De kunst van de Renaissance in Europa (1400-1600) bevat enkele van de meest herkenbare en meest geliefde schilderijen en sculpturen ter wereld. Meesters waren vaak bedreven in zowel schilderkunst als beeldhouwkunst, en door de kunst van de oudheid te bestuderen en hun theoretische kennis van wiskundig perspectief en nieuwe schildertechnieken toe te voegen, produceerden ze werkelijk unieke kunstwerken. Realisme, detail, drama en subtiele betekenislagen werden kenmerken van religieuze en seculiere kunst. Nu braken kunstenaars zich eindelijk los van hun oude status van ambachtsman en bereikten ze een nieuwe positie als vitale bijdragers aan de cultuur en het prestige van de samenlevingen waarin ze leefden.

definiërende kenmerken van de Renaissance kunst zijn:

• een belang bij het vastleggen van de essentiële elementen van de klassieke kunst, in het bijzonder de vorm en verhoudingen van het menselijk lichaam.
• een interesse in de geschiedenis van de hedendaagse kunst en het smeden van een continue weg van ontwikkeling.
• een vermenging van heidense en religieuze iconografie, maar met de mensheid als focus.
• een tendens tot monumentaliteit en dramatische houdingen.
• een interesse in het creëren van een emotionele reactie van de kijker.
• de ontwikkeling van een nauwkeurig wiskundig perspectief.een interesse in hyperrealistische en gedetailleerde portretten, scènes en landschappen.
• interesse in het gebruik van heldere kleuren, schaduw en het vastleggen van de effecten van licht.de ontwikkeling van het gebruik van olieverf en kleine druk.
• het gebruik van subtiele vormen en alledaagse objecten om extra betekenis te geven.een toename van het prestige van kunstenaars als superieure ambachtslieden die intellectuele studies combineerden met praktische vaardigheden.men dacht dat de Renaissancekunst uit het niets voortkwam in een wonderbaarlijke wedergeboorte van ideeën en talent, maar onderzoek door moderne historici heeft aangetoond dat er in de 14e eeuw met veel elementen van de Renaissancekunst geëxperimenteerd werd. Kunstenaars als Giotto (d. 1337) wilden hun schilderijen realistischer maken en dus gebruikten ze verkorting om een scène een gevoel van diepte te geven. Giotto ’s gebruik van vooraf verkorten, licht en schaduwen, emotie en dynamische keuze van scènes kan het best worden gezien in zijn religieuze fresco’ s in de Scrovegni kapel, Padua (ca. 1315). Deze technieken, en het succes van de kunstenaar in het tot leven brengen van personages, zouden enorm invloed hebben op latere kunstenaars. Om deze reden wordt Giotto vaak de ‘eerste renaissanceschilder’ genoemd, ook al leefde hij nog voor de Renaissance zelf.
  Remove Ads

  advertentie

  

  rijke mecenassen waren de drijvende kracht achter de renaissancekunst in een periode waarin de meeste kunstwerken in opdracht werden gemaakt. Kerken waren de gebruikelijke begunstigden van dit systeem in het eerste deel van de Renaissance. Geschilderde panelen voor altaarstukken en fresco ‘ s waren de meest voorkomende vorm van artistieke decoratie, vaak met de sacra conversazione, dat is de Maagd en kind omringd door heiligen en weldoeners. Monumentale altaarstukken van enkele meters hoog werden vaak uitgebreid ingelijst om hedendaagse ontwikkelingen in de architectuur na te bootsen. Het beroemdste altaarstuk is het Altaarstuk van Jan Van Eyck uit 1432 (CA. 1390-1441). Vroege Renaissance onderwerpen, dan, zijn zeer vergelijkbaar met die populair door de Middeleeuwen.

  Remove Ads

  Advertising

  de evolutie in de kunst was relatief traag, maar omdat sommige kunstenaars grote faam verwierven, konden ze nieuwe ideeën ontwikkelen & om kunst te onderscheiden van wat eerder was gebeurd.particuliere mecenassen zoals Pausen, Heilige Romeinse keizers, koningen en hertogen zagen allemaal het voordeel van het verfraaien van hun steden en paleizen, maar ze waren ook zeer geïnteresseerd in het verwerven van een reputatie voor vroomheid en een kennis van kunst en geschiedenis. Zodra een mecenas een kunstenaar vond die ze leuk vonden, gebruikten ze hem vaak langdurig als hun officiële hofkunstenaar, waarbij ze allerlei taken kregen, van portretten tot livery design. Mecenassen betaalden en dus deden ze vaak specifieke verzoeken over de details van een kunstwerk. Verder, hoewel een kunstenaar zijn vaardigheden en verbeeldingskracht kon gebruiken, moest hij binnen de grenzen van de conventie blijven, omdat figuren in zijn werk moesten worden erkend voor wie ze waren. Het was bijvoorbeeld niet goed om een fresco van het leven van een heilige te maken als niemand herkende wie die heilige was. Om deze reden was de evolutie in de kunst relatief traag, maar omdat sommige kunstenaars grote bekendheid verwierven, konden ze nieuwe ideeën in de kunst ontwikkelen en het onderscheiden van wat eerder was gegaan.

  de klassieke heropleving

  een kenmerkend kenmerk van de Renaissance was de hernieuwde interesse in de oude wereld van Griekenland en Rome. Als onderdeel van wat we nu Renaissance-humanisme noemen, werden klassieke literatuur, architectuur en kunst allemaal geraadpleegd om ideeën te verkrijgen die voor de hedendaagse wereld konden worden getransformeerd. Lorenzo De Medici (1449-1492), hoofd van de grote Florentijnse familie, was een opmerkelijke beschermheer, en zijn collectie van oude kunstwerken was een studiepunt voor veel kunstenaars. Jonge kunstenaars, opgeleid in de ateliers van gevestigde meesters, hadden daar ook toegang tot oude kunst of op zijn minst reproductietekeningen.

  liefdesgeschiedenis?

  Meld u aan voor onze wekelijkse e-mail nieuwsbrief!

  

  kunstenaars imiteerden klassieke kunstwerken of delen daarvan rechtstreeks binnen hun eigen werken. In 1496 maakte Michelangelo (1475-1564) bijvoorbeeld de slapende Cupido (nu verloren) die hij opzettelijk verouderde om het een authentiek oud werk te laten lijken. Een andere recreatie van de oudheid, deze keer een geheel denkbeeldige, is de School van Athene fresco van Raphael (1483-1520). Voltooid in 1511 CE en gelegen in het Vaticaan, dit fresco toont alle belangrijke denkers uit de oude wereld. Vooral veelvoorkomende afbeeldingen uit de klassieke mythologie waren populair. Deze werden opnieuw opnieuw bedacht en in sommige gevallen hebben ze zelfs oude kunst ingehaald in onze gedachten als we aan bepaalde onderwerpen denken. De geboorte van Venus (CA. 1484 CE, Uffizi Gallery, Florence) door Sandro Botticelli (1445-1510 CE), is een voorbeeld. Tot slot was de weergave van oude architectuur en ruïnes een bijzondere favoriet van vele Renaissance kunstenaars om achtergrond sfeer te geven aan zowel hun mythologische en religieuze werken.

  de toegenomen Status van kunstenaars

  een andere nieuwe ontwikkeling was de interesse om de geschiedenis van de kunst te reconstrueren en te catalogiseren wie precies de grote kunstenaars waren en waarom. De beroemdste geleerde die een dergelijke geschiedenis samenstelde was Giorgio Vasari (1511-1574) in zijn The Lives of the Most Excellent Italian Architects, schilders, and Sculptors (1550 CE, revised 1568 CE). De geschiedenis is een monumentale record van Renaissance kunstenaars, hun werken, en de anekdotische verhalen geassocieerd met hen, en dus Vasari wordt beschouwd als een van de pioniers van de kunstgeschiedenis. Kunstenaars profiteerden ook van specifieke biografieën over hun leven en werken, zelfs toen ze nog in leven waren, zoals het leven van Michelangelo uit 1553, geschreven door Ascanio Condivi (1525-1574). Kunstenaars schreven ook teksten over technieken ten behoeve van anderen, de vroegste waren de commentaren van Lorenzo Ghiberti (1378-1455), geschreven rond 1450. Aangezien de commentaren details van Ghiberti ‘ s eigen leven en werken bevatten, is het ook de eerste autobiografie van een Europese kunstenaar.

  

  dit de interesse in Renaissance kunstenaars, hun privéleven en hoe ze tot meesterwerken kwamen weerspiegelt de verheven status die ze nu genoten. Kunstenaars werden nog steeds gezien als ambachtslieden als schoenmakers en timmerlieden, en ze werden gedwongen om zich aan te sluiten bij een handelsgilde. Dit begon te veranderen tijdens de Renaissance. Kunstenaars waren duidelijk anders dan andere ambachtslieden, omdat ze wijdverspreide bekendheid konden verwerven voor hun werken en een gevoel van burgertrots bij hun medeburgers konden creëren. Het waren echter de intellectuele inspanningen van schilders als Leonardo da Vinci (1452-1519) en Albrecht Dürer (1471-1528) die schilders uiteindelijk tot de status van ‘kunstenaars’ verheven, een term die voorheen beperkt was tot degenen die de traditionele vrije kunsten zoals Latijn en retoriek bestudeerden. Kunstenaars hadden een grote interesse in het bestuderen van de geschiedenis van de kunst, wat er gaande was in de kunstwereld elders, schreef verhandelingen over hun ambacht, en maakte experimenten in wiskundig perspectief. Al deze dingen verhieven kunst tot wetenschap.

  Remove Ads

  advertentie

  een ander kenmerkend kenmerk van Renaissancekunstenaars, vooral die uit de Hoge Renaissance (1490-1527), is hun buitengewone vermogen in een verscheidenheid van media. Figuren als Michelangelo en Leonardo waren net zo talentvolle schilders als beeldhouwers, en beide, net als vele andere meesters, draaiden ook hun hand naar architectuur. Dergelijke succesvolle meesters hielden grote workshops en dit waren trainingsvelden voor de volgende generatie kunstenaars. een groter vertrouwen in hun vaardigheden, kennis en bijdrage aan de cultuur in het algemeen blijkt uit het toenemende aantal kunstenaars dat zelfportretten schilderde. Een ander symptoom was de frequente ondertekening van kunstwerken, soms in zeer prominente delen van het beeld (zelfs als de assistenten in een meesterwerkplaats regelmatig werken afmaakten).

  

  nieuwe technieken

  renaissanceschilders waren veelzijdig en experimenteerden vaak, maar in het algemeen, toen de Renaissance er een droeg, gebruikten ze de fresco-techniek voor muren, tempera voor panelen en olieverf voor panelen of canvas. Fresco-schilderen op een natte gipsen achtergrond – en tempera – met behulp van pigmenten gemengd met eigeel – waren beide technieken gebruikt lang voor de Renaissance periode. Experimenten werden echter uitgevoerd met olieverf (pigmenten vermengd met lijn-of walnootolie), die rijkere kleuren, een breder scala aan tinten en meer diepte dan traditionele kleuren gaven. Door oliën konden meer details in het schilderij worden getoond en konden penseelstreken een visueel effect worden. Tegen het einde van de 15e eeuw CE, dan, de meeste grote kunstenaars waren met behulp van oliën bij het werken op een ezel, niet tempera. Het nadeel van oliën was dat ze snel verslechterden bij gebruik op muren in plaats van echte fresco.

  ondersteun onze Non-Profit organisatie

  met uw hulp maken we gratis content die miljoenen mensen over de hele wereld helpt geschiedenis te leren.

  lid worden

  Verwijder Advertenties

  advertentie

  Er waren verschillende schilderstijlen en technieken afhankelijk van de locatie. Bijvoorbeeld, de kleur (of colorito) techniek was gebruikelijk in Venetië (waar contrasterende kleuren werden gebruikt om een harmonieuze compositie te bewerkstelligen en te definiëren) terwijl disegno de voorkeur kreeg in Florence (waar lijntekening van de vorm voorrang had). Andere technieken geperfectioneerd door Renaissance kunstenaars omvatten chiaroscuro (het contrasterende gebruik van licht en schaduw) en sfumato (de overgang van lichter naar donkerder kleuren).

  het onderwerp van het schilderij was een andere gelegenheid om te experimenteren. Het schilderen van figuren met dramatische poses werd een Renaissance mode, het best te zien in Michelangelo ‘ s Sixtijnse Kapel plafond in Rome (1512 n.Chr.). Een enorm gevoel van beweging wordt gecreëerd door het gebruik van contrapposto door de kunstenaar, dat wil zeggen de asymmetrie tussen het boven-en onderlichaam van de figuren, een techniek die door Leonardo en vele anderen wordt gebruikt. Een ander idee was om vormen te maken in een scène, vooral driehoeken. Het doel hiervan was om een harmonieuze compositie te creëren en extra diepte te geven, zoals te zien is in Leonardo ’s Laatste Avondmaal muurschildering in Milaan’ S Santa Maria delle Grazie (CA. 1498) of de Galatea van Rafaël (CA. 1513, Villa Farnesina, Rome).

  Remove Ads

  advertentie

  

  kunstenaars streefden naar een steeds groter gevoel van realiteit in hun schilderijen, en dit kon worden gedaan door het perspectief te reproduceren dat men zou verwachten te zien in een driedimensionale weergave. Andrea Mantegna (CA. 1431-1506 CE) gebruikte technieken van voorkortening net als Giotto had gedaan. Zie zijn The Agony in the Garden (CA. 1460 CE, National Gallery, Londen). Mantegna was ook enthousiast over het schilderen van zijn scènes alsof men ze van onderaf bekijkt, een andere truc die zijn werk diepte gaf. Soms werd diepte bereikt in het midden van het schilderij, terwijl figuren de voorgrond domineerden, waardoor ze dichter bij de kijker kwamen. Het was een techniek die werd vernieuwd door Pietro Perugino (ca.1450-1523) en kan het best worden gezien in het huwelijk van de Maagd (CA. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milaan) door Raphael, ooit een leerling van Perugino.ondertussen gingen schilders als Piero della Francesca (CA. 1420-1492) verder en gebruikten nauwkeurige wiskundige principes van perspectief, zoals te zien is in zijn geseling van Christus (CA. 1455, National Gallery of Marche, Urbino). Sommige critici vonden dat sommige kunstenaars te ver gingen in hun gebruik van perspectief en dus de oorspronkelijke betekenis van hun schilderij verloren ging; Paolo Uccello (1397-1475) was een bijzonder slachtoffer van deze claim. Uccello ‘ s The Hunt (CA. 1460 CE, Ashmolean Museum, Oxford) is zeker een gedurfd schilderij met een panoramisch uitzicht op een symmetrisch bos dat zich terugtrekt in een steeds donkerder achtergrond, terwijl de voorgrond wordt gedomineerd door de jagers en hun honden, allemaal convergeren naar een verre centrale punt.

  

  een andere stap in de richting van een grotere realiteit was ervoor te zorgen dat de scène één lichtbron had die gelijke schaduwgebieden in alle elementen van het schilderij biedt. Zie bijvoorbeeld de 1480 CE Ecstasy van Sint Franciscus (Frick Collection, New York) van Giovanni Bellini (c. 1430-1516 CE). Kunstenaars begonnen de kijker zelfs voor de gek te houden, zoals de spiegel in het Arnolfini huwelijksportret van Jan Van Eyck (1434 CE, National Gallery, Londen), die reflecties toont van figuren die naast de kijker moeten staan. Al deze technieken hadden het extra voordeel dat ze een ‘wow factor’ creëerden van kijkers die niet gewend waren om dergelijke innovaties te zien.Renaissanceschilders wilden een ander niveau van betekenis aan hun werk toevoegen dan alleen de visuele eerste indruk. Mythologische scènes waren vaak vol symboliek, bedoeld om de goed opgeleide kijker te onderscheiden van de minder zo. Titiaan (CA. 1487-1576) beschreef zijn mythologische schilderijen zelfs als een vorm van poëzie, wat hij poesia noemde, zo dicht was de dichtheid van klassieke verwijzingen erin. Zie bijvoorbeeld zijn Bacchus en Ariadne (CA. 1523 CE, National Gallery, Londen).

  

  portretkunst was nog een ander gebied waar renaissancekunstenaars uitblonken. Het bekendste voorbeeld is Leonardo ‘ s Mona Lisa (CA. 1506 CE, Louvre, Parijs), die een onbekende vrouw toont. Leonardo heeft niet alleen een gelijkenis geschilderd, maar ook de stemming van de oppas vastgelegd. Contouren, perspectief en gradaties in kleur worden gecombineerd om het beeld leven te geven. Verder, de casual houding en driekwart weergave van de dame zijn een andere hint op beweging. Dit schilderij was daarna van grote invloed op portretten. Een andere ontwikkeling was het gebruik van alledaagse objecten in portretten om te wijzen op het karakter, overtuigingen en interesses van de sitter. De Nederlandse schilders waren bijzonder meesters in realistische portretten, en hun ideeën verspreidden zich naar Italië, waar ze te zien zijn in het werk van bijvoorbeeld Piero della Francesca, met name zijn schilderij van Federico da Montefeltro, Hertog van Urbino (ca. 1470 CE, Uffizi, Florence). sculptuur

  sculptuur & breken van de klassieke mal

  hoewel veel religieuze onderwerpen populair bleven in de sculptuur, zoals de Pietà – de Maagd Maria rouw over het lichaam van Jezus Christus – maakte conventionele iconografie al snel plaats voor meer innovatieve behandelingen. Donatello (CA. 1386-1466), bijvoorbeeld, experimenteerde met het opofferen van techniek en afwerking om de emotie van een figuur vast te leggen, een strategie die het best te zien is in zijn houten Maria Magdalena (c. 1446 CE, Museo dell ‘ Opera del Duomo, Florence).

  

  De klassieke revival zag beeldhouwers hun eigen versies maken van oude figuren in hout, steen en brons. Het beroemdst is Michelangelo ’s David (1504, Galleria dell’ Accademia, Florence). De marmeren figuur, die de bijbelse koning vertegenwoordigt die in zijn jeugd beroemd de reus Goliath doodde, is veel groter dan levensgroot, ongeveer 5,20 meter hoog. Het doet denken aan kolossale beelden van Hercules uit de oudheid, maar de spanning van de figuur en zijn grondig vastberaden gezicht zijn Renaissance uitvindingen. Donatello produceerde zijn versie van David in brons (1420 of 1440, Bargello, Florence) en dit werk was een andere dramatische afwijking van de oude beeldhouwkunst. De houding creëert een sensuele figuur die niet had kunnen worden geproduceerd in de oudheid. Zowel Michelangelo ’s als Donatello’ s David herinneren aan de nauwe band tussen kunst en functie tijdens de Renaissance. David verscheen op het officiële zegel van Florence, en als de doder van Goliath, was het een tijdige herinnering aan de strijd van de Florentijnen tegen de rivaliserende stad Milaan.

  

  een verwante kunst aan beeldhouwkunst was graveren. Donatello was hier opnieuw bij betrokken en produceerde prachtige bas-reliëf bronzen panelen voor de doopkapel van Sienna en verschillende Florentijnse kerken. De techniek van het snijden van een scène met een ondiepe diepte maar nog steeds een gevoel van perspectief werd bekend als ‘plat reliëf’ of rilievo schiacciato. Een heel andere techniek was om metalen panelen te maken met figuren die zo hoog in reliëf staan dat ze bijna rond zijn. Het beroemdste voorbeeld van deze techniek is Lorenzo Ghiberti ‘ s ‘poorten van het Paradijs’, de deuren van Florence ‘ s Doopkapel van San Giovanni (voltooid in 1452). De vergulde panelen aan de deuren tonen bijbelse taferelen en zelfs een buste van Ghiberti zelf.

  vanaf 1420 waren prenten gemaakt van houtsneden populair, maar het was de ontwikkeling van het graveren van koperplaten uit de jaren 1470 dat prenten een echte kunstvorm werd. Koperen platen gaven een veel grotere precisie en detail. Mantegna en Dürer waren twee opmerkelijke experts op dit gebied, en hun gravures werden zeer collectible. De meest succesvolle drukker was Marcantonio Raimondi (1480-1534), en zijn prenten van beeldende kunst hielpen ideeën te verspreiden naar Noord-Europa en vice versa.

  

  door Didier Descouens (CC BY-SA)

  de erfenis van de Renaissance kunst

  Het verzamelen van kunst werd een hobby van de rijken, maar naarmate de middenklasse rijker werd, konden zij ook kunst verwerven, zij het niet zo groot. Ateliers zoals die van Ghiberti begonnen niet precies kunst te masseren, maar in ieder geval gestandaardiseerde elementen uit een bestaande catalogus te gebruiken. Kortom, de kunst was niet langer beperkt tot de rijken, en voor degenen die nog geen originelen konden betalen, konden ze altijd prenten kopen. Ook prenten verspreiden de reputatie van kunstenaars wijd en zijd. Dankzij de uitbreiding van de kunstmarkt waren meesters nu vrij om kunst te produceren zoals ze dachten dat het zou moeten zijn, niet als een patroongedachte.

  Renaissance kunst was voortdurend in ontwikkeling. Maniërisme bijvoorbeeld is een vage term die aanvankelijk refereerde aan de vreemd verschillende kunst die na de Hoge Renaissance ontstond. Het maniërisme kreeg toen een meer positieve betekenis-stylishness, ambiguïteit van Boodschap, contrast, en in het algemeen spelen met de technieken en standaardiseringen die eerdere Renaissance kunstenaars hadden ingesteld. Zie bijvoorbeeld het wonder van de Heilige Marcus uit 1548 die een slaaf redt door Tintoretto (CA. 1518-1594 CE, Academia, Venetië). Van maniërisme zou komen de volgende grote stijl in de Europese kunst,de zeer decoratieve barok, die de rijke kleuren, fijne details, en energieke poses van de Renaissance kunst naar een nieuwe extreme van overweldigende drama en decoratie.