en scen, särskilt trianglar. Syftet med detta var att skapa en harmonisk komposition och ge extra djup, vilket kan ses i Leonardos väggmålning i Milanos Santa Maria delle Grazie (c. 1498 CE) eller Galatea av Raphael (c. 1513 CE, Villa Farnesina, Rom).

konstnärer strävade efter en allt större känsla av verklighet i sina målningar, och detta kan göras genom att återge det perspektiv man förväntar sig att se i en tredimensionell vy. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) använde tekniker för förkortning precis som Giotto hade gjort. Se hans ångest i trädgården (c. 1460 CE, National Gallery, London). Mantegna var också angelägen om att måla sina scener som om man tittade på dem underifrån, ett annat trick som gav hans arbetsdjup. Ibland uppnåddes djup i mitten av målningen medan figurer dominerade förgrunden och förde dem närmare betraktaren. Det var en teknik som uppfanns av Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) och kan bäst ses i Jungfruens äktenskap (c. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milano) av Raphael, en gång en elev av Perugino.

under tiden gick målare som Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) längre och använde exakta matematiska perspektivprinciper, vilket kan ses i hans Flagellation av Kristus, (c. 1455 CE, National Gallery of Marche, Urbino). Vissa kritiker ansåg att vissa konstnärer gick för långt i sin användning av perspektiv och så försvann den ursprungliga känslan av deras målning; Paolo Uccello (1397-1475 CE) var ett särskilt offer för detta påstående. Uccello är jakten (c. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford) är verkligen en djärv målning med panoramautsikt över en symmetrisk skog som går tillbaka till en allt mörkare bakgrund medan förgrunden domineras av jägarna och deras hundar, alla konvergerar mot en avlägsen central punkt.

ett annat steg mot en större verklighet var att se till att scenen hade en enda ljuskälla som ger matchande skuggområden i alla delar av målningen. Se till exempel 1480 CE Ecstasy of Saint Francis (Frick Collection, New York) av Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Konstnärer började till och med spela tricks på betraktaren som spegeln i Jan van Eyck ’ s The Arnolfini Wedding portrait (1434 CE, National Gallery, London) som visar reflektioner av figurer som måste stå bredvid tittaren. Alla dessa tekniker hade den ytterligare fördelen att skapa en wow-faktor från tittarna som inte brukade se sådana innovationer.

renässansmålare ville lägga till en annan nivå av mening i sitt arbete än bara det visuella första intrycket. Mytologiska scener var ofta fyllda med symbolik, menade att sortera ut den välutbildade tittaren från de mindre. Titian (c. 1487-1576 CE) beskrev även hans mytologiska målningar som en form av poesi, vad han kallade poesia, sådan var tätheten av klassiska referenser inom dem. Se till exempel hans Bacchus och Ariadne (c. 1523 CE, National Gallery, London).

porträtt var ännu ett område där renässanskonstnärer utmärkte sig. Det mest kända exemplet är Leonardos Mona Lisa (c. 1506 CE, Louvren, Paris), som visar en oidentifierad kvinna. Leonardo har inte bara målat en likhet utan också fångat stämningen hos barnvakten. Konturer, perspektiv och graderingar i färg kombineras för att ge bilden liv. Vidare är den avslappnade hållningen och tre fjärdedelsvyn av damen en annan ledtråd vid rörelse. Denna målning var enormt inflytelserik på porträtt därefter. En annan utveckling var användningen av vardagliga föremål i porträtt för att antyda sittarens karaktär, tro och intressen. De Nederländska målarna var speciella mästare på realistiska porträtt, och deras tankar spred sig till Italien där de kan ses i arbetet med till exempel Piero della Francesca, särskilt hans målning av Federico da Montefeltro, hertig av Urbino (c. 1470 CE, Uffizi, Florens).

skulptur & bryt den klassiska formen

medan många religiösa ämnen förblev populära i skulptur som Piet Kuban – Jungfru Maria sorg över Jesu Kristi kropp – konventionell ikonografi gav snart plats för mer innovativa behandlingar. Donatello (c. 1386-1466 CE) experimenterade till exempel med att offra teknik och avsluta för att fånga känslan av en figur, en strategi som bäst ses i hans Trä Mary Magdalene (c. 1446 CE, Museo dell ’ Opera del Duomo, Florens).

den klassiska väckelsen såg skulptörer skapa sina egna versioner av forntida figurer i trä, sten och brons. Mest känd av allt är Michelangelos David (1504 CE, Galleria dell ’ Accademia, Florens). Representerar den bibliska kungen som i sin ungdom berömt dödade jätten Goliat, marmorfiguren är mycket större än livsstorlek, cirka 5,20 meter (17 fot) lång. Det påminner om kolossala statyer av Hercules från antiken, men spänningen i figuren och hans grundligt bestämda ansikte är Renässansuppfinningar. Donatello producerade sin version av David i brons (1420S eller 1440S CE, Bargello, Florens) och detta arbete var en annan dramatisk avvikelse från forntida skulptur. Hållningen skapar en sensuell figur som inte kunde ha producerats i antiken. Både Michelangelos och Donatellos David påminner om den nära kopplingen mellan konst och funktion under renässansen. David dök upp på Florens officiella sigill, och som Goliats slayer var det en snabb påminnelse om Florentinernas kamp mot den rivaliserande staden Milano.

en relaterad konst till skulptur var gravyr. Donatello var återigen involverad här och producerade fantastiska bronspaneler med låg lättnad för dopkapellet i Sienna och flera florentinska kyrkor. Tekniken att snida en scen med ett grunt djup men ändå uppnå en känsla av perspektiv var känd som ’flated relief’ eller rilievo schiacciato. En helt annan teknik var att skapa metallpaneler med figurer så höga i lättnad att de nästan är i rundan. Det mest kända exemplet på denna teknik är Lorenzo Ghibertis ’Paradisportar’, dörrarna till Florens dopkapell i San Giovanni (färdigställd 1452 CE). De förgyllda panelerna fästa vid dörrarna visar bibliska scener och till och med en byst av Ghiberti själv.

från 1420 CE var utskrifter gjorda av träsnitt populära, men det var utvecklingen av gravyr kopparplattor från 1470-talet CE som verkligen såg utskrifter bli en sann konstform. Kopparplattor gav en mycket större precision och detalj. Mantegna och D Jacobrer var två anmärkningsvärda experter på detta, och deras gravyrer blev mycket samlarobjekt. Den mest framgångsrika skrivaren var Marcantonio Raimondi (1480-1534 CE), och hans tryck av konst hjälpte till att sprida ideer till norra Europa och vice versa.

arvet från renässanskonsten

att samla konst blev en hobby för de rika, men eftersom medelklassen blev rikare, så kunde de också förvärva konst, om än inte riktigt så bra. Workshops som de som drivs av Ghiberti började inte precis massproducera konst utan åtminstone använda standardiserade element som tagits från en befintlig katalog. Kort sagt, konst var inte längre begränsad till de rika, och för dem som fortfarande inte hade råd med original kunde de alltid köpa utskrifter. Tryck sprider också konstnärernas rykte långt och brett. Tack vare utvidgningen av konstmarknaden var mästare nu fria att producera konst som de tyckte att det borde vara, inte som en patrontanke.

renässanskonsten utvecklades kontinuerligt. Mannerism, till exempel, är en vag term som ursprungligen hänvisade till den konstigt olika konsten som kom efter högrenässansen. Mannerism fick sedan en mer positiv betydelse-stil, tvetydighet av budskap, kontrast, och i allmänhet leka med de tekniker och standardiseringar tidigare renässanskonstnärer hade satt. Se till exempel 1548 CE mirakel av Markus rädda en slav av Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Venedig). Från Mannerism skulle komma nästa stora stil i europeisk konst, den mycket dekorativa barocken, som tog de rika färgerna, fina detaljer, och energiska poser av renässanskonst till en ny extrem överväldigande drama och dekoration.