Jeunesse et œuvres

Michelangelo Buonarroti est né dans une famille qui appartenait depuis plusieurs générations à la petite noblesse de Florence mais qui avait, au moment de la naissance de l’artiste, perdu son patrimoine et son statut. Son père n’avait que des emplois occasionnels au gouvernement et, au moment de la naissance de Michel-Ange, il était administrateur de la petite ville dépendante de Caprese. Quelques mois plus tard, cependant, la famille est retournée à sa résidence permanente à Florence. C’était quelque chose d’une étape sociale descendante pour devenir artiste, et Michel-Ange est devenu apprenti relativement tard, à 13 ans, peut-être après avoir surmonté les objections de son père. Il a été apprenti chez le peintre le plus en vue de la ville, Domenico Ghirlandaio, pour un mandat de trois ans, mais il est parti au bout d’un an, n’ayant (raconte Condivi) plus rien à apprendre. Plusieurs dessins, copies de figures de Ghirlandaio et de grands peintres plus anciens de Florence, Giotto et Masaccio, survivent de cette étape; une telle copie était la norme pour les apprentis, mais peu d’exemples sont connus pour survivre. Manifestement talentueux, il fut pris sous l’aile du souverain de la ville, Lorenzo de Médicis, dit le Magnifique. Lorenzo s’est entouré de poètes et d’intellectuels, et Michel-Ange a été inclus. Plus important encore, il avait accès à la collection d’art des Médicis, dominée par des fragments de statuaire romaine antique. (Lorenzo n’était pas un mécène de l’art contemporain comme la légende l’a fait; l’art moderne qu’il possédait était d’orner sa maison ou de faire des déclarations politiques.) Le sculpteur en bronze Bertoldo di Giovanni, un ami Médicis qui était en charge de la collection, était le plus proche d’un professeur de sculpture, mais Michel-Ange n’a pas suivi son médium ni de manière majeure son approche. Pourtant, l’une des deux œuvres en marbre qui subsistent des premières années de l’artiste est une variation de la composition d’un ancien sarcophage romain, et Bertoldo en avait produit une similaire en bronze. Cette composition est la Bataille des Centaures (vers 1492). L’action et la puissance des figures annoncent les intérêts ultérieurs de l’artiste bien plus que la Madone de l’Escalier (vers 1491), un bas-relief délicat qui reflète les modes récentes chez des sculpteurs florentins tels que Desiderio da Settignano.

Florence était à cette époque considérée comme le principal centre d’art, produisant les meilleurs peintres et sculpteurs d’Europe, et la concurrence entre les artistes était stimulante. La ville était cependant moins en mesure qu’auparavant d’offrir de grandes commandes, et les principaux artistes d’origine florentine, tels que Léonard de Vinci et le professeur de Léonard, Andrea del Verrocchio, s’étaient éloignés pour de meilleures opportunités dans d’autres villes. Les Médicis ont été renversés en 1494, et même avant la fin de la tourmente politique que Michel-Ange avait quittée.

À Bologne, il a été engagé pour succéder à un sculpteur récemment décédé et sculpter les dernières petites figures nécessaires à la réalisation d’un grand projet, le tombeau et le sanctuaire de saint Dominique (1494-95). Les trois figures en marbre sont originales et expressives. S’éloignant de l’agilité fantaisiste de son prédécesseur, il impose le sérieux à ses images par une compacité de forme qui doit beaucoup à l’antiquité classique et à la tradition florentine à partir de Giotto. Cet accent mis sur le sérieux se reflète également dans son choix du marbre comme médium, tandis que la simplification des masses qui l’accompagne contraste avec la tendance alors plus habituelle de laisser les représentations correspondre le plus complètement possible à la texture et aux détails des corps humains. Certes, bien que ce soient des qualités constantes dans l’art de Michel-Ange, elles sont souvent temporairement abandonnées ou modifiées en raison d’autres facteurs, tels que les fonctions spécifiques des œuvres ou les créations stimulantes d’autres artistes. C’est le cas de la première grande statue de Michel-Ange, le Bacchus, réalisée à Rome (1496-97) après un bref retour à Florence. (Un crucifix en bois, récemment découvert, attribué par certains érudits à Michel-Ange et maintenant conservé à la Casa Buonarroti à Florence, a également été proposé comme antécédent du Bacchus dans la conception par ceux qui le créditent comme l’œuvre de l’artiste.) Le Bacchus s’appuie sur d’anciennes figures nues romaines comme point de départ, mais son contour est beaucoup plus mobile et plus complexe. L’instabilité consciente évoque le dieu du vin et les délices dionysiaques avec une virtuosité extraordinaire. Conçu pour un jardin, il est également unique parmi les œuvres de Michel-Ange en appelant à l’observation de tous les côtés plutôt que principalement de face.

Le Bacchus conduisit immédiatement à la commande (1498) de la Pietà, aujourd’hui dans la basilique Saint-Pierre. Le nom ne fait pas référence (comme on le suppose souvent) à cette œuvre spécifique mais à un type traditionnel commun d’image de dévotion, cette œuvre en étant aujourd’hui l’exemple le plus célèbre. Extrait des scènes narratives de la lamentation après la mort du Christ, le groupe concentré de deux est conçu pour évoquer les prières repentantes de l’observateur pour les péchés qui ont nécessité la mort sacrificielle du Christ. Le patron était un cardinal français, et le type était auparavant plus courant en Europe du Nord qu’en Italie. Le problème complexe pour le concepteur était d’extraire deux figures d’un bloc de marbre, une entreprise inhabituelle à toutes les époques. Michel-Ange a traité le groupe comme une masse dense et compacte comme auparavant pour qu’il ait un impact imposant, mais il a souligné les nombreux contrastes présents – masculin et féminin, vertical et horizontal, vêtu et nu, mort et vivant — pour clarifier les deux composantes.

La proéminence de l’artiste, établie par cette œuvre, a été immédiatement renforcée par la commande (1501) du David pour la cathédrale de Florence. Pour cette immense statue, une commande exceptionnellement importante dans cette ville, Michel-Ange a réutilisé un bloc laissé inachevé environ 40 ans auparavant. La modélisation est particulièrement proche des formules de l’antiquité classique, avec une géométrie simplifiée adaptée à la grande échelle mais avec une légère affirmation de la vie organique dans son asymétrie. Il a continué à servir de déclaration principale de l’idéal de la Renaissance d’une humanité parfaite. Bien que la sculpture était à l’origine destinée au contrefort de la cathédrale, la magnificence de l’œuvre finie a convaincu les contemporains de Michel-Ange de l’installer dans un endroit plus en vue, à déterminer par une commission formée d’artistes et de citoyens éminents. Ils ont décidé que le David serait installé devant l’entrée du Palazzo dei Priori (maintenant appelé Palazzo Vecchio) comme symbole de la République florentine. Il a ensuite été remplacé par une copie, et l’original a été déplacé à la Galleria dell’Accademia.

Sur le côté Michel-Ange a produit dans les mêmes années (1501-04) plusieurs Madones pour des maisons privées, l’aliment de base du travail des artistes à l’époque. Ceux-ci comprennent une petite statue, deux reliefs circulaires qui ressemblent à des peintures en suggérant des niveaux variés de profondeur spatiale, et la seule peinture de chevalet de l’artiste. Alors que la statue (Vierge à l’Enfant) est en blocs et immobile, le tableau (Sainte Famille) et l’un des reliefs (Vierge à l’Enfant avec l’Enfant Saint Jean) sont pleins de mouvement; ils montrent des bras et des jambes de figures s’entrelaçant dans des actions qui impliquent un mouvement à travers le temps. Les formes portent des références symboliques à la mort future du Christ, communes dans les images de l’Enfant Christ à l’époque; ils trahissent également la fascination de l’artiste pour l’œuvre de Léonard. Michel-Ange a régulièrement nié que quelqu’un l’ait influencé, et ses déclarations ont généralement été acceptées sans retenue. Mais le retour de Léonard à Florence en 1500 après près de 20 ans a été passionnant pour les jeunes artistes, et les érudits plus tard ont généralement convenu que Michel-Ange faisait partie des personnes touchées. Les œuvres de Léonard ont probablement été l’influence extérieure la plus puissante et la plus durable pour modifier le travail de Michel-Ange, et il a pu mélanger la capacité de Léonard à montrer des processus momentanés avec la sienne pour suggérer le poids et la force, sans perdre aucune de cette dernière qualité. Les images qui en résultent, des corps massifs en action énergique, sont ces créations spéciales qui constituent la plus grande partie de ses œuvres majeures les plus admirées.

La Sainte Famille, probablement commandée pour la naissance du premier enfant d’Agnolo et de Maddalena Doni, est une peinture particulièrement innovante qui influencera plus tard le développement du maniérisme florentin primitif. Sa composition en spirale et sa palette de couleurs froides et brillantes soulignent l’intensité sculpturale des figures et créent un effet dynamique et expressif. L’interprétation iconographique a provoqué d’innombrables débats savants qui, à ce jour, n’ont pas été entièrement résolus.