umění renesančního období v Evropě (1400-1600 NL) zahrnuje některé z nejznámějších a nejoblíbenějších obrazů a soch na světě. Mistři byli často zruční v malířství I sochařství a studiem umění starověku a přidáním teoretických znalostí matematické perspektivy a nových malířských technik vytvořili skutečně jedinečná umělecká díla. Realismus, detail, drama a jemné vrstvy významu se staly rysy náboženského a světského umění. Nyní, umělci se konečně vymanili ze svého starého statusu řemeslníka a dosáhli nové pozice jako zásadní přispěvatelé ke kultuře a prestiži společností, ve kterých žili.

Definující rysy Renesančního umění patří:

• zájem o zachycení základních prvků klasického umění, zejména formu a proporce lidského těla.
• zájem o dějiny současného umění a vytváření kontinuální cesty vývoje.
• míchání pohanské a náboženské ikonografie, ale s lidstvem jako jeho zaměřením.
• tendence k monumentalitě a dramatickým postojům.
• zájem o vytvoření emocionální reakce diváka.
• vývoj přesné matematické perspektivy.
• zájem o hyperrealistické a detailní portréty, scény a krajiny.
• zájem o použití jasných barev, stínu a zachycení efektů světla.
• vývoj v používání olejových barev a jemných tisků.
• použití jemných tvarů a každodenních předmětů, které dávají další význam.
• zvýšení prestiže umělců jako vynikajících řemeslníků, kteří kombinovali intelektuální studia s praktickými dovednostmi.

Středověký Původ

kdysi se mělo za To, že Renesanční umění se objevil z ničeho nic v zázračné znovuzrození nápady a talent, ale vyšetřování podle moderních historiků odhalil, že mnohé prvky Renesančního umění byly experimentoval s ve 14. století CE. Umělci jako Giotto (d. 1337 CE) chtěli, aby jejich obrazy byly realističtější, a tak použili zkrácení, aby dali scéně smysl pro hloubku. Giotto použití zdeformovat, světla a stíny, emoce, a dynamický výběr scény lze nejlépe vidět v jeho náboženské fresky v Kaple Scrovegni, Padova (c. 1315 CE). Tyto techniky, a úspěch umělce při oživování postav, by měl obrovský vliv na pozdější umělce. Z tohoto důvodu je Giotto často označován jako „první renesanční malíř“, i když žil před vlastní renesancí.

Bohatí patroni byli hybnou silou Renesance umění v období, kdy drtivá většina uměleckých děl byly vyrobeny na zakázku. Kostely byly obvyklými příjemci tohoto systému v první části renesance. Malované panely pro oltářních obrazů a fresek byly nejčastější formou umělecké výzdoby, často ukazuje, sacra conversazione, že je Panna a Dítě obklopené světci a gratulantů. Monumentální oltáře vysoké několik metrů byly často komplikovaně zarámovány, aby napodobovaly současný vývoj v architektuře. Nejznámějším oltářním dílem ze všech je oltář z roku 1432 CE Gent od Jana van Eycka (cca 1390-1441 CE). Raně renesanční předměty, pak, jsou velmi podobné těm, které byly populární ve středověku.

Soukromé patrony jako Papežů, Římských Císařů, králů a knížat všechny viděl výhodu zkrášlování svých měst a paláců, ale oni byli také velmi zajímá, co získal pověst pro zbožnost a poznání, umění a historie. Jakmile čtenář našel umělec se jim líbí, jsou často zaměstnáni, je dlouho-termín jako jejich oficiální dvorní umělec, nastavení je všechny druhy úkolů, od portrétů až po emblém. Patroni platili, a tak často žádali konkrétní podrobnosti o uměleckém díle. Dále, ačkoli umělec mohl využít své dovednosti a představivost, museli zůstat v mezích konvence v tom, že postavy v jejich díle musely být uznány za to, kým jsou. Bylo například k ničemu dělat fresku světcova života, pokud nikdo nepoznal, kdo ten světec je. Z tohoto důvodu byl vývoj v umění relativně pomalý, ale jak někteří umělci získali velkou slávu, mohli rozvíjet nové myšlenky v umění a odlišit je od toho, co bylo předtím.

klasické oživení

určujícím rysem renesančního období byl opětovný zájem o starověký svět Řecka a Říma. V rámci toho, co dnes nazýváme renesančním humanismem, byla konzultována klasická literatura, architektura a umění, aby se získaly myšlenky, které by mohly být transformovány pro současný svět. Lorenzo de Medici (1449-1492 NL), hlava velké florentské rodiny, byl pozoruhodným patronem a jeho sbírka starověkých uměleckých děl byla studiem mnoha umělců. Mladí umělci, školení v dílnách zavedených mistrů, měl také přístup do starobylého umění tam, nebo alespoň reprodukci kresby.

Umělci přímo napodobil klasických děl nebo jejich částí v rámci své vlastní práce. Například v roce 1496 NL Michelangelo (1475-1564 NL) vyřezal spícího Amora (nyní ztraceného), který záměrně stárl, aby vypadal jako autentické starověké dílo. Další rekreací starověku, tentokrát zcela imaginární, je škola Athénské fresky od Raphaela (1483-1520 NL). Dokončena v roce 1511 CE a Nachází se ve Vatikánu, tato freska ukazuje všechny hlavní myslitele ze starověkého světa. Běžné obrazy z klasické mytologie byly obzvláště populární. Ty byly opět reimagined a, v některých případech, dokonce předběhli starověké umění v našich myslích, když přemýšlíme o určitých předmětech. Příkladem je Narození Venuše (c. 1484 CE, Galerie Uffizi, Florencie) Sandro Botticelli (1445-1510 CE). Konečně, vyobrazení antické architektury a zříceniny byl zvláště oblíbený v mnoha Renesančních umělců dát pozadí atmosféru, aby oba jejich mytologických a náboženských děl.

zvýšený stav umělců

Dalším novým vývojem byl zájem o rekonstrukci dějin umění a katalogizaci, kdo přesně byli velcí umělci a proč. Nejslavnější učenec sestavit takovou historii byl Giorgio Vasari (1511-1574 CE) v jeho Životě Nejvíce Vynikajících italských Architektů, Malířů a Sochařů (1550 CE, revidované 1568 CE). Historie je monumentálním záznamem renesančních umělců, jejich děl a anekdotických příběhů s nimi spojených, a tak je Vasari považován za jednoho z průkopníků dějin umění. Umělci také těží z mají specifické biografie napsal o své životy, a funguje, i když byli ještě naživu jako 1553 CE Život Michelangela, napsal Ascanio Condivi (1525-1574 CE). Umělci také psali texty o technikách ve prospěch ostatních, nejdříve byly Komentáře Lorenza Ghibertiho (1378-1455 CE), napsané kolem roku 1450 CE. Protože Komentáře obsahují podrobnosti o Ghibertiho vlastním životě a dílech, je to také první autobiografie Evropského umělce.

Tento zájem Renesančních umělců, jejich soukromého života, a jak oni přišli k vytvoření díla odráží zvýšený stav se nyní těší. Umělci byli stále považováni za řemeslníky jako ševci a tesaři, a byli nuceni vstoupit do obchodního cechu. To se začalo měnit během renesance. Umělci se zjevně lišili od ostatních řemeslníků, protože mohli získat širokou slávu pro svá díla a vytvořit pocit občanské hrdosti od svých spoluobčanů. Nicméně, to byl intelektuální úsilí malíře jako je Leonardo da Vinci (1452-1519 CE) a Albrecht Dürer (1471-1528 CE), že konečně zvýšené malířů stav ‚umělců‘, termín, dříve omezena na ty, kteří studovali tradiční liberální umění jako latiny a rétoriky. Umělci vzal horlivý zájem o studium dějin umění, co se děje v uměleckém světě jinde, napsal pojednání na své řemeslo, a dělal experimenty v matematické perspektivy. Všechny tyto věci povýšily umění na vědu.

Další určující rys Renesanční umělce, zejména ty, které patří do vrcholné Renesance (1490-1527 CE) je jejich mimořádné schopnosti v různých médiích. Postavy jako Michelangelo a Leonardo byly stejně dokonalými malíři jako sochaři, a oba, stejně jako mnoho jiných mistrů, obrátili ruku k architektuře, také. Takoví úspěšní mistři provozovali velké dílny a to byly výcvikové prostory pro další generaci umělců.

větší důvěru v jejich dovednosti, znalosti a přínos ke kultuře obecně lze vidět v rostoucím počtu umělců, kteří malovali autoportréty. Dalším příznakem bylo časté podepisování uměleckých děl, někdy ve velmi prominentních částech obrazu (i když asistenti v mistrovské dílně často dokončovali díla).

Obraz & Nové Techniky

Renesanční malíři byli univerzální a často experimentoval, ale obecně, jako Renesance na sobě jednou, jsou použité technice freska na zdi, tempera na panely, a olej pro panely nebo plátno. Freska – malba na mokré omítky pozadí – a tempera – pomocí pigmenty smíšené s vaječným žloutkem – jsou obě techniky používané dlouho předtím, než období Renesance. Experimenty však byly provedeny pomocí olejové barvy (pigmenty smíchané s lněným nebo olej z vlašských ořechů), který dal bohatší barvy, širší rozsah tónů a více do hloubky než tradiční barvy. Oleje umožnily Zobrazit více detailů v obraze a umožnily tahům štětce, aby se staly vizuálním efektem. Do konce 15. století nl, pak, většina hlavních umělců používala oleje při práci na stojanu, ne tempera. Nevýhodou olejů bylo, že se rychle zhoršily, pokud byly použity na stěnách místo skutečné fresky.

existovaly různé styly a techniky malby v závislosti na umístění. Například příměsí (nebo colorito) technika byla převládající v Benátkách (kde kontrastní barvy byly použity na efekt a definovat harmonický složení), zatímco disegno byl velmi populární v Florencie (kde perokresba podobě má přednost). Mezi další techniky zdokonalené renesančními umělci patří šerosvit (kontrastní použití světla a stínu) a sfumato (přechod světlejších do tmavších barev).

námět malby byl další příležitostí k experimentování. Malování postav s dramatickými pózami se stalo renesanční módou, nejlépe vidět na stropě Michelangelovy Sixtinské kaple v Římě (1512 NL). Obrovský smysl pro pohyb vytváří umělcovo použití contrapposto, to je asymetrie mezi horním a dolním tělem postav, technika používaná Leonardem a mnoha dalšími. Dalším nápadem bylo vytvořit tvary ve scéně, zejména trojúhelníky. Cílem bylo vytvořit harmonickou kompozici a poskytnout další hloubku, jak je vidět na leonardově nástěnné malbě Poslední večeře v milánské Santa Maria delle Grazie (c. 1498 CE) nebo Galatea od Raphaela (cca 1513 CE, Villa Farnesina, Řím).

Umělci se snažili o stále větší smysl pro realitu v jejich obrazy, a to může být provedeno tím, že reprodukci pohledu by se dalo očekávat vidět v trojrozměrném zobrazení. Andrea Mantegna (c. 1431-1506 CE) používal techniky zkrácení stejně jako Giotto. Podívejte se na jeho agónii v zahradě (c. 1460 CE, Národní galerie, Londýn). Mantegna také rád maloval své scény, jako by se na ně někdo díval zespodu, další trik, který dal jeho práci hloubku. Někdy byla hloubka dosažena ve středu obrazu, zatímco v popředí dominovaly postavy a přibližovaly je divákovi. Byla to technika inovovaná Pietro Perugino (c. 1450-1523 CE) a lze ji nejlépe vidět v manželství Panny Marie (c. 1504 CE, Pinacoteca di Brera, Milán) od Raphaela, kdysi žáka Perugina.

Mezitím, malířů, jako je Piero della Francesca (c. 1420-1492 CE) šel ještě dále a používá přesných matematických principů perspektivy, jak lze vidět v jeho Bičování Krista, (c. 1455 CE, Národní Galerie, Marche, Urbino). Někteří kritici pocit, že někteří umělci šli příliš daleko v jejich využití perspektivy, a tak původní smysl jejich obraz byl ztracen; Paolo Uccello (1397-1475 CE) byl konkrétní oběť tohoto tvrzení. Uccello ‚ s The Hunt (c. 1460 CE, Prostorné Museum, Oxford) je jistě odvážný obraz s panoramatickým výhledem symetrický les ustupuje do stále tmavší pozadí, zatímco v popředí dominuje lovci a jejich psy, všechny se sbíhají směrem k vzdálené centrální bod.

Další krok směrem k větší realitě bylo, aby scéna měla jediný zdroj světla, který poskytuje odpovídající oblasti stín na všechny prvky obrazu. Viz například 1480 CE extáze svatého Františka (Frick Collection, New York) od Giovanniho Belliniho (c. 1430-1516 CE). Umělci dokonce začali hrát na diváka triky, jako je zrcadlo ve svatebním portrétu Jana van Eycka Arnolfini (1434 CE, Národní galerie, Londýn), který ukazuje odrazy postav, které musí stát vedle diváka. Všechny tyto techniky, měl další výhodu, že vytváří „wow faktoru“ od diváků nejsou zvyklí na takové inovace.

renesanční malíři chtěli přidat do své práce další úroveň významu než jen vizuální první dojem. Mytologické scény byly často plné symboliky, chtěl vyřešit vzdělaného diváka od méně. Titian (c. 1487-1576 CE) dokonce popsal své mytologické obrazy jako formu poezie, to, co nazval poesií, taková byla hustota klasických odkazů v nich. Viz například jeho Bacchus a Ariadne (c. 1523 CE, Národní galerie, Londýn).

Portrétování byl ještě další oblasti, kde se Renesanční umělci vynikal. Nejznámějším příkladem je Leonardova Mona Lisa (cca 1506 CE, Louvre, Paříž), která ukazuje neidentifikovanou ženu. Leonardo nejen namaloval podobu, ale také zachytil náladu sittera. Kontury, perspektiva, a barevné gradace jsou kombinovány, aby dodaly obrazu život. Ležérní držení těla a tříčtvrteční pohled na dámu jsou dalším náznakem pohybu. Tento obraz byl poté nesmírně vlivný na portréty. Další vývoj bylo použití každodenních předmětů v portrétech tip na hlídání, charakteru, přesvědčení a zájmy. Na Holandských malířů byli zvláštní mistři realistické portréty, a jejich myšlenky se šířily do Itálie, kde mohou být vidět v práci, například, Piero della Francesca, zejména jeho obraz Federico da Montefeltro, Vévoda z Urbina (c. 1470 CE, Uffizi, Florencie).

Soch & Lámání Klasické Formy

Zatímco mnoho náboženských předmětů zůstal populární v sochařství, jako Pieta – Panna Marie truchlící nad tělem Ježíše Krista – konvenční ikonografie brzy dával cestu k více inovativní způsoby léčby. Donatello (c. 1386-1466 CE), například, experimentoval s obětováním technika a dokončit zachytit emoce postavy, strategie nejlépe vidět v jeho dřevěné Máří Magdalény (c. 1446 CE, Museo dell ‚ Opera del Duomo, Florencie).

klasický revival viděl sochaři vytvářet své vlastní verze starověkých postav do dřeva, kamene a bronzu. Nejznámější ze všech je Michelangelův David (1504 CE, Galleria dell ‚ Accademia, Florencie). Představuje biblického krále, který v mládí skvěle zabil Obřího Goliáše, Mramorová postava je mnohem větší než v životní velikosti, kolem 5.20 metrů (17 stop) vysoký. Připomíná kolosální sochy Herkula ze starověku, ale napětí postavy a jeho důkladně odhodlané tváře jsou renesanční vynálezy.

Donatello vyrábí svou verzi David v bronzu (1420s nebo 1440s CE, Bargello, Florencie) a tato práce byla další dramatický odklon od antického sochařství. Držení těla vytváří smyslnou postavu, která nemohla být vytvořena ve starověku. Michelangelův i Donatellův David připomínají úzké spojení mezi uměním a funkcí během renesance. David se objevil na oficiální pečeť z Florencie, a jako přemožitel Goliáše, bylo včasné připomenutí, Florentines’ boje proti soupeře města Milán.

související umění, aby socha byla gravírování. Donatello se zde opět podílel a vyráběl vynikající bronzové panely s nízkým reliéfem pro Baptisterium Sienna a několik florentských kostelů. Technika vyřezávání scény s malou hloubkou, ale stále dosahující smyslu pro perspektivu, byla známá jako „zploštělý reliéf“ nebo rilievo schiacciato. Velmi odlišnou technikou bylo vytvořit kovové panely s postavami tak vysokými reliéfy, že jsou téměř v kole. Nejznámějším příkladem této techniky jsou „brány ráje“ Lorenza Ghibertiho, dveře pro florentské křtitelnice San Giovanni (dokončeno v roce 1452 NL). Zlacené panely připevněné ke dveřím ukazují biblické scény a dokonce i bustu samotného Ghibertiho.

od roku 1420 NL byly populární tisky vyrobené z dřevořezů, ale vývoj rytých měděných desek z roku 1470 NL skutečně viděl, že se tisky staly skutečnou uměleckou formou. Měděné desky daly mnohem větší přesnost a detail. Mantegna a Dürer byli na to dva významní odborníci a jejich rytiny se staly vysoce sběratelskými. Nejúspěšnějším tiskařem byl Marcantonio Raimondi (1480-1534 NL) a jeho tisky výtvarného umění pomohly šířit myšlenky do severní Evropy a naopak.

Odkaz Renesančního Umění

Sbírat umění se stal koníček pro bohaté, ale jako střední třídy se stal bohatší, tak, také, by mohli získat umění, i když ne tak docela velký. Workshopy, jako ty, které řídí Ghiberti začal ne zrovna k hmotě-produkovat umění, ale alespoň využívat standardizované prvky převzaté ze stávajícího katalogu. Stručně řečeno, umění již nebylo omezeno na bohaté a pro ty, kteří si stále nemohli dovolit originály, mohli vždy koupit tisky. Tisky také šíří pověst umělců široko daleko. Díky rozšíření trhu s uměním, mistři nyní mohli svobodně vyrábět umění, jak si mysleli, že by mělo být, ne jako myšlenka patrona.

renesanční umění se neustále vyvíjelo. Manýrismus, například, je vágní termín, který zpočátku odkazoval na podivně odlišné umění, které přišlo po vrcholné renesanci. Manýrismus pak získal pozitivnější význam-stylovost , nejednoznačnost sdělení, kontrast a obecně hraní s technikami a standardizacemi, které dříve nastavili renesanční umělci. Viz například zázrak svatého Marka z roku 1548, který zachránil otroka Tintoretto (c. 1518-1594 CE, Academia, Benátky). Od Manýrismu by přijít další hlavní styl v Evropském umění, vysoce dekorativní Barokní, který přijal bohaté barvy, jemné detaily, a energický představuje Renesanční umění do nové extrémní ohromující drama a dekorace.