主要なアーティストは、すべて18世紀後半にジョン*ロバート*コーゼンス、フランシス*タウン、トーマス*ガーティン、マイケル*アンジェロ*ルーカー、ウィリアム*パース、トーマスハーン、とジョン*ウォリック*スミス、とジョセフ*マロード*ウィリアム*ターナー、ジョン*ヴァーリー、ジョン*セル*コトマン、アンソニー*コプリー*フィールディング、サミュエル*パーマー19世紀初頭に含まれています。

19世紀と20世紀edit

ロマンチックな動きは、風景芸術への既存の関心を強化し、以前の風景芸術の一つの繰り返しの要素であったリモートと野生の風景は、今より ドイツのカスパー-ダヴィッド-フリードリヒは、デンマークの訓練の影響を受けた独特のスタイルを持っていたが、オランダの17世紀の例を取り入れた独特の国家スタイルが発展していた。 これに彼は準神秘的なロマン主義を加えた。 フランスの画家たちは風景画を開発するのが遅かったが、1830年代頃からジャン＝バティスト＝カミーユ-コローやバルビゾン派の他の画家たちは、印象派やポスト印象派が初めて風景画をあらゆる種類の絵画にわたって一般的な文体革新の主な源泉としたことで、ヨーロッパで最も影響力のあるフランスの風景の伝統を確立した。

新しい統一された州のナショナリズムは、オランダの17世紀の風景画の人気の要因であり、19世紀には、他の国が独特の国立絵画学校を開発しようとしたように、祖国の風景の特別な性質を表現しようとする試みが一般的な傾向となった。 ロシアでは、アメリカのように、絵画の巨大なサイズはそれ自体が民族主義的な声明でした。

スペインでは、このジャンルの主なプロモーターは、ベルギー生まれの画家Carlos de Haesであり、1857年以来マドリードのサンフェルナンド美術アカデミーで最も活発な風景教授の一人であった。 偉大なフランドルの風景の巨匠に学んだ後、彼は屋外でペイントする彼の技術を開発しました。 スペインに戻って、ヘースは田舎でペイントするために彼と一緒に彼の学生を取った; 彼の教えの下で”画家は増殖し、国の地形の最も遠いコーナーを探索するために新しい鉄道システムを利用しました。”

米国では、19世紀半ばから後半に顕著なハドソン川の学校は、おそらく風景芸術の中で最もよく知られているネイティブの開発です。 これらの画家は、それらに影響を与えた風景の壮大な範囲をキャプチャしようとした巨大なスケールの作品を作成しました。 トマス—コール、学校の一般的に認められた創設者の仕事は、ヨーロッパの風景画の哲学的理想と多くの共通点を持っています-自然の美しさの熟考から得 アルバート-ビアスタットのような後のハドソン川派の芸術家の中には、自然の生の、恐ろしい力に（ロマンチックな誇張の多くで）より大きな重点を置いたあまり慰めのない作品を作成したものもあった。 フレデリック*エドウィン*チャーチ、コールの学生は、世紀の一流のアメリカの風景画家になるために、ヨーロッパの巨匠やジョン*ラスキンとアレクサンダー*フォン*フンボルトの著作のものと同時代のアイデアを合成しました。 カナダのランドスケープアートの最良の例は、1920年代に顕著なセブンのグループの作品で見つけることができます。

第一次世界大戦後の期間では確かにあまり支配的ではありませんが、多くの重要な芸術家はまだEdvard Munch、Georgia O’Keeffe、Charles E. バーチフィールド、ニール-ウェリバー、アレックス-カッツ、ミルトン-エイブリー、ピーター-ドイグ、アンドリュー-ワイエス、デビッド-ホックニー、シドニー-ノーラン。P>

GalleryEdit

• ジョン-コンスタブル、1821、ヘイウェイン。 初期のロマン主義

• イワンAivazovsky、1863、コーカサス。 Late Romanticism

• Camille Pissarro, Lordship Lane Station, East Dulwich, London, England, c. 1870. Impressionism.

• Paul Cézanne, Mont Sainte-Victoire, 1882–1885, Metropolitan Museum of Art. Post-Impressionism

• Claude Monet, Branch of the Seine near Giverny, 1897. 印象派はしばしば、決して常に、en plein airを描いたわけではありません。

• イワンShishkin、オークの森の雨、1891、トレチャコフギャラリー。

• アイザックレビタン、永遠の平和の上に、1894。

• ヘンリー-ベイツ-ジョエルの1890年代の”スコティッシュ-ハイランド”; ビクトリア朝の絵画の典型的な自然の後期ロマンチックな様式化された解釈。

  東アジアtraditionEdit

  ChinaEdit

  も参照してください：中国絵画

  清明祭の間に川に沿って裁判所のスタイルのパノラマ、中国の芸術家張Zeduanによる18世紀の12世紀の宋王朝のオリジナルの18世紀のコピー。 張の元の絵は、”中国文明の最大の傑作の一つとして学者によって尊敬されています。”スクロールは右端から始まり、皇帝が川のお祝いのボートに参加するために彼のヨットに乗るように上に最高潮に達します。 入口の遠い端に置かれる特別に大きい観覧の石に注意しなさい。

  Kuo Hsi、山や谷の上に秋の空をクリアし、北宋c.1070、水平スクロールから詳細。

  ドンQichang、風景1597。 董其昌は高位ではあるが気難しい明の公務員であり、珍味よりも表現力を重視し、篆書や詩を収集していた。

  風景画は、”世界の芸術への中国の最大の貢献”と呼ばれており、中国文化の道教（道教）の伝統にその特殊な文字を負っています。 ウィリアム-ワトソンは、”中国絵画における風景芸術の役割は、それ自体が変わらないテーマとして、西洋のヌードの役割に対応していると言われていますが、ビジョンと感情の無限のニュアンスの乗り物を作った”と指摘しています。

  漢代以降の狩猟、農業、動物を示す主題を把握するためにますます洗練された風景の背景があり、主に墓からの石や粘土のレリーフで生き残った例があり、絵画の一般的なスタイルに従うと推定されており、元の絵画の完全な効果をキャプチャすることなく、間違いなく。 10世紀以前の有名な画家（その多くは文献に記録されている）による評判の高い作品の後のコピーの正確な状態は不明である。 その一例は、皇帝コレクションからの有名な8世紀の絵画であり、”皇帝明黄は蜀を旅している”と題されています。 これは、後の絵画の典型的なタイプのめまいの山を通って乗って側近を示していますが、明らかに人気があり、ファッショナブルな宮廷スタイルであったもので、フルカラーで”ほぼペルシャである全体的なパターンを生産”しています。

  図をほとんど欠いているモノクロの風景スタイルへの決定的なシフトは、詩人としても有名な王偉（699-759）に起因しています。 10世紀以降、元の絵画の数が増えて生き残り、宋（960-1279）南派の最高の作品は、今日まで中断されない伝統であったものの中で最も高く評価されています。 中国の慣習は、アマチュアの学者-紳士、しばしば詩人の絵画を、専門家によって制作されたものよりも重視していましたが、状況はそれよりも複雑でした。 彼らに数字が含まれている場合、彼らは非常に多くの場合、そのような人、または賢人であり、山を熟考しています。 有名な作品は、赤い”感謝シール”の数を蓄積しており、多くの場合、後の所有者によって追加された詩-乾隆帝（1711年-1799年）は、以前の皇帝に続いて、彼自身の詩の多作

  シャンシュイの伝統は、八景の慣習のように、それらにちなんで命名されたとしても、実際の場所を表すことを意図したことはありませんでした。 プロの宮廷芸術家のワークショップによって生成された別のスタイルは、高い視点から混雑した都市や壮大な儀式の非常に詳細なシーンに重点を置いて、帝国のツアーや儀式の公式見解を描いた。 これらは、明るい色で巨大な長さの巻物に描かれました（下の例）。

  中国の彫刻はまた、三次元で効果的な風景を作成するという困難な偉業を達成しています。 自然に形成された岩、典型的には幻想的な形に侵食された山の川のほとりからの石灰岩は、文人の中庭や庭園に運ばれました。 おそらく、これらに関連しているのは、はるかに小さな玉や他の半貴石を山の形に彫刻する伝統であり、僧侶や賢人の小さな数字を含みます。 中国の庭園はまた、西洋のものよりもはるかに早く高度に洗練された美学を開発しました; 禅宗の枯山水は、庭を彫刻の作品に近づけ、非常に抽象化された風景を表しています。

  • 李チェン（中国語：李成;ピンイン：Lì Chéng;ウェイド–ジャイルズ：李Ch’eng;919–967）、遠くの峰の中の豊かな森、詳細、遼寧省博物館、10世紀中国

  • ファン-クアン（中国語：范寬;ピンイン：fàn kuān;ウェイド-ジャイルズ：ファン-クアン、c。 960年-c.1030年）、山と川の間の旅行者（旅行記）、絹本著色、6½ft x2½ftの寸法。 11世紀、中国。 国立故宮博物院、台北

  • 夏Guiの最も重要な作品の一つ、13世紀の中国

  • 手のスクロールからの詳細は、ストリームと山の純粋でリモートビュー、夏Guiの最も重要な作品の一つ、13世紀の中国

  • 李菅、竹と岩c.1300ad。 中国

  • タオチー、17世紀後半の中国

  • タオチー、17世紀後半の中国

  • 唐陰、秋の漁師、1523ad。 中国

  • シェン周、山の詩人c.1500。 沈周による絵画と詩：”白い雲がサッシのように山の腰を取り囲んで、/石段は狭い道が遠くにつながる空隙に高くマウントします。/一人で、私の素朴なスタッフに傾いて、私は遠くにぼんやりと見つめています。/渓谷のせせらぎに、フルートの音への憧れが答えられる。””

  • カイハンとジンXiaozhu、秋の花と白キジ、17世紀、中国。

  • Shitao、春の近くの松のパビリオン、1675年、上海博物館、17世紀、中国のコレクション。

  JapanEdit

  16世紀の日本の修道院長のために作られた十六のスライディングルームパーティションのセットから四。 典型的には、後の日本の風景のために、主な焦点は前景の特徴にあります。

  も参照してください: 日本の国宝のリスト（絵画）

  日本の芸術は、最初に芸術における物語のテーマへの関心を反映するために中国のスタイルを適応させ、風景に設定されたシーンと、同じ高い視点を使用して宮殿や都市のシーンを示すものとが混在し、必要に応じて屋根を切り落とした。 これらは、主に12世紀から13世紀にかけての源氏物語などを描いた非常に長い大和絵の巻物に登場した。 紳士-アマチュア画家の概念は、中国の画家が彼らのインスピレーションを描く傾向があった遠い過去の古典的な芸術家ではなく、芸術家が一般的に師と彼の学校との強い絆を持つ専門家であった封建的な日本ではほとんど共鳴していなかった。 絵画は最初は完全に着色されていましたが、しばしば明るくなり、風景はしばしば特大の人物を圧倒することはありませんでした。右の図は、37.8cm×802を完全に測定する巻物からのものです。0センチメートル、仏教の僧侶の生活を示す十二の巻物の一つだけのために、彼らの西洋の対応のように、修道院や寺院は、多くのそのような作品を委託し、これらは宮廷の同等のものよりも生存の良いチャンスを持っていました。 源氏物語には、宮廷のサークルに共通しているように見える風景屏風や掛軸の生き残りもまれであり、宮廷のメンバーが競争のためにコレクションの中から最高の絵画を制作するというエピソードがあります。 これらは中国のshan shuiに近いが、まだ完全に着色されていた。

  より多くの純粋な風景の科目は、以降、15世紀から生き残る;いくつかの主要なアーティストは、禅仏教の聖職者であり、中国の方法で筆のストロークに重点を置いてモノクロスタイルで働いていました。 いくつかの学校は、より洗練されたスタイルを採用し、より小さなビューは前景に重点を置いています。 日本の芸術家にとって永続的な魅力を持ち、”日本のスタイル”と呼ばれるようになったイメージのタイプは、実際には中国で最初に発見されました。 これは、多くの場合、唯一の背景の部分をカバーし、超えて広い風景と、水平組成物中の片側に、典型的には、前景に一つ以上の大きな鳥、動物や木を組み合わせ このスタイルの後のバージョンは、多くの場合、完全に風景の背景を省略しました。

  16世紀以降に発展した浮世絵のスタイルは、最初は絵画で、次に安価で広く入手可能な色の木版画で、最初は個人的に、グループ的に、人間の姿に集中していました。 しかし、18世紀後半から風景浮世絵は北斎と広重の下で発展し、日本の風景芸術の最もよく知られたタイプになりました。

  • 天照修文、禅仏教の僧侶、日本の中国のスタイルの復活の初期の図。 竹林で読書、1446、日本

  • 鹿野正信、15世紀の鹿野派の創始者、19世紀まで日本の筆画を支配し、周Maoshuは蓮、掛軸を鑑賞