I primi anni e Hilla RebayEdit

Solomon R. Guggenheim, membro di una ricca famiglia mineraria, collezionava opere dei vecchi maestri sin dagli anni 1890. Nel 1926, incontrò l’artista Hilla von Rebay, che lo introdusse all’arte d’avanguardia europea, in particolare all’arte astratta che sentiva avere un aspetto spirituale e utopico (arte non oggettiva). Guggenheim ha completamente cambiato la sua strategia di raccolta, passando al lavoro di Wassily Kandinsky, tra gli altri. Ha iniziato a mostrare la sua collezione al pubblico nel suo appartamento nel Plaza Hotel di New York City. Nel 1937 fondò la Solomon R. Guggenheim Foundation, per promuovere l’apprezzamento dell’arte moderna.

Il Museo della Non-Oggettiva PaintingEdit

La fondazione, in primo luogo per la visualizzazione di arte, il Museo di Pittura Non-Oggettiva”, inaugurato nel 1939, sotto la direzione di Rebay, nel cuore di Manhattan. Sotto la guida di Rebay, Guggenheim cercò di includere nella collezione i più importanti esempi di arte non oggettiva disponibili all’epoca dai primi modernisti come Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger, Amedeo Modigliani e Pablo Picasso.

All’inizio del 1940, la fondazione aveva accumulato una così grande collezione di dipinti d’avanguardia che la necessità di un edificio museale permanente era diventata evidente. Nel 1943, Rebay e Guggenheim scrissero una lettera a Frank Lloyd Wright chiedendogli di progettare una struttura per ospitare ed esporre la collezione. Wright accettò l’opportunità di sperimentare il suo stile organico in un ambiente urbano. Gli ci sono voluti 15 anni, 700 schizzi e sei serie di disegni di lavoro per creare il museo.

Nel 1948, la collezione fu notevolmente ampliata con l’acquisto da parte del mercante d’arte Karl Nierendorf di circa 730 oggetti, in particolare dipinti espressionisti tedeschi. A quel tempo, la collezione della fondazione comprendeva un ampio spettro di opere espressioniste e surrealiste, tra cui dipinti di Paul Klee, Oskar Kokoschka e Joan Miró. Dopo la morte di Guggenheim nel 1949, i membri della famiglia Guggenheim che sedevano nel consiglio di amministrazione della fondazione avevano divergenze personali e filosofiche con Rebay, e nel 1952 si dimise da direttore del museo. Tuttavia, ha lasciato una parte della sua collezione personale alla fondazione nel suo testamento, tra cui opere di Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian e Kurt Schwitters. Il museo fu rinominato Solomon R. Guggenheim Museum nel 1952.

DesignEdit

Rebay concepì lo spazio come un “tempio dello spirito” che facilitasse un nuovo modo di guardare ai pezzi moderni della collezione. Scrisse a Wright che ” ognuno di questi grandi capolavori dovrebbe essere organizzato nello spazio, e solo tu … metterebbe alla prova le possibilità di farlo. … Voglio un tempio dello spirito, un monumento!”Il critico Paul Goldberger in seguito scrisse che, prima dell’edificio modernista di Wright,” c’erano solo due modelli comuni per il design del museo: il Beaux-arts Palace … e il Padiglione Stile Internazionale. Goldberger riteneva l’edificio un catalizzatore per il cambiamento, rendendolo “socialmente e culturalmente accettabile per un architetto progettare un museo altamente espressivo e intensamente personale. In questo senso quasi ogni museo del nostro tempo è figlio del Guggenheim.”

Dal 1943 all’inizio del 1944, Wright produsse quattro diversi schizzi per il progetto iniziale. Mentre uno dei piani (schema C) aveva una forma esagonale e piani di livello per le gallerie, tutti gli altri avevano schemi circolari e utilizzavano una rampa che continuava intorno all’edificio. Aveva sperimentato con la progettazione rampa nel 1948 presso il V. C. Morris Gift Shop a San Francisco e sulla casa ha completato per il figlio nel 1952, la casa David e Gladys Wright in Arizona. Il concetto originale di Wright era chiamato “ziggurat” invertito, perché assomigliava ai ripidi gradini delle ziggurat costruite nell’antica Mesopotamia. Il suo progetto ha rinunciato all’approccio convenzionale al layout museale, in cui i visitatori sono guidati attraverso una serie di sale interconnesse e costretti a ripercorrere i loro passi all’uscita. Il piano di Wright era per gli ospiti del museo di salire in cima all’edificio con l’ascensore, di scendere a passo lento lungo il dolce pendio della rampa continua e di vedere l’atrio dell’edificio come l’ultima opera d’arte. La rotonda aperta offriva agli spettatori la possibilità unica di vedere diverse baie di lavoro su diversi livelli contemporaneamente e persino di interagire con gli ospiti su altri livelli.

Allo stesso tempo, prima di stabilirsi sul sito per il museo all’angolo di 89th Street e la sezione Museum Mile di Fifth Avenue, con vista Central Park, Wright, Rebay e Guggenheim considerato numerose località a Manhattan, così come nella sezione Riverdale del Bronx, con vista sul fiume Hudson. Guggenheim riteneva che la vicinanza del sito a Central Park fosse importante; il parco offriva sollievo dal rumore, dalla congestione e dal cemento della città. Anche la natura ha fornito ispirazione al museo. L’edificio incarna i tentativi di Wright di “rendere la plasticità intrinseca delle forme organiche nell’architettura”. Il Guggenheim doveva essere l’unico museo progettato da Wright. La posizione della città richiedeva a Wright di progettare l’edificio in una forma verticale piuttosto che orizzontale, molto diversa dalle sue precedenti opere rurali.

Il disegno a spirale richiamava un guscio nautilus, con spazi continui che scorrevano liberamente l’uno nell’altro. Pur abbracciando la natura, il design di Wright esprime anche la sua interpretazione della rigida geometria dell’architettura modernista. Wright attribuì un significato simbolico alle forme dell’edificio. Egli ha spiegato: “queste forme geometriche suggeriscono certe idee umane, stati d’animo, sentimenti – come ad esempio: il cerchio, infinito; il triangolo, unità strutturale; la spirale, progresso organico; il quadrato, integrità.”Le forme si riecheggiano a vicenda: le colonne ovali, ad esempio, ribadiscono la geometria della fontana. La circolarità è il leitmotiv, dalla rotonda al disegno intarsiato dei pavimenti in terrazzo. Diversi professori di architettura hanno ipotizzato che la doppia scala a chiocciola progettata da Giuseppe Momo nel 1932 ai Musei Vaticani sia stata un’ispirazione per la rampa e l’atrio di Wright. Jaroslav Josef Polívka ha assistito Wright con la progettazione strutturale ed è riuscito a progettare la rampa galleria senza colonne perimetrali.

La superficie del Guggenheim fu realizzata in cemento per ridurre il costo, inferiore alla finitura in pietra voluta da Wright. Wright propose un esterno di colore rosso, che non fu mai realizzato. La piccola rotonda (o “Monitor building”, come la chiamava Wright) accanto alla grande rotonda era destinata ad ospitare appartamenti per Rebay e Guggenheim, ma divenne invece uffici e spazio di archiviazione. Nel 1965, il secondo piano dell’edificio Monitor fu ristrutturato per esporre la crescente collezione permanente del museo, e con il restauro del museo nel 1990-92, fu interamente trasformato in spazio espositivo e battezzato l’edificio Thannhauser, in onore di uno dei più importanti lasciti al museo. Il piano originale di Wright per una torre adiacente, studi di artisti e appartamenti è andato irrealizzato, in gran parte per motivi finanziari, fino alla ristrutturazione e l’espansione. Anche nella costruzione originale, il lucernario della galleria principale era stato coperto, il che comprometteva gli effetti luminosi accuratamente articolati di Wright. Questo è cambiato nel 1992 quando il lucernario è stato ripristinato al suo design originale.

Sweeney anni e completamento della costruzionemodifica

Nel 1953, i criteri di raccolta della fondazione si ampliarono sotto il suo nuovo direttore, James Johnson Sweeney. Sweeney rifiutò il licenziamento di Rebay di pittura e scultura” oggettiva”, e presto acquisì Adamo ed Eva di Constantin Brâncuși (1921), seguito da opere di altri scultori modernisti, tra cui Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti e David Smith. Sweeney raggiunse oltre il 20 ° secolo per acquisire l’uomo con le braccia incrociate di Paul Cézanne (c. 1899). Nello stesso anno, la fondazione ha anche ricevuto un dono di 28 importanti opere dalla Tenuta di Katherine S. Dreier, una fondatrice della prima collezione americana ad essere chiamata museo d’arte moderna, la Société Anonyme. Dreier era stato un collega di Rebay. Le opere includevano Little French Girl (1914-18) di Brâncuși, una natura morta senza titolo (1916) di Juan Gris, una scultura in bronzo (1919) di Alexander Archipenko e tre collage (1919-21) del dadaista tedesco Hannoveriano Schwitters. Ha anche incluso opere di Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky e Mondrian. Tra gli altri, Sweeney ha anche acquisito le opere di Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning e Jackson Pollock.

Sweeney ha supervisionato l’ultima mezza dozzina di anni di costruzione dell’edificio del museo, durante i quali ha avuto un rapporto antagonistico con Frank Lloyd Wright, soprattutto per quanto riguarda i problemi di illuminazione dell’edificio. Il caratteristico edificio cilindrico si rivelò essere l’ultima grande opera di Wright, poiché l’architetto morì sei mesi prima della sua apertura. Dalla strada, l’edificio si presenta come un nastro bianco arricciato in una pila cilindrica, più larga in alto che in basso, mostrando quasi tutte le superfici curve. Il suo aspetto è in netto contrasto con gli edifici tipicamente rettangolari di Manhattan che lo circondano, un fatto apprezzato da Wright, che ha affermato che il suo museo avrebbe reso il vicino Metropolitan Museum of Art “simile a un fienile protestante”. Internamente, la galleria di osservazione forma una rampa a spirale elicoidale che si arrampica delicatamente dal livello del suolo al lucernario in alto.

Critica e apertura dell’edificioEdit

Ancora prima della sua apertura, il design ha polarizzato i critici dell’architettura. Alcuni credevano che l’edificio avrebbe oscurato le opere d’arte del museo. “Al contrario”, ha scritto l’architetto, il design rende “l’edificio e il dipinto una sinfonia ininterrotta, bella come mai esistita prima nel mondo dell’arte.”Altri critici, e molti artisti, hanno ritenuto che sia scomodo appendere correttamente i dipinti nelle nicchie espositive poco profonde, senza finestre e concave che circondano la spirale centrale. Prima dell’apertura del museo ventuno artisti hanno firmato una lettera per protestare contro l’esposizione del loro lavoro in tale spazio. Lo storico Lewis Mumford ha riassunto l’opprobium:

Wright ha assegnato ai dipinti e alle sculture visibili solo lo spazio che non avrebbe violato la sua composizione astratta. … ha creato un guscio la cui forma non ha alcuna relazione con la sua funzione e non ha offerto alcuna possibilità di allontanamento futuro dai suoi rigidi preconcetti. ha, per un museo, un soffitto basso-nove piedi otto pollici inclinato verso l’esterno, seguendo l’inclinazione verso l’esterno della parete esterna, e dipinti non dovevano essere appesi verticalmente o mostrato nel loro vero piano, ma dovevano essere inclinato indietro contro di essa. … Né sfuggire alla luce che splende nei suoi occhi dalle strette fessure nel muro.

Il 21 ottobre 1959, dieci anni dopo la morte di Solomon Guggenheim e sei mesi dopo la morte di Frank Lloyd Wright, il Museo aprì per la prima volta le sue porte a grandi folle. L’edificio è stato ampiamente elogiato e ispirato molti altri architetti.

Messer yearsEdit

Thomas M. Messer succedette a Sweeney come direttore del museo (ma non della fondazione) nel 1961 e rimase per 27 anni, il più lungo mandato di uno dei direttori delle principali istituzioni artistiche della città. Quando Messer ha assunto, la capacità del museo di presentare l’arte a tutti era ancora in dubbio a causa delle sfide presentate dalla galleria rampa a spirale continua che è sia inclinato e ha pareti curve non verticali. È difficile appendere correttamente i dipinti nelle nicchie espositive poco profonde e senza finestre che circondano la spirale centrale: le tele devono essere montate sollevate dalla superficie della parete. Dipinti appesi inclinato indietro apparirebbe “come sul cavalletto dell’artista”. C’è spazio limitato all’interno delle nicchie per la scultura.

Quasi subito, nel 1962, Messer rischiò di allestire una grande mostra che combinava i dipinti del Guggenheim con sculture in prestito dalla collezione Hirshhorn. Scultura tridimensionale, in particolare, ha sollevato “il problema di installazione di una mostra in un museo che porta così vicino una somiglianza con la circolare geografia dell’inferno”, in cui ogni oggetto verticale appare inclinata in “drunken asso” perché la pendenza del pavimento e la curvatura delle pareti si possono combinare per produrre fastidioso illusioni ottiche. Si è scoperto che la combinazione potrebbe funzionare bene nello spazio del Guggenheim, ma, Messer ha ricordato che al momento, ” Ero spaventato. Ho pensato che questa sarebbe stata la mia ultima mostra.”Messer ha avuto la lungimiranza di preparare allestendo una mostra di scultura più piccola l’anno precedente, in cui ha scoperto come compensare la strana geometria dello spazio costruendo zoccoli speciali ad una particolare angolazione, quindi i pezzi non erano in una vera verticale ma sembravano essere così. Nella precedente mostra di scultura, questo trucco si è rivelato impossibile per one piece, un mobile di Alexander Calder il cui filo inevitabilmente pendeva su una vera verticale a piombo, “suggerendo allucinazioni” nel contesto disorientante del pavimento inclinato.

L’anno successivo, Messer acquistò una collezione privata dal mercante d’arte Justin K. Thannhauser per la collezione permanente del museo. Queste 73 opere includono capolavori impressionisti, post-impressionisti e moderni francesi, tra cui importanti opere di Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh e 32 opere di Pablo Picasso. “Works and Process” è una serie di performance al Guggenheim iniziata nel 1984. La prima stagione consisteva di Philip Glass con Christopher Keene su Akhnaten e Steve Reich e Michael Tilson Thomas sulla musica del deserto.

Krens and expansionEdit

Thomas Krens, direttore della fondazione dal 1988 al 2008, ha guidato una rapida espansione delle collezioni del museo. Nel 1991, ha ampliato le sue partecipazioni acquisendo la Collezione Panza. Assemblato dal Conte Giuseppe di Biumo e della moglie Giovanna, la Collezione Panza include esempi di sculture minimaliste da Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, minimalista e dipinti di Robert Mangold, Brice Marden e Robert Ryman, nonché di una vasta gamma di postminimal, concettuale e percettivo arte di Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner e gli altri, in particolare esempi Americani negli anni 1960 e 1970. Nel 1992, la Robert Mapplethorpe Foundation di talento 200 delle sue migliori fotografie della fondazione. Le opere spaziavano tutta la sua produzione, dai suoi primi collage, Polaroid, ritratti di celebrità, autoritratti, nudi maschili e femminili, fiori e statue. Ha anche caratterizzato costruzioni a tecnica mista e incluso il suo noto autoritratto del 1998. L’acquisizione ha avviato il programma di mostre fotografiche della fondazione.

Sempre nel 1992, la mostra del New York museum building e altri spazi sono stati ampliati con l’aggiunta di una torre rettangolare adiacente che si erge dietro, e più alta, la spirale originale, e una ristrutturazione dell’edificio originale. La nuova torre è stata progettata dallo studio di architettura Gwathmey Siegel & Associates Architects, che ha analizzato gli schizzi originali di Wright quando hanno progettato la torre di calcare di 10 piani, che ha sostituito una struttura molto più piccola. Ha quattro gallerie espositive aggiuntive con pareti piatte che sono”più appropriate per l’esposizione dell’arte”. Nella costruzione originale dell’edificio, il lucernario della galleria principale era stato coperto, il che comprometteva gli effetti luminosi accuratamente articolati di Wright. Questo è cambiato nel 1992 quando il lucernario è stato ripristinato al suo design originale.

Per finanziare queste mosse, in modo controverso, la fondazione vendette opere di Kandinsky, Chagall e Modigliani per raccogliere $47 milioni, attirando notevoli critiche per i maestri del trading per i ritardatari “alla moda”. Nel New York Times, critico Michael Kimmelman ha scritto che le vendite ” allungato le regole accettate di deaccessioning più di quanto molte istituzioni americane sono stati disposti a fare.”Krens ha difeso l’azione come coerente con i principi del museo, tra cui l’espansione della sua collezione internazionale e la costruzione della sua “collezione del dopoguerra alla forza delle nostre partecipazioni prebelliche” e ha sottolineato che tali vendite sono una pratica regolare da parte dei musei. Allo stesso tempo, si è mosso per espandere la presenza internazionale della fondazione aprendo musei all’estero. Krens è stato anche criticato per il suo stile professionale e percepito il populismo e la commercializzazione. Uno scrittore ha commentato: “Krens è stato lodato e diffamato per aver trasformato quella che una volta era una piccola istituzione di New York in un marchio mondiale, creando la prima istituzione artistica veramente multinazionale. … Krens ha trasformato il Guggenheim in uno dei marchi più noti nel campo dell’arte.”

Sotto Krens, il museo ha montato alcune delle sue mostre più popolari:” Africa: L’arte di un continente “nel 1996;” Cina: 5,000 Years “nel 1998,”Brazil: Body& Soul “nel 2001; e” The Aztec Empire ” nel 2004. Ha mostrato mostre insolite in occasione, ad esempio installazioni artistiche commerciali di motocicli. Hilton Kramer del New Criterion ha condannato “The Art of the Motorcycle” Una retrospettiva del 2009 di Frank Lloyd Wright ha presentato l’architetto nel 50 ° anniversario dell’apertura dell’edificio ed è stata la mostra più popolare del museo da quando ha iniziato a tenere tali record di presenze nel 1992.

Nel 2001, il museo ha aperto il Sackler Center for Arts Education. La struttura di 8.200 piedi quadrati (760 m2) offre lezioni e conferenze sulle arti visive e dello spettacolo e opportunità di interagire con le collezioni del museo e le mostre speciali attraverso i suoi laboratori, spazi espositivi, sale conferenze e il teatro Peter B. Lewis da 266 posti. Si trova al piano inferiore del museo, sotto la grande rotonda ed è stato un dono della famiglia Mortimer D. Sackler. Sempre nel 2001, la fondazione ha ricevuto in dono la grande collezione della Fondazione Bohen, che, per due decenni, ha commissionato nuove opere d’arte con particolare attenzione a film, video, fotografia e nuovi media. Gli artisti inclusi nella collezione sono Pierre Huyghe e Sophie Calle.

Restauri esternimodiFica

Tra settembre 2005 e luglio 2008, il Museo Guggenheim ha subito un importante restauro esterno per riparare crepe e modernizzare sistemi e dettagli esterni. Nella prima fase di questo progetto, un team di architetti di restauro, ingegneri strutturali e conservatori di architettura ha lavorato insieme per creare una valutazione completa delle condizioni dell’edificio che ha determinato la struttura per essere fondamentalmente sana. Questa valutazione iniziale delle condizioni ha incluso:

• la rimozione della vernice dalla superficie originale, rivelando centinaia di crepe causate nel corso degli anni, principalmente dalle fluttuazioni stagionali della temperatura;
• monitoraggio dettagliato del movimento di crepe selezionate in 17 mesi;
• impact-echo tecnologia, in cui le onde sonore vengono inviati in cemento e il rimbalzo è misurato per individuare i vuoti all’interno delle mura;
• laser indagini di superfici esterne ed interne, che si ritiene essere il più grande laser modello mai compilato;
• carotaggi per raccogliere campioni di originale, cemento e altri materiali da costruzione; e
• test di potenziale materiali di riparazione.