Primi anni di vita e opere

Michelangelo Buonarroti nacque in una famiglia che per diverse generazioni apparteneva alla nobiltà minore di Firenze ma che, quando l’artista nacque, perse il suo patrimonio e il suo status. Suo padre aveva solo occasionali lavori di governo, e al momento della nascita di Michelangelo era amministratore della piccola città dipendente di Caprese. Pochi mesi dopo, tuttavia, la famiglia tornò nella sua residenza permanente a Firenze. E ” stato qualcosa di un passo sociale verso il basso per diventare un artista, e Michelangelo è diventato un apprendista relativamente tardi, a 13, forse dopo aver superato le obiezioni del padre. Fu apprendista per un triennio del pittore più importante della città, Domenico Ghirlandaio, ma se ne andò dopo un anno, non avendo (racconta Condivi) più nulla da imparare. A questo stadio sopravvivono diversi disegni, copie di figure di Ghirlandaio e grandi pittori di Firenze, Giotto e Masaccio; tale copia era standard per gli apprendisti, ma pochi esempi sono noti per sopravvivere. Ovviamente di talento, fu preso sotto l’ala del sovrano della città, Lorenzo de’ Medici, detto il Magnifico. Lorenzo si circondò di poeti e intellettuali, e Michelangelo fu incluso. Più importante, aveva accesso alla collezione d’arte medicea, che era dominata da frammenti dell’antica statuaria romana. (Lorenzo non era un mecenate dell’arte contemporanea come la leggenda lo ha fatto; tale arte moderna come possedeva era per adornare la sua casa o per fare dichiarazioni politiche.) Lo scultore bronzeo Bertoldo di Giovanni, amico dei Medici che si occupava della collezione, era il più vicino a un insegnante di scultura, ma Michelangelo non seguì il suo mezzo o in alcun modo il suo approccio. Ancora, una delle due opere in marmo che sopravvivono dai primi anni dell’artista è una variazione sulla composizione di un antico sarcofago romano, e Bertoldo aveva prodotto uno simile in bronzo. Questa composizione è la Battaglia dei Centauri (c. 1492). L’azione e la potenza delle figure preannunciano gli interessi successivi dell’artista molto più della Madonna delle Scale (c.1491), un delicato bassorilievo che riflette le mode recenti di scultori fiorentini come Desiderio da Settignano.

Firenze era in questo momento considerata come il centro principale dell’arte, producendo i migliori pittori e scultori in Europa, e la competizione tra artisti era stimolante. La città, tuttavia, era meno in grado di offrire grandi commissioni, e importanti artisti fiorentini, come Leonardo da Vinci e il maestro di Leonardo, Andrea del Verrocchio, si erano allontanati per avere migliori opportunità in altre città. I Medici furono rovesciati nel 1494, e anche prima della fine del tumulto politico Michelangelo aveva lasciato.

A Bologna fu assunto per succedere a uno scultore recentemente scomparso e scolpire le ultime piccole figure necessarie per completare un grande progetto, la tomba e il santuario di San Domenico (1494-95). Le tre figure marmoree sono originali ed espressive. Allontanandosi dall’agilità fantasiosa del suo predecessore, impose serietà alle sue immagini con una compattezza di forma che doveva molto all’antichità classica e alla tradizione fiorentina da Giotto in poi. Questa enfasi sulla serietà si riflette anche nella sua scelta del marmo come mezzo, mentre la semplificazione delle masse è in contrasto con la tendenza allora più usuale a lasciare che le rappresentazioni corrispondano il più possibile alla trama e al dettaglio dei corpi umani. Certo, anche se queste sono qualità costanti nell’arte di Michelangelo, spesso vengono temporaneamente abbandonate o modificate a causa di altri fattori, come le funzioni specifiche delle opere o le creazioni stimolanti di altri artisti. È il caso della prima grande statua superstite di Michelangelo, il Bacco, realizzata a Roma (1496-97) dopo un breve ritorno a Firenze. (Un crocifisso ligneo, recentemente scoperto, attribuito da alcuni studiosi a Michelangelo e ora conservato nella Casa Buonarroti di Firenze, è stato anche proposto come antecedente del Bacco nel disegno da coloro che lo accreditano come opera dell’artista.) Il Bacco si basa su figure nude romane antiche come punto di partenza, ma è molto più mobile e più complesso nel contorno. L’instabilità consapevole evoca il dio del vino e dionisiaco si diverte con straordinario virtuosismo. Realizzato per un giardino, è anche unico tra le opere di Michelangelo nel chiamare per l’osservazione da tutti i lati piuttosto che principalmente dalla parte anteriore.

Il Bacco portò subito alla commissione (1498) per la Pietà, ora nella Basilica di San Pietro. Il nome non si riferisce (come spesso si presume) a questa specifica opera ma a un comune tipo tradizionale di immagine devozionale, quest’opera è oggi l’esempio più famoso. Estratto da scene narrative del lamento dopo la morte di Cristo, il gruppo concentrato di due è progettato per evocare le preghiere pentite dell’osservatore per i peccati che richiedevano la morte sacrificale di Cristo. Il patrono era un cardinale francese, e il tipo era prima più comune nel nord Europa che in Italia. Il problema complesso per il progettista era quello di estrarre due figure da un blocco di marmo, un’impresa insolita in tutti i periodi. Michelangelo trattò il gruppo come una massa densa e compatta come prima in modo da avere un impatto imponente, ma sottolineò i molti contrasti presenti—di maschio e femmina, verticale e orizzontale, vestito e nudo, morto e vivo—per chiarire le due componenti.

La preminenza dell’artista, stabilita da quest’opera, fu subito rafforzata dalla commissione (1501) del David per il duomo di Firenze. Per questa enorme statua, una commissione eccezionalmente grande in quella città, Michelangelo riutilizzò un blocco lasciato incompiuto circa 40 anni prima. La modellazione è particolarmente vicina alle formule dell’antichità classica, con una geometria semplificata adatta alla scala enorme ma con una lieve affermazione della vita organica nella sua asimmetria. Ha continuato a servire come la prima affermazione dell’ideale rinascimentale dell’umanità perfetta. Sebbene la scultura fosse originariamente destinata al contrafforte della cattedrale, la magnificenza dell’opera finita convinse i contemporanei di Michelangelo a installarla in un posto più prominente, per essere determinata da una commissione formata da artisti e cittadini di spicco. Decisero che il David sarebbe stato installato davanti all’ingresso del Palazzo dei Priori (ora chiamato Palazzo Vecchio) come simbolo della Repubblica Fiorentina. Fu in seguito sostituito da una copia, e l’originale fu spostato nella Galleria dell’Accademia.

Sul lato Michelangelo realizzò negli stessi anni (1501-04) diverse Madonne per abitazioni private, fulcro del lavoro degli artisti dell’epoca. Questi includono una piccola statua, due rilievi circolari che sono simili ai dipinti nel suggerire vari livelli di profondità spaziale, e l’unico dipinto da cavalletto dell’artista. Mentre la statua (Madonna col Bambino) è a blocchi e immobile, il dipinto (Sacra Famiglia) e uno dei rilievi (Madonna col Bambino con il Bambino San Giovanni) sono pieni di movimento; mostrano braccia e gambe di figure che si intrecciano in azioni che implicano movimento nel tempo. Le forme portano riferimenti simbolici alla futura morte di Cristo, comune nelle immagini del Bambino Cristo al momento; tradiscono anche il fascino dell’artista con l’opera di Leonardo. Michelangelo regolarmente negato che qualcuno lo ha influenzato, e le sue dichiarazioni sono state generalmente accettate senza demoralizzazione. Ma il ritorno di Leonardo a Firenze nel 1500 dopo quasi 20 anni fu emozionante per gli artisti più giovani lì, e gli studiosi più tardi concordarono generalmente sul fatto che Michelangelo fosse tra quelli colpiti. Le opere di Leonardo furono probabilmente l’influenza esterna più potente e duratura per modificare l’opera di Michelangelo, e fu in grado di fondere la capacità di Leonardo di mostrare processi momentanei con la sua per suggerire peso e forza, senza perdere nessuna di queste ultime qualità. Le immagini risultanti, di corpi massicci in azione vigorosa, sono quelle creazioni speciali che costituiscono la maggior parte delle sue opere più ammirate.

La Sacra Famiglia, probabilmente commissionata per la nascita del primogenito di Agnolo e Maddalena Doni, fu un dipinto particolarmente innovativo che avrebbe poi influenzato lo sviluppo del primo manierismo fiorentino. La sua composizione a spirale e la combinazione di colori freddi e brillanti sottolineano l’intensità scultorea delle figure e creano un effetto dinamico ed espressivo. L’interpretazione iconografica ha causato innumerevoli dibattiti accademici, che fino ad oggi non sono stati del tutto risolti.