renessanssin ajan taide Euroopassa (1400-1600) sisältää joitakin maailman tunnistettavimpia ja rakastetuimpia maalauksia ja veistoksia. Mestarit olivat usein taitavia sekä maalaustaiteessa että kuvanveistossa, ja tutkimalla antiikin taidetta ja lisäämällä teoreettista tietämystään matemaattisesta perspektiivistä ja uusista maalaustekniikoista he tuottivat todella ainutlaatuisia taideteoksia. Realismista, yksityiskohdista, draamasta ja hienovaraisista merkityskerroksista tuli uskonnollisen ja maallisen taiteen piirteitä. Nyt taiteilijat lopulta irtautuivat vanhasta käsityöläisstatuksestaan ja saavuttivat uuden aseman niiden yhteiskuntien kulttuurin ja arvostuksen tärkeinä edistäjinä, joissa he elivät.

renessanssitaiteen tunnusmerkkejä ovat:

• kiinnostus kuvata klassisen taiteen olennaisia elementtejä, erityisesti ihmisruumiin muotoa ja mittasuhteita.
• kiinnostus nykytaiteen historiaan ja jatkuvan kehityspolun takominen.
• pakanallisen ja uskonnollisen ikonografian sekoittumista, mutta ihmisyyden keskiössä.
• taipumus monumentaalisuuteen ja dramaattisiin asentoihin.
• kiinnostus luoda katsojalta tunnereaktio.
• tarkan matemaattisen perspektiivin kehittäminen.
• kiinnostus hyperrealistisiin ja yksityiskohtaisiin muotokuviin, kohtauksiin ja maisemiin.
• kiinnostus kirkkaiden värien käyttöön, varjoon ja valon vaikutusten kuvaamiseen.
• öljyvärien ja hienovedosten käytön kehitys.
• hienovaraisten muotojen ja arkisten esineiden käyttö lisämerkityksen antamiseksi.
• taiteilijoiden arvostuksen kasvu ylivertaisina käsityöläisinä, jotka yhdistivät älylliset opinnot käytännön taitoihin.

keskiaikaista alkuperää

ennen ajateltiin, että Renessanssitaide syntyi tyhjästä ihmeellisenä ideoiden ja lahjakkuuden uudelleensyntymänä, mutta nykyhistorioitsijoiden tutkimukset ovat paljastaneet, että monia renessanssitaiteen elementtejä kokeiltiin 1300-luvulla. Taiteilijat kuten Giotto (k. 1337) halusivat tehdä maalauksistaan realistisempia, joten he käyttivät ennakointia antaakseen kohtaukselle syvyyden tunteen. Giotton esinäytös, valo ja varjot, tunteet ja dynaaminen kohtausten valinta voidaan parhaiten nähdä hänen uskonnollisissa freskoissaan Scrovegnin kappelissa Padovassa (n. 1315). Nämä tekniikat ja taiteilijan menestys hahmojen herättämisessä henkiin vaikuttaisivat suuresti myöhempiin taiteilijoihin. Tästä syystä Giottoa kutsutaan usein ”ensimmäiseksi Renessanssimaalariksi”, vaikka hän elikin ennen varsinaista Renessanssiaikaa.

Giotton Juudaksen suudelma

Giotto (Public Domain)

varakkaat suojeluskuntalaiset olivat renessanssitaiteen kantava voima aikana, jolloin valtaosa taiteellisista teoksista tehtiin tilaustyönä. Kirkot olivat tämän järjestelmän tavallisia hyötyjiä renessanssin alkuosassa. Alttaritaulujen ja freskojen maalatut paneelit olivat yleisin taiteellisen koristelun muoto, ja niissä näkyi usein Sacra conversazione, eli Neitsyt ja lapsi pyhimysten ja hyväntoivottajien ympäröimänä. Useita metrejä korkeat monumentaaliset alttaritaulut oli usein kehystetty taidokkaasti jäljittelemään arkkitehtuurin nykyistä kehitystä. Kaikista tunnetuin alttaritaulu on Jan van Eyckin (n. 1390-1441) vuonna 1432 valmistunut Gentin alttaritaulu. Varhaisrenessanssin aiheet ovat siis hyvin samanlaisia kuin keskiajalla Suositut.

Yksityiset suojelijat, kuten Paavit, Pyhän saksalais-roomalaisen keisarikunnan keisarit, kuninkaat ja herttuat, näkivät kaikki kaupunkiensa ja palatsiensa kaunistamisen hyödyn, mutta he olivat myös hyvin kiinnostuneita saamaan hurskauden maineen ja taiteiden ja historian tuntemuksen. Kun mesenaatti löysi itselleen mieluisan taiteilijan, he usein palkkasivat heidät pitkäaikaisiksi hovitaiteilijoikseen ja asettivat heille kaikenlaisia tehtäviä muotokuvista asuinsuunnitteluun. Asiakkaat maksoivat, joten he esittivät usein erityisiä pyyntöjä jonkin taideteoksen yksityiskohdista. Lisäksi, vaikka taiteilija saattoi käyttää taitojaan ja mielikuvitustaan, heidän oli pysyttävä sovinnaisuuden rajoissa, sillä heidän työnsä hahmot oli tunnustettava sellaisiksi kuin he olivat. Esimerkiksi pyhimyksen elämästä ei kannattanut tehdä freskoa, jos kukaan ei tunnistanut, kuka pyhimys oli. Tästä syystä taiteen kehitys oli suhteellisen hidasta, mutta kun jotkut taiteilijat saavuttivat suurta mainetta, niin he saattoivat kehittää uusia ideoita taiteessa ja tehdä siitä erilaisen kuin ennen.

klassisen herätyksen

renessanssiajan tunnusmerkki oli kiinnostus antiikin Kreikkaan ja Roomaan. Osana sitä, mitä nyt kutsumme Renessanssihumanismiksi, kuultiin klassista kirjallisuutta, arkkitehtuuria ja taidetta, jotka voisivat muuttua nykymaailmaa varten. Lorenzo de Medici (1449-1492), suuren firenzeläisen suvun päämies, oli merkittävä mesenaatti, ja hänen vanhojen taideteosten kokoelmansa oli monien taiteilijoiden opiskelupaikka. Vakiintuneiden mestareiden työpajoissa koulutetut nuoret taiteilijat pääsivät myös tutustumaan siellä muinaiseen taiteeseen tai ainakin reproduktiopiirustuksiin.

taiteilijat jäljittelivät suoraan klassisia taideteoksia tai niiden osia omissa teoksissaan. Esimerkiksi vuonna 1496 Michelangelo (1475-1564) veisteli nukkuvan Amorin (joka on nyt kadonnut), jota hän tarkoituksella vanhensi saadakseen sen näyttämään aidolta muinaiselta teokselta. Toinen antiikin ajan virkistys, tällä kertaa täysin kuvitteellinen, on Rafaelin (1483-1520) Ateenan koulun fresko. Valmistui vuonna 1511 ja sijaitsee Vatikaanissa, tämä fresko näyttää kaikki suuret ajattelijat antiikin maailmasta. Erityisen suosittuja olivat tavalliset kuvat klassisesta mytologiasta. Ne on uudelleensuunniteltu, ja joissakin tapauksissa ne ovat jopa ohittaneet ikivanhan taiteen mielessämme, kun ajattelemme tiettyjä aiheita. Sandro Botticellin (1445-1510) Venuksen syntymä (n. 1484, Uffizi Gallery, Firenze) on hyvä esimerkki. Antiikin arkkitehtuurin ja raunioiden kuvaaminen oli monien renessanssitaiteilijoiden erityinen suosikki antamaan taustatunnelmaa sekä mytologisille että uskonnollisille teoksilleen.

taiteilijoiden aseman paraneminen

toinen uusi käänne oli kiinnostus rekonstruoida taidehistoriaa ja luetteloida, ketkä tarkalleen olivat suuria taiteilijoita ja miksi. Kuuluisin tutkija, joka kokosi tällaisen historian, oli Giorgio Vasari (1511-1574) teoksessaan The Lives of the Most Excellent Italians Architects, Painters, and Sculptors (1550 Jaa, tarkistettu 1568 Jaa). Historia on monumentaalinen kertomus Renessanssitaiteilijoista, heidän teoksistaan ja niihin liittyvistä anekdoottisista tarinoista, ja siksi Vasaria pidetään yhtenä taidehistorian uranuurtajista. Taiteilijat hyötyivät myös siitä, että heidän elämästään ja teoksistaan kirjoitettiin erityisiä elämäkertoja jo heidän eläessään, kuten Ascanio Condivin (1525-1574) kirjoittama Michelangelon elämä vuodelta 1553. Taiteilijat kirjoittivat myös tekniikoita koskevia tekstejä muiden hyödyksi, varhaisimpia ovat Lorenzo Ghibertin (1378-1455) noin vuonna 1450 kirjoittamat kommentaarit. Koska kommentaarit sisältävät yksityiskohtia Ghibertin omasta elämästä ja teoksista, se on myös ensimmäinen eurooppalaisen taiteilijan omaelämäkerta.

tämä kiinnostus renessanssitaiteilijoita, heidän yksityiselämäänsä ja siihen, miten he tulivat luomaan mestariteoksia, kuvastaa sitä korkeaa asemaa, josta he nyt nauttivat. Taiteilijat nähtiin yhä käsityöläisinä kuten suutareina ja kirvesmiehinä, ja heidät pakotettiin liittymään ammattikiltaan. Tämä alkoi muuttua renessanssin aikana. Taiteilijat olivat selvästi erilaisia kuin muut käsityöläiset, koska he saattoivat hankkia laajaa mainetta teoksillaan ja luoda kansalaisylpeyden tunteen kansalaisistaan. Kuitenkin juuri Leonardo da Vincin (1452-1519) ja Albrecht Dürerin (1471-1528) kaltaisten maalareiden älylliset pyrkimykset nostivat maalarit lopulta ”taiteilijoiden” asemaan, mikä aiemmin rajoittui perinteisiin vapaamielisiin taiteisiin, kuten latinaan ja retoriikkaan. Taiteilijat kiinnostuivat taiteen historian tutkimisesta, siitä, mitä taidemaailmassa tapahtuu muualla, kirjoittivat tutkielmia heidän käsityöstään ja tekivät kokeita matemaattisesta näkökulmasta. Kaikki nämä asiat nostivat taiteen tieteeksi.

toinen renessanssitaiteilijoiden, erityisesti Korkearesessanssiin (1490-1527) kuuluvien, määrittävä piirre on heidän poikkeuksellinen kykynsä erilaisissa medioissa. Michelangelon ja Leonardon kaltaiset hahmot olivat yhtä taitavia taidemaalareita kuin kuvanveistäjiä, ja molemmat monien muiden mestareiden tavoin käänsivät kätensä myös arkkitehtuurille. Tällaiset menestyneet mestarit pitivät suuria työpajoja ja ne olivat koulutuskenttiä seuraavalle taiteilijasukupolvelle.

luottamus heidän taitoihinsa, tietoihinsa ja panokseensa kulttuuriin yleensä näkyy siinä, että yhä useammat taiteilijat maalasivat omakuvia. Toinen oire oli taideteosten usein signeeraaminen, joskus hyvinkin näkyvillä kuva-alueilla (vaikka mestarin Työpajan avustajat usein viimeistelivät teoksia).

maalaustekniikka & uudet tekniikat

renessanssimaalarit olivat monipuolisia ja usein kokeiltuja, mutta yleensä renessanssin pukeutuessa sellaiseen he käyttivät freskotekniikkaa seiniin, temperaa paneeleihin ja öljyä paneeleihin tai kankaalle. Fresko-maalaus märällä kipsitaustalla – ja tempera – jossa käytetään munankeltuaiseen sekoitettuja pigmenttejä-olivat molemmat tekniikoita, joita käytettiin kauan ennen Renessanssiaikaa. Kokeissa käytettiin kuitenkin öljyvärejä (pellavansiemenöljyyn tai pähkinäöljyyn sekoitettuja pigmenttejä), jotka antoivat rikkaampia värejä, laajemman sävyvalikoiman ja syvyyttä kuin perinteiset värit. Öljyt mahdollistivat tarkempien yksityiskohtien näyttämisen maalauksessa ja mahdollistivat siveltimenvetojen muuttumisen visuaaliseksi efektiksi. 1400-luvun loppuun mennessä useimmat suuret taiteilijat käyttivät maalaustelineessä työskennellessään öljyjä, eivät temperaa. Öljyjen haittana oli, että ne heikkenivät nopeasti, jos niitä käytettiin aidon freskon sijaan seinillä.

maalaustyylit ja-tekniikat vaihtelivat sijainnista riippuen. Esimerkiksi colore (tai colorito) – tekniikka oli vallalla Venetsiassa (jossa vastavärejä käytettiin harmonisen sommittelun vaikutukseen ja määrittelyyn), kun taas disegno oli suosittu Firenzessä (jossa muotoviivalla oli etusija). Muita renessanssitaiteilijoiden hiomia tekniikoita ovat chiaroscuro (valon ja varjon vastakkainen käyttö) ja sfumato (vaaleamman siirtyminen tummempiin väreihin).

maalauksen aihe oli toinen mahdollisuus kokeiluun. Dramaattisten asentojen maalaamisesta tuli Renessanssimuotia, mikä näkyy parhaiten Michelangelon Sikstuksen kappelin katossa Roomassa (1512). Valtava liikkeen tunne syntyy, kun taiteilija käyttää kontrapostoa eli hahmojen ylä-ja alavartalon epäsymmetriaa, jota Leonardo ja monet muut käyttävät. Toinen idea oli luoda kohtaukseen muotoja, erityisesti kolmioita. Tarkoituksena oli luoda harmoninen sommittelu ja antaa lisäsyvyyttä, kuten Leonardon Last Supper-seinämaalaus Milanon Santa Maria delle Graziessa (n. 1498 jaa) tai Raphaelin Galatea (n. 1513 Jaa, Villa Farnesina, Rooma).