Come una delle più importanti accademie di arti dello spettacolo del mondo, Juilliard ha trascorso oltre un secolo a identificare e coltivare i migliori talenti nella musica, e in seguito anche nella danza e nel teatro. Giuseppe W. Polisi è diventato il sesto e attuale presidente della Juilliard, a partire dall’anno accademico 1984-85, ed è stato visto come una figura trasformativa nell’educazione artistica, concentrandosi su aggiunte significative al curriculum, in particolare nell’area di sensibilizzazione della comunità. Ci siamo incontrati con Joseph Polisi nell’imponente sede della Juilliard nel cuore del Lincoln Center for the Performing Arts di New York. Durante il tour della scuola in un soleggiato pomeriggio d’autunno, osservando gli studi di teatro e danza, siamo stati felici di incontrare il direttore musicale della New York Philharmonic, il Maestro Alan Gilbert, che insegnava a un giovane direttore d’orchestra e provava con i talentuosi studenti dell’orchestra della Juilliard.

Il focus: Per molti, Juilliard è sinonimo di quel tipo di eccellenza competitiva e rigorosa dedizione che viene fornito con la formazione di alto talento artistico. In che modo la Juilliard identifica quel talento nell’infanzia del suo potenziale, per così dire?

Giuseppe W. Polisi: Per cominciare, abbiamo ancora un processo di audizione molto tradizionale che è vecchio come la storia della musica. Ma più in generale, per i docenti o musicisti che conoscono la loro disciplina, in realtà è abbastanza facile identificare talento straordinario molto rapidamente.

Quali sono gli indicatori che stai cercando per aiutare a valutare il potenziale e prevedere il successo futuro?

Prima di tutto c’è una differenza significativa nel modo in cui si valutano i musicisti rispetto agli attori o ai ballerini, e all’interno della musica stessa c’è anche una differenza. Ad esempio, un violinista, pianista o violoncellista di 17 anni sarà abbastanza avanzato, e alla Juilliard ci aspetteremo di trovare una tecnica e un’arte significative quando proveranno a questa età in quegli strumenti. Con la voce, perché questo è uno strumento di maturazione successiva regoliamo le nostre aspettative di conseguenza.

E con i tuoi candidati di danza e teatro?

Nella danza, ci si aspetta una buona dose di artigianato e tecnica ed è un po ‘ simile a come direi che si guarda alla musica. Tuttavia, nel dramma guardiamo principalmente al potenziale, all’immaginazione e alla creatività. Questa è la nostra area più selettiva, dove abbiamo 1.500 candidati per 18 posti, quindi accettiamo meno dell’uno per cento. In alcune aree, i candidati avranno una buona dose di esperienza e vedremo subito una sorta di talento, un certo livello di tecnica. In altre discipline, vediamo principalmente immaginazione, creatività, abilità di improvvisazione e un senso di assunzione di rischi-tutte le cose che sono necessarie in quei campi.

Queste abilità sono sicuramente importanti anche per valutare il talento musicale Sure

Certo. Puoi sentire una persona suonare le variazioni di Tchaikovsky su un tema rococò per violoncello, e possono avere tutte le note giuste. Ma un’altra persona avrà non solo tutte le note giuste, ma tutta l’immaginazione e la creatività e la modellatura che questo pezzo richiede pure.

Come si fa a cercare questo talento, dato che deve essere di natura globale e in alcuni casi difficile da trovare?

La nostra facoltà investe infatti una notevole quantità di tempo viaggiando per il mondo, ascoltando giovani talenti in workshop, master class e concorsi. Se troviamo dei talenti, suggeriamo che vengano alla Juilliard e facciano un provino se vogliono iscriversi. E, naturalmente, cerchiamo talenti locali anche qui, nelle scuole pubbliche, nei quartieri svantaggiati e nelle aree rurali.

Cosa non viene rivelato in un’audizione? Ci sono cose che cerchi in termini di carattere di una persona?

La loro curiosità intellettuale. Teniamo interviste; guardiamo trascrizioni, raccomandazioni, saggi, e così via. Ma esaminiamo anche chi è quella persona.

Come si fa?

La ricerca diventa più ampia e più profonda man mano che i programmi diventano più avanzati. Ad esempio, per il nostro programma di dottorato, che è anche altamente selettivo, abbiamo una vasta serie di esami e interviste. Per uno studente universitario parleremo con loro a lungo per avere un’idea di ciò a cui sono interessati. Lo studente ideale della Juilliard è qualcuno che non è solo un artista molto interessante, ma ha anche una grande curiosità intellettuale, ha un senso del proprio mondo e il desiderio di essere un leader – per fare la differenza attraverso la loro arte. Ma per passare attraverso la porta, devi ancora passare l’audizione.

Che dire degli artisti temperamentali – quelli la cui tecnica ed espressività sono semplicemente perfetti ma che non hanno gli attributi che stai cercando?

Cerchiamo di lavorare con il giovane, di sviluppare il proprio senso di se stessi, la propria intelligenza sociale. Ma ad essere onesti, la Juilliard non ha un’enorme pazienza in questo senso. Non ci sono studenti alla Juilliard che sono addestrati per essere solo solisti, anche se alla fine possono diventare solisti. Ad esempio, ogni studente suona in un’orchestra; non ci sono eccezioni. Ed è lo stesso con la musica da camera. Personalmente non sono affatto molto paziente con il cosiddetto temperamento artistico. La stragrande maggioranza degli artisti di successo che ho incontrato non è affatto difficile da affrontare, a patto che tu capisca quali sono le loro esigenze e priorità.

Quanto successo ha la Juilliard nella scelta di giovani talenti, ad esempio a livello universitario?

Il tasso di laurea è molto alto; c’è molto poco attrito. Penso che uno degli aspetti più rigorosi dell’esperienza della Juilliard sia il processo di ammissione. Siamo assolutamente vigili su questo punto e non ci sono compromessi. Una volta che gli studenti ottengono l’ammissione, lavoriamo davvero con loro sulla loro crescita come artisti e come giovani adulti.

Quindi se entrano, sai che faranno il corso?

Non sappiamo al cento per cento del tempo, e ci sono casi di individui che non possono gestire la pressione. Detto questo, di tutta la pressione che sono sotto mentre sono alla Juilliard, di gran lunga la maggior parte viene da dentro. Lo sappiamo per certo. Sono loro che stanno spingendo se stessi.

C’è una sola ragione più importante per i casi in cui la tua previsione del potenziale futuro non si realizza?

Potrebbero esserci tutta una serie di problemi. Il più semplice è che hanno fatto un provino spettacolare e non lo faranno mai più nelle loro vite. Succede una volta ogni tanto. Poi ci sono problemi psicologici, o problemi fisici in termini di resistenza, e anche questioni culturali sulla gestione del tempo. Ricorda, il 33 per cento dei nostri studenti sono studenti internazionali, quindi vengono qui con enormi differenze culturali e linguistiche, e la semplice nostalgia di casa può essere un problema. Non credo che nessuna scuola di qualsiasi statura può prevedere il successo 100 per cento del tempo. Non e ‘ possibile.

Tralasciando per un attimo le competenze tecniche, in che modo la Juilliard aiuta i giovani talenti a realizzare il loro potenziale in termini di sviluppo mentale e personale?

Lavoriamo con tutte le facoltà – facoltà di studio, facoltà di classe – per aiutarli a capire le esigenze di questi giovani artisti. Ad esempio, ci possono essere indizi su problemi sottostanti che emergono sotto stress da parte dello studente. In passato, un membro della facoltà avrebbe potuto dire: Bene, non sono affari miei. Ora teniamo workshop annuali in cui vengono addestrati per identificare questi problemi. O diciamo che uno studente ha una grande curiosità intellettuale che ha bisogno di ulteriori stimoli. Abbiamo un programma con la Columbia University in cui gli studenti possono seguire corsi che non potremmo mai offrire alla Juilliard-nelle scienze, in matematica, in lingue straniere come Swahili, arabo o cinese. Abbiamo anche un programma di distinzione accademica per gli studenti universitari in cui possono allungarsi intellettualmente facendo un lavoro aggiuntivo, come la ricerca intensiva con conseguente documenti seri.

È possibile, o desiderabile, per i tuoi studenti ottenere una laurea completa in arti liberali oltre a una laurea in arti dello spettacolo?

Forniamo un alto livello di formazione di arti liberali per uno studente universitario. Venticinque per cento dei corsi di studio sono in arti liberali, che si basano alla Juilliard sui grandi libri e un metodo socratico di insegnamento. Tuttavia, non puoi davvero aspettarti di avere il pieno impatto di un’esperienza di conservatorio e il pieno impatto di un’esperienza di arti liberali allo stesso tempo. Vorrei che si potesse. Ci ho pensato molto e l’ho spinto il più lontano possibile in quella direzione. Ma alla fine della giornata, in termini di pura gestione del tempo, quando hai un pianista che ha bisogno di praticare da sei a otto ore al giorno, non sarai in grado di chiedere a quella stessa persona di passare anche da sei a otto ore a fare ricerche in biblioteca.

Per affrontare questo da una diversa angolazione, come incoraggi gli studenti ad allargare la loro visione oltre la musica?

Questo è davvero un problema importante. Quello che cerchiamo di fare è stimolare l’immaginazione di questi giovani e scoprire quali direzioni vogliono prendere, intellettualmente così come artisticamente. E poi miriamo a nutrirli e guidarli in modo che facciano progressi in quella direzione. I nostri insegnanti in particolare sono molto vigili quando si tratta di identificare questi interessi.

Un vivace centro di eccellenza creativa: che si tratti di teatro, musica o danza, alla Juilliard School la prossima generazione di personalità artistiche a tutto tondo viene curata fino alla maturità. L’eccezionale stato di questo istituto di New York è testimoniato non solo da tale rilievo, tutor, il Direttore Musicale della New York Philharmonic, Alan Gilbert, visto qui coaching un giovane direttore d’orchestra, ma anche i gioielli conservati in Juilliard Collezione di Manoscritti, tra cui manoscritti autografi di Mozart, Chopin, Copland e il primo movimento della Nona di Mahler (nella foto).

Hai un sistema di mentoring in atto?

Sì. Abbiamo un sistema di mentoring in cui gli studenti lavorano volontariamente con un mentore di facoltà, e un’alta percentuale di studenti universitari accetta questa opzione. Generalmente suggeriamo che se sei un trombonista, ad esempio, il tuo mentore sarebbe un ballerino, in modo da espandere i tuoi orizzonti. Questo ha funzionato abbastanza bene, soprattutto quando si tratta di stimolare l’immaginazione. Inoltre, relativamente di recente abbiamo sviluppato quattro correnti trasversali nel nostro curriculum che influenzano ogni singolo studente in un modo o nell’altro. Questi argomenti coprono scrittura e capacità di parlare; alfabetizzazione dell’informazione e comprensione di come utilizzare Internet in modo intelligente; tecnologia in termini di come questo si riferisce allo sviluppo di nuovi lavori nel teatro, nella danza e nella musica; e infine imprenditorialità: come pensi fuori dagli schemi? Questo è estremamente importante, perché i giovani artisti diventano così consumati con il loro lavoro – con l’essere efficaci come artisti – che possono sviluppare una visione a tunnel.

Come scegli i tuoi insegnanti?

Come in qualsiasi istituzione educativa, la facoltà è il cuore di questo posto. Prima di tutto, ovviamente guardiamo all’esperienza professionale. Ma anche se sono artisti molto famosi – e sicuramente ne abbiamo alcuni-voglio assicurarmi che siano anche insegnanti dedicati. Una volta fatto tutto ciò, li guardo come persone: a cosa sono interessati e come faranno a far parte della comunità qui? Cosa vogliono che i loro studenti raggiungano? Se un insegnante mi dicesse: “Voglio che i miei studenti pratichino otto ore al giorno, non voglio che siano mai coinvolti in attività esterne”, ci penserei due volte se questo è l’insegnante giusto per la Juilliard.

Hai spesso detto che è in corso una rivoluzione silenziosa nell’istruzione nelle arti dello spettacolo – almeno per quanto riguarda la Juilliard – e che promuovere questo è stato il tuo obiettivo.

Quando sono venuto alla Juilliard nel 1984 – questo è il mio 30 ° anno come presidente – Ho molto voluto cambiare alcuni elementi chiave nella cultura del luogo. Ma sapevo che farlo precipitosamente sarebbe stato un errore. Inoltre, non volevo mettere in discussione la missione di base della scuola, che è quella di educare e formare la prossima generazione di ballerini, musicisti e attori. Così ho deciso che dovrebbe essere una sorta di rivoluzione, ma dovrebbe essere tranquilla e graduale, e penso che sia in realtà ciò che è avvenuto nel corso degli anni.

Quali sono i principi fondamentali di questa rivoluzione?

Chiedo ai nostri giovani artisti di allargare i loro orizzonti, di considerare quale sia la loro responsabilità fuori dal palco, e di vedere come le arti possano essere alimentate, soprattutto in un momento in cui il sostegno pubblico è diventato così debole. Dovrebbero contribuire ad ancorare le arti nel nostro sistema educativo più saldamente di quanto non sia il caso in questo momento. E dovrebbero aiutare il pubblico a capire perché le arti sono una parte importante del tessuto della nostra società.

“Ci aspettiamo il massimo livello di performance artistica, ma poi ci aspettiamo di più.”

Quindi, tra le altre cose, i tuoi studenti sono addestrati per essere ambasciatori culturali per le arti?

Questo tema dell’artista come cittadino è diventato una parte molto importante della scuola. Ci aspettiamo il massimo livello di performance artistica, ma poi ci aspettiamo di più. Ci aspettiamo che, come sostenitori efficaci delle arti, i nostri studenti capiscano come funziona il nostro mondo e usino questa comprensione per aiutare le arti a diventare una parte più importante della società.

Qual è il ruolo e la responsabilità dell’artista come cittadino? E perché è così importante?

Il settore pubblico ha fallito le arti classiche. Il National Endowment for the Arts non è stato un attore significativo in termini di esborso di entrate per molto tempo, forse fin dall’amministrazione Nixon. Mi sembra che il finanziamento delle arti non faccia parte del dialogo politico in alcun modo significativo. Le arti sono state messe da parte, senza che nessun politico vedesse alcun valore nel farle avanzare di fronte a tale resistenza. Alla fine della giornata, con il nostro sistema educativo che lascia cadere l’enfasi sulle arti, penso che stiamo raccogliendo ciò che abbiamo seminato.

Come si traduce una mancanza di sostegno per le arti in una cultura nazionale?

Ha un effetto tragico sul nostro sistema educativo, che crea ripercussioni durature. Se non sai cosa sono le arti, e non le vivi a un certo livello di serietà, finisci con la mediocrità. Come ho detto spesso, la mediocrità è come il monossido di carbonio. Non puoi sentirlo, non puoi vederlo-ti uccide un giorno. Questo è ciò contro cui dobbiamo combattere, e non credo che l’America stia facendo un ottimo lavoro. Stiamo assistendo a nuove generazioni di leader che non hanno alcun rapporto con il potere delle arti e la loro importanza all’interno del nostro sistema educativo e nella nostra società.
Le arti sono spesso percepite come elitarie ed esclusioniste, ma non lo sono. Sono per tutti. Ecco perché avere un senso di responsabilità come arte – ist, essere un sostenitore delle arti-è a mio parere una parte essenziale della formazione di un artista. E questo è qualcosa su cui ci concentriamo alla Juilliard.

Che tipo di sensibilizzazione promuove la Juilliard tra i suoi studenti?

Outreach per Juilliard può essere un’esperienza molto potente e sfaccettata. Chiediamo ai nostri studenti di lasciare le loro zone di comfort. Invece di andare in luoghi tradizionali, li incoraggiamo ad andare nelle scuole pubbliche di New York, negli ospedali, negli ospizi e nelle case di cura, e ad esibirsi lì in modo efficace. Per efficace, intendo che il programma è progettato in termini di durata, contenuto, spiegazione verbale e coinvolgimento, in modo tale che il pubblico trarrà beneficio dall’esperienza. Questo ha anche un impatto importante sul performer. Per qualsiasi artista, ma per i giovani artisti in particolare, vedere la potenza della loro arte su un pubblico non tradizionale in luoghi non tradizionali rivela loro quanto possano essere potenti le arti come messaggere di valori umani. L’esperienza può davvero cambiare questi giovani artisti, perché quando tornano nei luoghi tradizionali, pensano in un modo diverso.
Abbiamo anche studenti che viaggiano in tutto il mondo – in luoghi come la Tanzania o il Messico o il Brasile. E quando tornano, hanno un livello di energia più alto in termini di ciò che vogliono fare come artisti. Sono molto più motivati; sono molto più concentrati; hanno sperimentato come la loro arte tocca le persone in modi che non si aspettavano. Capiscono davvero che possono essere potenti sostenitori di alcuni dei migliori valori dell’esperienza umana. Credo che questo faccia parte della Juilliard.

Allora, come vedi la relazione tra il tradizionale focus sulla tecnica e questo processo di raggiungere e comunicare attraverso le performance?

Quando si inizia a educare i giovani artisti – nella danza, nel teatro e nella musica – l’attenzione iniziale è sempre stata rivolta alla tecnica. Ma la tecnica è solo il ponte verso l’arte. Al suo centro, l’arte riguarda la comunicazione. Quindi se hai tutte le note giuste o i passi giusti o le parole giuste, quella non è arte. E ‘ tecnica. E mentre hai bisogno di tecnica per realizzare l’arte, senza l’espressività e il sentimento per il bisogno di comunicare, non avrai successo come artista.

Le note, i passi, le parole sono tutti lì, ma l’anima della performance è in qualche modo carente.

Esattamente. Quando i giovani vengono introdotti per la prima volta al Concerto per violino di Brahms o al Secondo Concerto per pianoforte di Rachmaninov, trovano loro montagne monumentali da scalare, solo in termini di realizzazione tecnica, che a volte, e direi più del 50% delle volte, il giovane esecutore dirà: Accidenti, ce l’ho fatta! Sono stato in grado di suonare tutte le note! E, naturalmente, devono rendersi conto che questa è solo una parte di esso. L’altra parte è interpretare quelle note e rendere l’esperienza così molto potente.

“Spero che siamo percepiti come una fonte di creatività e immaginazione – e di nuovo lavoro per le nuove generazioni.”

Per riassumere, cosa diresti esattamente che Juilliard – o forse anche il marchio Juilliard – rappresenta?

Spero che la Juilliard sia percepita come un’istituzione dedicata all’eccellenza e al futuro, e come un luogo che non solo mantiene gli standard nella professione del dramma, della danza e della musica, ma li valorizza anche. Spero che siamo percepiti come una fonte di creatività e immaginazione – e di nuovo lavoro per le nuove generazioni.
Penso che, in America, la tradizione non sia sempre rispettata come dovrebbe essere. In sostanza, un posto come Juilliard esiste per mantenere e migliorare le tradizioni che abbiamo ereditato e che molte persone in questo edificio credono profondamente e sentono di essere davvero importanti per l’esperienza umana. Chiediamo ai nostri studenti di essere leader, di essere comunicatori, di essere insegnanti e di fare la differenza – di non sedersi e aspettarsi che il mondo venga da loro.

L’intervista con Joseph W. Polisi a New York è stata condotta da Ulrike Krause, THE FOCUS, e Alan D. Hilliker, Egon Zehnder, New York.

a Proposito di Joseph W. Polisi

Giuseppe Polisi è stato nominato Presidente della Juilliard School di new york nel 1984, quando era nella sua metà degli anni ‘ 30. Prima di questo, era un decano dell’Università di Cincinnati College-Conservatory of Music e la Manhattan School of Music, nonché delegato della Yale University di Musica. Il background educativo di Polisi include la musica-ha conseguito un dottorato in arti musicali a Yale con un master in relazioni internazionali presso la Fletcher School of Law and Diplomacy della Tufts University. Ha scritto due libri: The Artist as Citizen sostenendo che gli artisti dello spettacolo agiscono come ambasciatori culturali nel mondo, mentre American Muse: The Life and Times of William Schuman è una biografia del compositore americano ed ex presidente della Juilliard. Come suo padre, che si è esibito con la New York Philharmonic, Polisi è un affermato bassista.

Informazioni sulla Juilliard School

Fondata nel 1905 dal figlioccio di Franz Liszt Frank Damrosch, La Juilliard School è una leggenda nel mondo dell’educazione musicale. La scuola offre corsi di laurea, dal bachelor al dottorato, ed è cresciuta fino a includere altre discipline artistiche tra cui danza e teatro. Nel 1969, la scuola divenne parte del Lincoln Center, considerato da molti come il principale luogo di musica classica americana. L’ammissione alla Juilliard è altamente competitiva, con un tasso di accettazione complessivo tra il cinque e l’otto percento.