Sztuka okresu renesansu w Europie (1400-1600 n. e.) zawiera jedne z najbardziej rozpoznawalnych i najbardziej lubianych obrazów i rzeźb na świecie . Mistrzowie byli często wykwalifikowani zarówno w malarstwie, jak i rzeźbie, a studiując sztukę starożytną i dodając swoją teoretyczną wiedzę z perspektywy matematycznej i nowych technik malarskich, stworzyli naprawdę wyjątkowe dzieła sztuki. Realizm, detal, dramat i subtelne warstwy znaczeniowe stały się cechami sztuki religijnej i świeckiej. Teraz artyści wreszcie uwolnili się od dawnego statusu rzemieślnika i osiągnęli nową pozycję jako istotny wkład w kulturę i prestiż społeczeństw, w których żyli.

do cech charakterystycznych sztuki renesansowej należą:

• zainteresowanie uchwyceniem istotnych elementów sztuki klasycznej, w szczególności formy i proporcji ludzkiego ciała.
• zainteresowanie historią sztuki współczesnej i kształtowanie ciągłej ścieżki rozwoju.
• mieszanka pogańskiej i religijnej ikonografii, ale z ludzkością w centrum uwagi.
• tendencja do monumentalności i postawy dramatycznej.
• zainteresowanie wywołaniem emocjonalnej reakcji widza.
• rozwój precyzyjnej perspektywy matematycznej.
• zainteresowanie hiperrealistycznymi i szczegółowymi portretami, scenami i pejzażami.
• zainteresowanie wykorzystaniem jasnych kolorów, cienia i uchwyceniem efektów światła.
• rozwój w zakresie stosowania farb olejnych i drobnych wydruków.
• wykorzystanie subtelnych kształtów i przedmiotów codziennego użytku, aby nadać dodatkowy sens.
• wzrost prestiżu artystów jako wyższych rzemieślników, którzy łączyli studia intelektualne z praktycznymi umiejętnościami.

Średniowieczne początki

kiedyś uważano, że sztuka renesansowa pojawiła się znikąd w cudownym odrodzeniu idei i talentów, ale badania współczesnych historyków ujawniły, że wiele elementów sztuki renesansowej było eksperymentowanych w XIV wieku n. e. Artyści tacy jak Giotto (zm. 1337 n. e.) chcieli, aby ich obrazy były bardziej realistyczne, więc używali skrótów, aby dać poczucie głębi scenie. Wykorzystanie przez Giotta skrótowości, światła i cienia, emocji i dynamicznego doboru scen najlepiej widać w jego religijnych freskach w Kaplicy Scrovegni w Padwie (ok.1315 n. e.). Techniki te, a także sukces artysty w ożywieniu postaci, miały ogromny wpływ na późniejszych artystów. Z tego powodu Giotto jest często nazywany „pierwszym malarzem renesansowym”, nawet jeśli żył przed renesansem właściwym.

bogaci mecenasi byli siłą napędową sztuki renesansowej w okresie, gdy zdecydowana większość prac artystycznych powstawała na zamówienie. Kościoły były zwykłymi beneficjentami tego systemu w pierwszej części renesansu. Malowane panele do ołtarzy i freski były najczęstszą formą dekoracji artystycznej, często przedstawiającą sacra conversazione, czyli Matkę Boską z Dzieciątkiem w otoczeniu świętych i pobożnych. Monumentalne ołtarze o wysokości kilku metrów były często misternie oprawione, aby naśladować współczesne wydarzenia w architekturze. Najbardziej znanym ołtarzem jest ołtarz z Gandawy z 1432 r. autorstwa Jana van Eycka (ok.1390-1441 R.). Przedmioty wczesnego renesansu są więc bardzo podobne do tych popularnych w średniowieczu.

prywatni patroni, tacy jak Papieże, Święci cesarze rzymscy, Królowie i książęta, wszyscy widzieli korzyści z upiększania swoich miast i pałaców, ale byli również bardzo zainteresowani zdobyciem reputacji pobożności i wiedzy o sztuce i historii. Gdy mecenas znalazł sobie artystę, którego lubił, często zatrudniał go na dłuższy czas jako oficjalnego nadwornego artystę, wyznaczając mu wszelkiego rodzaju zadania, od portretów po projekty malarskie. Patroni płacili, więc często składali konkretne prośby o szczegóły dzieła sztuki. Co więcej, choć artysta mógł wykorzystać swoje umiejętności i wyobraźnię, musiał pozostać w granicach konwencji, ponieważ postacie w ich twórczości musiały być rozpoznawane za to, kim są. Na przykład nie było dobrze zrobić fresku z życia świętego, jeśli nikt nie rozpoznał, kim jest ten święty. Z tego powodu ewolucja w sztuce była stosunkowo powolna, ale ponieważ niektórzy artyści zyskali wielką sławę, mogli rozwijać nowe idee w sztuce i odróżniać ją od tego, co było wcześniej.

Klasyczne Odrodzenie

cechą charakterystyczną okresu renesansu było ponowne zainteresowanie starożytnym światem Grecji i Rzymu. W ramach tego, co obecnie nazywamy renesansowym humanizmem, konsultowano klasyczną literaturę, architekturę i sztukę, aby wydobyć idee, które można przekształcić dla współczesnego świata. Lorenzo de Medici (1449-1492 n. e.), Głowa wielkiej rodziny florenckiej, był godnym uwagi patronem, a jego kolekcja starożytnych dzieł sztuki była punktem studiowania dla wielu artystów. Młodzi artyści, kształcący się w warsztatach uznanych mistrzów, mieli również dostęp do sztuki starożytnej lub przynajmniej reprodukcji rysunków.

artyści bezpośrednio naśladowali klasyczne dzieła sztuki lub ich części w ramach własnych prac. W 1496 n. e., na przykład, Michał Anioł (1475-1564 n. e.) wyrzeźbił śpiącego Kupidyna (obecnie zaginionego), który celowo postarzał, aby wyglądał na autentyczne starożytne dzieło. Innym odtworzeniem starożytności, tym razem całkowicie wyimaginowanym, jest fresk Szkoły Ateńskiej Rafaela (1483-1520 n. e.). Ukończony w 1511 r.i znajdujący się w Watykanie fresk przedstawia wszystkich głównych myślicieli ze starożytnego świata. Szczególnie popularne były popularne obrazy z mitologii klasycznej. Zostały one ponownie wymyślone, a w niektórych przypadkach nawet wyprzedziły starożytną sztukę w naszych umysłach, gdy myślimy o pewnych tematach. Narodziny Wenus (ok.1484 n. e., Galeria Uffizi, Florencja) autorstwa Sandro Botticellego (1445-1510 n. e.), jest przykładem. Wreszcie, przedstawienie starożytnej architektury i ruin było szczególnym faworytem wielu renesansowych artystów, aby nadać tła zarówno ich mitologicznym, jak i religijnym dziełom.

wzrost statusu artystów

kolejną nowością było zainteresowanie rekonstrukcją historii sztuki i katalogowaniem, kim dokładnie byli wielcy artyści i dlaczego. Najbardziej znany uczony skompilować taką historię był Giorgio Vasari (1511-1574 CE) w jego życiu najwybitniejszych włoskich architektów, malarzy, i rzeźbiarzy(1550 CE, zmienione 1568 CE). Historia jest monumentalnym zapisem renesansowych artystów, ich dzieł i związanych z nimi anegdot, dlatego Vasari jest uważany za jednego z pionierów historii sztuki. Artyści korzystali również z posiadania konkretnych biografii napisanych o ich życiu i dziełach, nawet gdy byli jeszcze przy życiu, takich jak 1553 CE życie Michała Anioła, napisany przez Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Artyści pisali również teksty na temat technik dla dobra innych, najwcześniej są Komentarze Lorenzo Ghiberti (1378-1455 n. e.), napisany około 1450 n. e. Ponieważ Komentarze zawierają szczegóły życia i twórczości Ghibertiego, jest to również pierwsza autobiografia Europejskiego artysty.

to zainteresowanie renesansowymi artystami, ich życiem prywatnym i sposobem tworzenia arcydzieł odzwierciedla wysoki status, jakim cieszyli się obecnie. Artyści byli nadal postrzegani jako rzemieślnicy, tacy jak Szewcy i cieśle, i byli zmuszeni do wstąpienia do cechu handlowego. Zaczęło się to zmieniać w okresie renesansu. Artyści oczywiście różnili się od innych rzemieślników, ponieważ mogli zdobyć powszechną sławę za swoje prace i stworzyć poczucie dumy Obywatelskiej od swoich współobywateli. Jednak to intelektualne starania malarzy takich jak Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) i Albrecht Dürer (1471-1528 CE) ostatecznie podniosły malarzy do statusu „artystów”, termin wcześniej ograniczony do tych, którzy studiowali tradycyjne sztuki liberalne, takie jak łacina i retoryka. Artyści interesowali się historią sztuki, tym, co działo się w świecie sztuki gdzie indziej, pisali traktaty o swoim rzemiośle i eksperymentowali z perspektywy matematycznej. Wszystkie te rzeczy podniosły sztukę do nauki.

Inną cechą charakterystyczną artystów renesansowych, zwłaszcza tych należących do wysokiego renesansu (1490-1527 n. e.) jest ich niezwykła zdolność w różnych mediach. Postacie takie jak Michał Anioł i Leonardo były równie utalentowanymi malarzami, jak rzeźbiarzami, i obaj, podobnie jak wielu innych mistrzów, zwrócili się również ku architekturze. Tak utytułowani mistrzowie prowadzili duże warsztaty i były to tereny treningowe dla następnego pokolenia artystów.

większe zaufanie do swoich umiejętności, wiedzy i wkładu w kulturę w ogóle widać w rosnącej liczbie artystów, którzy malowali Autoportrety. Innym objawem było częste podpisywanie dzieł sztuki, czasami w bardzo widocznych częściach obrazu (nawet jeśli asystenci w warsztacie mistrza często kończyli prace).

malarstwo& nowe techniki

malarze renesansowi byli wszechstronni i często eksperymentowali, ale generalnie, ponieważ renesans nosił jedną, używali techniki fresku na ściany, Tempery na panele i oleju na panele lub płótno. Fresk-malowanie na mokrym gipsowym tle – i tempera – z użyciem pigmentów zmieszanych z żółtkiem jaja – były technikami stosowanymi na długo przed okresem renesansu. Eksperymenty były jednak wykonywane przy użyciu farb olejnych (pigmenty zmieszane z olejem lnianym lub orzechowym), które nadawały bogatsze kolory, szerszą gamę odcieni i większą głębię niż tradycyjne kolory. Olejki pozwalały na pokazanie większej ilości szczegółów na obrazie, a pociągnięcia pędzlem stały się efektem wizualnym. Pod koniec XV wieku n. e.większość głównych artystów używała olejków podczas pracy przy sztaludze, a nie temperze. Wadą olejów było to, że szybko się pogorszyły, jeśli zostały użyte na ścianach zamiast prawdziwego fresku.

w zależności od lokalizacji istniały różne style i techniki malowania. Na przykład technika colore (lub colorito) była rozpowszechniona w Wenecji (gdzie kontrastujące kolory były używane do uzyskania i zdefiniowania harmonijnej kompozycji), podczas gdy disegno było preferowane we Florencji (gdzie pierwszeństwo miało rysowanie linii formy). Inne techniki doskonalone przez renesansowych artystów to chiaroscuro (kontrastowe użycie światła i cienia) i sfumato (Przejście jaśniejszych w ciemniejsze kolory).

temat obrazu był kolejną okazją do eksperymentów. Malowanie postaci z dramatycznymi pozami stało się renesansową modą, najlepiej widać to w suficie Kaplicy Sykstyńskiej Michała Anioła w Rzymie (1512 n. e.). Ogromne poczucie ruchu tworzy użycie przez artystę contrapposto, czyli asymetrii między górną i dolną częścią ciała postaci, techniki stosowanej przez Leonarda i wielu innych. Innym pomysłem było stworzenie kształtów w scenie, zwłaszcza trójkątów. Celem było stworzenie harmonijnej kompozycji i nadanie dodatkowej głębi, co widać w malowidle Ostatniej Wieczerzy Leonarda w mediolańskiej Santa Maria delle Grazie (ok. 1498 n. e.) lub Galatea Rafaela (ok.1513 n. e., Villa Farnesina, Rzym).

artyści dążyli do coraz większego poczucia rzeczywistości w swoich obrazach, a można to zrobić, odtwarzając perspektywę, której można oczekiwać w trójwymiarowym widoku. Andrea Mantegna (ur. ok. 1431-1506 n. e.) stosował techniki skracania, tak jak czynił to Giotto. Zobacz jego agonię w ogrodzie (ok. 1460 n. e., National Gallery, Londyn). Mantegna również chętnie malował swoje sceny, jakby patrzył na nie od spodu, co dawało głębię jego pracy. Niekiedy głębię uzyskiwano w środku obrazu, podczas gdy postacie dominowały na pierwszym planie, przybliżając je do widza. Była to technika innowacyjna przez Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) i można najlepiej zobaczyć w małżeństwie z Dziewicą (c. 1504 n. e., Pinacoteca di Brera, Mediolan) przez Rafaela, niegdyś ucznia Perugino.

tymczasem malarze tacy jak Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) poszli dalej i używali precyzyjnych matematycznych zasad perspektywy, co widać w jego biczowaniu Chrystusa (C. 1455 CE, National Gallery of Marche, Urbino). Niektórzy krytycy uważali, że niektórzy artyści posunęli się zbyt daleko w ich użyciu perspektywy, a więc pierwotny sens ich malarstwa został utracony; Paolo Uccello (1397-1475 n. e.) był szczególną ofiarą tego twierdzenia. Polowanie Uccello (ok. 1460 n. e., Ashmolean Museum, Oxford) to z pewnością zuchwały obraz z panoramicznym widokiem symetrycznego lasu cofającego się na coraz ciemniejsze tło, podczas gdy na pierwszym planie dominują myśliwi i ich psy, wszystkie zbiegające się ku odległemu centralnemu punktowi.

kolejnym krokiem w kierunku większej rzeczywistości było zapewnienie, że scena ma jedno źródło światła, które zapewnia pasujące obszary cienia we wszystkich elementach obrazu. Zobacz, na przykład, 1480 CE Ekstaza Świętego Franciszka (Frick Collection, Nowy Jork) Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Artyści zaczęli nawet oszukiwać widza, jak lustro w portrecie ślubnym Arnolfiniego Jana van Eycka (1434 n. e., National Gallery, Londyn), które pokazuje refleksje postaci, które muszą stać obok widza. Wszystkie te techniki miały dodatkową zaletę tworzenia „wow factor” od widzów, którzy nie są przyzwyczajeni do oglądania takich innowacji.

Malarze renesansowi chcieli dodać do swojej pracy inny poziom znaczenia niż tylko wizualne pierwsze wrażenie. Sceny mitologiczne były często przepełnione symboliką, mającą oddzielić dobrze wykształconego widza od mniejszego. Tycjan (ok. 1487-1576 n. e.) opisał nawet swoje mitologiczne obrazy jako formę poezji, co nazwał poezja, takie było zagęszczenie klasycznych odniesień w nich. Zobacz, na przykład, jego Bachus i Ariadna (c. 1523 CE, National Gallery, Londyn).

portret był kolejnym obszarem, w którym wyróżniali się artyści renesansowi. Najbardziej znanym przykładem jest Mona Lisa Leonarda (ok.1506 r. n. e., Luwr, Paryż), która przedstawia niezidentyfikowaną kobietę. Leonardo nie tylko namalował podobiznę, ale także uchwycił nastrój Opiekunki. Kontury, perspektywa i gradacje kolorów są połączone, aby nadać obrazowi życie. Co więcej, swobodna postawa i widok na damę w trzech czwartych są kolejną wskazówką ruchu. Obraz ten wywarł ogromny wpływ na portrety. Innym rozwinięciem było wykorzystanie przedmiotów codziennego użytku w portretach, aby wskazać charakter, przekonania i zainteresowania Opiekunki. Malarze niderlandzcy byli szczególnymi mistrzami w realistycznych portretach, a ich idee rozprzestrzeniły się do Włoch, gdzie można je zobaczyć w twórczości, na przykład Piero della Francesca, zwłaszcza jego obraz Federico da Montefeltro, księcia Urbino (c. 1470 CE, Uffizi, Florencja).

Rzeźba& przełamanie klasycznej formy

podczas gdy wiele tematów religijnych pozostało popularnych w rzeźbie, takich jak Pieta – Matka Boża opłakująca ciało Jezusa Chrystusa – konwencjonalna ikonografia wkrótce ustąpiła miejsca bardziej innowacyjnym zabiegom. Donatello (ok. 1386-1466 n. e.), na przykład, eksperymentował z techniką poświęcenia i wykończenia, aby uchwycić emocje postaci, strategię najlepiej widać w jego drewnianej Marii Magdalenie (ok.1446 n. e., Museo dell ’ Opera del Duomo, Florencja).

w okresie klasycznego odrodzenia rzeźbiarze tworzyli własne wersje starożytnych figur w drewnie, kamieniu i brązie. Najbardziej znany jest Dawid Michała Anioła (1504 n. e., Galleria dell ’ Accademia, Florencja). Przedstawiający biblijnego króla, który w młodości słynnie zabił gigantycznego Goliata, marmurowa figura jest znacznie większa od naturalnej wielkości, około 5,20 metra (17 stóp). Przypomina kolosalne posągi Herkulesa z czasów antycznych, ale napięcie postaci i jego dokładnie zdeterminowana twarz to renesansowe wynalazki.

Donatello stworzył swoją wersję Dawida w brązie (1420 lub 1440 n. e., Bargello, Florencja) i dzieło to było kolejnym dramatycznym odejściem od starożytnej rzeźby. Postawa tworzy zmysłową figurę, która nie mogła powstać w starożytności. Zarówno Michał Anioł, jak i David Donatello przypominają o ścisłym związku między sztuką a funkcją w okresie renesansu. Dawid pojawił się na oficjalnej pieczęci Florencji, a jako pogromca Goliata był przypomnieniem walk Florentyńczyków z konkurencyjnym miastem Mediolanem.

sztuką związaną z rzeźbą było grawerowanie. Donatello ponownie zaangażował się w tę działalność, produkując wspaniałe płaskorzeźby z brązu dla Baptysterium w Siennie i kilku florenckich kościołów. Technika rzeźbienia sceny o płytkiej głębi, ale wciąż osiągającej poczucie perspektywy, znana była jako „spłaszczony relief” lub rilievo schiacciato. Zupełnie inną techniką było tworzenie metalowych paneli z postaciami tak wysokimi w reliefie, że są prawie okrągłe. Najbardziej znanym przykładem tej techniki są „Bramy raju” Lorenzo Ghibertiego, drzwi do Baptysterium San Giovanni we Florencji (ukończone w 1452 r.n. e.). Pozłacane panele przymocowane do drzwi pokazują sceny biblijne, a nawet popiersie samego Ghibertiego.

od 1420 r.n. e. popularne były druki wykonane z drzeworytów, ale to rozwój grawerowania miedzianych płyt z 1470 r. n. e. sprawił, że druki stały się prawdziwą formą sztuki. Blachy miedziane dały znacznie większą precyzję i detal. Mantegna i Dürer byli wybitnymi ekspertami w tej dziedzinie, a ich ryciny stały się bardzo Kolekcjonerskie. Najbardziej utytułowanym drukarzem był Marcantonio Raimondi (1480-1534 n. e.), a jego druki Sztuk Pięknych pomogły szerzyć idee w Północnej Europie i vice-versa.

spuścizna sztuki renesansowej

kolekcjonowanie sztuki stało się hobby bogatych, ale wraz z bogaceniem się Klasy średniej, tak też mogli nabywać sztukę, choć nie tak wielką. Warsztaty, takie jak te prowadzone przez Ghiberti, zaczęły nie do końca masowo produkować sztukę, ale przynajmniej wykorzystywać znormalizowane elementy zaczerpnięte z istniejącego katalogu. Krótko mówiąc, sztuka nie była już ograniczona do bogatych, a dla tych, którzy nadal nie mogli sobie pozwolić na oryginały, zawsze mogli kupić odbitki. Druki rozpowszechniają również reputację artystów na szeroką skalę. Dzięki ekspansji rynku sztuki mistrzowie mogli teraz produkować sztukę tak, jak uważali, że powinna być, a nie jak uważał patron.

Sztuka renesansowa stale się rozwijała. Manieryzm, na przykład, jest niejasnym terminem, który początkowo odnosił się do dziwnie odmiennej sztuki, która przyszła po wysokim renesansie. Manieryzm nabrał wtedy bardziej pozytywnego znaczenia-stylistyki, niejednoznaczności przekazu, kontrastu i ogólnie zabawy z technikami i standaryzacjami, jakie wyznaczyli sobie wcześniej artyści renesansowi. Zobacz, na przykład, 1548 CE cud Świętego Marka ratowanie niewolnika przez Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Wenecja). Z manieryzmu zrodził się kolejny ważny styl w sztuce europejskiej, niezwykle dekoracyjny Barok, który z bogatą kolorystyką, drobnymi detalami i energicznymi pozami sztuki renesansowej przeszedł do nowej skrajności przytłaczającego dramatu i dekoracji.