eliminați anunțurile

publicitate

Remove Ads

Advertisement

evoluția în artă a fost relativ lentă, dar pe măsură ce unii artiști au câștigat o mare faimă, astfel încât să poată dezvolta idei noi& face arta distinctă de ceea ce a trecut înainte.patronii privați, cum ar fi papii, împărații, regii și ducii, au văzut cu toții beneficiul înfrumusețării orașelor și palatelor lor, dar au fost, de asemenea, foarte interesați să câștige o reputație de evlavie și o cunoaștere a artelor și istoriei. Odată ce un patron a găsit un artist care le-a plăcut, de multe ori le-a angajat pe termen lung ca artist oficial al Curții, stabilindu-le tot felul de sarcini, de la portrete la design de livrare. Patronii plăteau și astfel au făcut adesea cereri specifice cu privire la detaliile unei opere de artă. Mai mult, deși un artist și-ar putea folosi abilitățile și imaginația, ei au trebuit să rămână în limitele Convenției, în sensul că figurile din opera lor trebuiau recunoscute pentru cine erau. De exemplu, nu era bine să faci o frescă din viața unui sfânt dacă nimeni nu recunoștea cine era acel sfânt. Din acest motiv, evoluția în artă a fost relativ lentă, dar pe măsură ce unii artiști au câștigat o mare faimă, astfel încât aceștia să poată dezvolta idei noi în artă și să o facă distinctă de ceea ce a trecut înainte.

Renașterea clasică

o caracteristică definitorie a perioadei renascentiste a fost Re-interesul pentru lumea antică a Greciei și Romei. Ca parte a ceea ce numim acum umanismul renascentist, literatura clasică, arhitectura și arta au fost consultate pentru a extrage idei care ar putea fi transformate pentru lumea contemporană. Lorenzo de Medici (1449-1492 CE), șeful marii familii Florentine, a fost un patron notabil, iar colecția sa de opere de artă antice a fost un punct de studiu pentru mulți artiști. Tinerii artiști, instruiți în atelierele maeștrilor consacrați, au avut, de asemenea, acces la arta antică acolo sau cel puțin la desene de reproducere.

artiștii au imitat direct opere de artă clasice sau părți ale acestora în propriile lor lucrări. În 1496 E.N., de exemplu, Michelangelo (1475-1564 e. n.) a sculptat Cupidonul adormit (acum pierdut) pe care l-a îmbătrânit intenționat pentru a face să pară o lucrare antică autentică. O altă recreere a antichității, de data aceasta una cu totul imaginară, este fresca școlii din Atena de Rafael (1483-1520 CE). Finalizată în 1511 CE și situată în Vatican, această frescă arată toți gânditorii majori din lumea antică. Imaginile comune din mitologia clasică au fost deosebit de populare. Acestea au fost din nou reimaginate și, în unele cazuri, au depășit chiar arta antică în mintea noastră atunci când ne gândim la anumite subiecte. Nașterea lui Venus (c.1484 CE, Galeria Uffizi, Florența) de Sandro Botticelli (1445-1510 CE), este un caz în acest sens. În cele din urmă, reprezentarea arhitecturii antice și a ruinelor a fost un favorit special al multor artiști renascentiști pentru a da atmosferă de fundal atât operelor lor mitologice, cât și celor religioase.

statutul crescut al artiștilor

o altă evoluție nouă a fost interesul de a reconstrui istoria artei și de a cataloga cine au fost exact marii artiști și de ce. Cel mai faimos savant care a compilat o astfel de istorie a fost Giorgio Vasari (1511-1574 CE) în viața celor mai excelenți arhitecți, pictori și sculptori italieni (1550 CE, revizuit 1568 CE). Istoria este o înregistrare monumentală a artiștilor renascentiști, a operelor lor și a poveștilor anecdotice asociate acestora, așa că Vasari este considerat unul dintre pionierii istoriei artei. Artiștii au beneficiat, de asemenea, de biografii specifice scrise despre viața și lucrările lor, chiar și atunci când erau încă în viață, cum ar fi viața lui Michelangelo din 1553 CE, scrisă de Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Artiștii au scris, de asemenea, texte despre tehnici în beneficiul altora, cele mai vechi fiind comentarii de Lorenzo Ghiberti (1378-1455 CE), scris în jurul anului 1450 CE. Deoarece comentariile includ detalii despre viața și lucrările lui Ghiberti, este și prima autobiografie a unui artist European.

acest interes pentru artiștii renascentiști, viața lor privată și modul în care au ajuns să creeze capodopere reflectă statutul ridicat de care se bucurau acum. Artiștii erau încă văzuți ca meșteri precum cizmarii și tâmplarii și erau obligați să se alăture unei bresle comerciale. Acest lucru a început să se schimbe în timpul Renașterii. Artiștii erau în mod evident diferiți de alți artizani, deoarece puteau dobândi faimă pe scară largă pentru lucrările lor și puteau crea un sentiment de mândrie civică de la concetățenii lor. Cu toate acestea, eforturile intelectuale ale pictorilor precum Leonardo da Vinci (1452-1519 E.N.) și Albrecht D. N. (1471-1528 e. n.) au ridicat în cele din urmă pictorii la statutul de artiști, termen limitat anterior la cei care studiau artele liberale tradiționale, cum ar fi Latina și retorica. Artiștii au avut un interes deosebit în studierea istoriei artei, a ceea ce se întâmpla în lumea artei în altă parte, au scris tratate despre meseria lor și au făcut experimente în perspectivă matematică. Toate aceste lucruri au ridicat arta la o știință.

o altă caracteristică definitorie a artiștilor renascentiști, în special a celor aparținând Înaltei renașteri (1490-1527 CE) este capacitatea lor extraordinară într-o varietate de medii. Figuri precum Michelangelo și Leonardo au fost pictori la fel de desăvârșiți ca și sculptori și ambii, ca mulți alți maeștri, și-au îndreptat mâna spre arhitectură. Astfel de maeștri de succes au organizat ateliere mari și acestea au fost terenuri de instruire pentru următoarea generație de artiști.

o mai mare încredere în abilitățile, cunoștințele și contribuția lor la cultură în general poate fi văzută în numărul tot mai mare de artiști care au pictat autoportrete. Un alt simptom a fost semnarea frecventă a lucrărilor de artă, uneori în părți foarte proeminente ale imaginii (chiar dacă asistenții din atelierul unui maestru au terminat frecvent lucrările).

pictura & noi tehnici

pictorii renascentisti au fost versatili si adesea experimentati, dar, in general, pe masura ce renasterea a purtat una, au folosit tehnica frescei pentru pereti, tempera pentru panouri si ulei pentru panouri sau panza. Pictura în frescă pe un fundal de tencuială umedă – și tempera-folosind pigmenți amestecați cu gălbenuș de ou – au fost ambele tehnici folosite cu mult înainte de perioada Renașterii. Cu toate acestea, experimentele au fost realizate folosind vopsele de ulei (pigmenți amestecați cu ulei de in sau nuc) care au dat culori mai bogate, o gamă mai largă de tonuri și mai multă adâncime decât culorile tradiționale. Uleiurile au permis afișarea mai multor detalii în pictură și au permis ca loviturile periei să devină un efect vizual. Până la sfârșitul secolului 15 D.HR., atunci, majoritatea artiștilor majori foloseau uleiuri atunci când lucrau la un șevalet, nu la tempera. Dezavantajul uleiurilor a fost că s-au deteriorat rapid dacă sunt folosite pe pereți în loc de frescă adevărată.

au existat diferite stiluri și tehnici de pictură în funcție de locație. De exemplu, culoarea (sau colorito) tehnica a fost predominantă în Veneția (unde culorile contrastante au fost folosite pentru a efectua și defini o compoziție armonioasă) în timp ce disegno a fost preferat în Florența (unde desenul de formă a avut prioritate). Alte tehnici perfecționate de artiștii renascentiști includ clarobscurul (utilizarea contrastantă a luminii și a umbrei) și sfumato (tranziția culorilor mai deschise în culori mai întunecate).

subiectul picturii a fost o altă oportunitate de experimentare. Pictura figurilor cu ipostaze dramatice a devenit o modă renascentistă, cel mai bine văzută în tavanul Capelei Sixtine a lui Michelangelo din Roma (1512 CE). Un sentiment extraordinar de mișcare este creat de utilizarea de către artist a contrapposto, adică asimetria dintre corpul superior și cel inferior al figurilor, o tehnică folosită de Leonardo și mulți alții. O altă idee a fost crearea de forme într-o scenă, în special triunghiuri. Scopul acestui lucru a fost de a crea o compoziție armonioasă și de a da o profunzime suplimentară, așa cum se poate vedea în pictura murală a lui Leonardo Cina cea de taină din Milano Santa Maria delle Grazie (c. 1498 CE) sau Galatea de Rafael (c. 1513 CE, Villa Farnesina, Roma).

artiștii s-au străduit să obțină un sentiment din ce în ce mai mare al realității în picturile lor, iar acest lucru ar putea fi realizat prin reproducerea perspectivei pe care ne-am aștepta să o vedem într-o viziune tridimensională. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) a folosit tehnici de scurtare la fel cum făcuse Giotto. Vezi a lui agonia din grădină (c.1460 CE, Galeria Națională, Londra). Mantegna a fost, de asemenea, dornic să-și picteze scenele ca și cum cineva le-ar privi de jos, un alt truc care i-a dat profunzimea lucrării. Uneori, adâncimea a fost atinsă în mijlocul picturii, în timp ce figurile dominau prim-planul, aducându-le mai aproape de privitor. A fost o tehnică inovată de Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) și poate fi văzută cel mai bine în căsătoria Fecioarei (c. 1504 ce, Pinacoteca di Brera, Milano) de Rafael, cândva elev al lui Perugino.

între timp, pictori precum Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) au mers mai departe și au folosit principii matematice precise ale perspectivei, așa cum se poate vedea în Flagellation of Christ, (c. 1455 CE, Galeria Națională din Marche, Urbino). Unii critici au considerat că unii artiști au mers prea departe în utilizarea perspectivei și astfel sensul original al picturii lor s-a pierdut; Paolo Uccello (1397-1475 CE) a fost o victimă specială a acestei afirmații. Vânătoarea lui Uccello (c. 1460 CE, Muzeul Ashmolean, Oxford) este cu siguranță o pictură îndrăzneață, cu vederea panoramică a unei păduri simetrice care se retrage într-un fundal din ce în ce mai întunecat, în timp ce prim-planul este dominat de vânători și câinii lor, toți convergând spre un punct central îndepărtat.

un alt pas către o realitate mai mare a fost asigurarea că scena are o singură sursă de lumină care oferă zone de umbră potrivite în toate elementele picturii. Vezi, de exemplu, extazul Sfântului Francisc din 1480 CE (colecția Frick, New York) de Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Artiștii au început chiar să joace feste privitorului, cum ar fi oglinda din Jan van Eyck ‘ s Portretul de nuntă Arnolfini (1434 CE, Galeria Națională, Londra) care arată reflecții ale figurilor care trebuie să stea lângă spectator. Toate aceste tehnici au avut avantajul suplimentar de a crea un factor wow din partea spectatorilor care nu sunt obișnuiți să vadă astfel de inovații.

pictorii renascentiști au dorit să adauge un alt nivel de semnificație operei lor decât doar prima impresie vizuală. Scenele mitologice erau adesea pline de simbolism, menite să rezolve privitorul bine educat de la mai puțin. Titian (c.1487-1576 CE) chiar și-a descris picturile mitologice ca o formă de poezie, ceea ce el a numit poesia, așa a fost densitatea referințelor clasice din interiorul lor. Vedeți, de exemplu, Bacchus și Ariadne (c. 1523 CE, Galeria Națională, Londra).

ortretul a fost un alt domeniu în care artiștii renascentiști au excelat. Cel mai faimos exemplu este Mona Lisa a lui Leonardo (c. 1506 CE, Luvru, Paris), care arată o femeie neidentificată. Leonardo nu numai că a pictat o asemănare, dar a surprins și starea de spirit a sitter-ului. Contururile, perspectiva și gradațiile de culoare sunt toate combinate pentru a da viață imaginii. Mai mult, postura casuală și vederea de trei sferturi a doamnei sunt un alt indiciu al mișcării. Această pictură a fost extrem de influentă asupra portretelor după aceea. O altă dezvoltare a fost utilizarea obiectelor de zi cu zi în portrete pentru a sugera caracterul, credințele și interesele sitterului. Pictorii olandezi au fost maeștri speciali la portrete realiste, iar ideile lor s-au răspândit în Italia, unde pot fi văzute în opera, de exemplu, Piero della Francesca, în special pictura lui Federico da Montefeltro, Duce de Urbino (c. 1470 CE, Uffizi, Florența).

sculptura& ruperea matriței clasice

în timp ce multe subiecte religioase au rămas populare în sculptură, cum ar fi Pietul – Fecioara Maria doliu peste trupul lui Isus Hristos – iconografia convențională a dat curând loc unor tratamente mai inovatoare. Donatello (c. 1386-1466 CE), de exemplu, a experimentat tehnica de sacrificare și finisare pentru a surprinde emoția unei figuri, o strategie cel mai bine văzută în lemnul său Maria Magdalena (c. 1446 CE, Museo dell ‘ Opera del Duomo, Florența).

o artă legată de sculptură a fost gravura. Donatello a fost din nou implicat aici, producând panouri superbe din bronz cu relief redus pentru Baptisteriul din Sienna și mai multe biserici Florentine. Tehnica de sculptură a unei scene cu o adâncime mică, dar care încă atinge un sentiment de perspectivă, a fost cunoscută sub numele de relief aplatizat sau rilievo schiacciato. O tehnică foarte diferită a fost crearea de panouri metalice cu figuri atât de înalte în relief, încât sunt aproape în rundă. Cel mai faimos exemplu al acestei tehnici este Porțile Paradisului lui Lorenzo Ghiberti, ușile pentru Baptisteriul San Giovanni din Florența (finalizat în 1452 CE). Panourile aurite atașate ușilor prezintă scene biblice și chiar un bust al lui Ghiberti însuși.

de la 1420 CE, printuri realizate din lemn au fost populare, dar a fost dezvoltarea de plăci de cupru gravura din anii 1470 CE, care a văzut într-adevăr printuri deveni o adevărată formă de artă. Plăcile de cupru au dat o precizie și detalii mult mai mari. Mantegna și D Elixtrer au fost doi experți notabili în acest sens, iar gravurile lor au devenit extrem de colecționate. Cel mai de succes tipograf a fost Marcantonio Raimondi (1480-1534 CE), iar amprentele sale de artă plastică au ajutat la răspândirea ideilor în Europa de Nord și invers.

moștenirea artei renascentiste

colecționarea de artă a devenit un hobby al celor bogați, dar pe măsură ce clasele de mijloc au devenit mai bogate, la fel și ele au putut dobândi artă, deși nu chiar atât de mare. Ateliere precum cele conduse de Ghiberti au început nu tocmai să producă artă în masă, ci să folosească cel puțin elemente standardizate preluate dintr-un catalog existent. Pe scurt, arta nu mai era limitată la cei bogați, iar pentru cei încă incapabili să-și permită originalele, puteau cumpăra întotdeauna amprente. Printuri răspândit, de asemenea, reputația artiștilor departe și-n lat. Datorită extinderii pieței de artă, maeștrii erau acum liberi să producă artă așa cum credeau că ar trebui să fie, nu ca un gând patron.

arta renascentistă a evoluat continuu. Manierismul, de exemplu, este un termen vag care se referea inițial la arta ciudat de diferită care a venit după Înalta Renaștere. Manierismul a dobândit apoi un sens mai pozitiv-eleganța, ambiguitatea mesajului, contrastul și, în general, jocul cu tehnicile și standardizările stabilite anterior de artiștii renascentiști. Vezi, de exemplu, Miracolul Sfântului Marcu din 1548 ce salvarea unui sclav de către Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Veneția). De la manierism va veni următorul stil major în arta europeană, barocul extrem de decorativ, care a dus culorile bogate, detaliile fine și pozițiile energice ale artei renascentiste la o nouă extremă de dramă și decor copleșitor.