En tant que l’une des plus grandes académies d’arts du spectacle au monde, Juilliard a passé plus d’un siècle à identifier et à nourrir les meilleurs talents de la musique, puis de la danse et du théâtre. Joseph L. Polisi est devenu le sixième et actuel président de la Juilliard, à partir de l’année académique 1984-85, et a été considéré comme une figure transformatrice de l’éducation artistique, se concentrant sur des ajouts importants au programme d’études, en particulier dans le domaine de la sensibilisation communautaire. Nous avons rencontré Joseph Polisi à l’impressionnant siège de Juilliard, au cœur du Lincoln Center for the Performing Arts de New York. En visitant l’école par un après-midi ensoleillé d’automne, en observant des études de théâtre et de danse, nous avons été ravis de rencontrer le directeur musical du New York Philharmonic, Maestro Alan Gilbert, qui enseignait à un jeune chef et répétait avec les talentueux étudiants du propre orchestre de Juilliard.

L’objectif: Pour beaucoup, Juilliard est synonyme d’excellence compétitive et de dévouement rigoureux qui accompagnent la formation des meilleurs talents artistiques. Comment Juilliard identifie-t-il ce talent aux balbutiements de son potentiel, pour ainsi dire?

Joseph W. Polisi: Pour commencer, nous avons toujours un processus d’audition très traditionnel qui est aussi vieux que l’histoire de la musique. Mais plus généralement, pour les professeurs ou les musiciens qui connaissent leur discipline, il est en fait assez facile d’identifier très rapidement des talents extraordinaires.

Quels sont les indicateurs que vous recherchez pour évaluer le potentiel et prédire le succès futur?

Tout d’abord, il y a une différence significative dans la façon dont on évalue les musiciens par opposition aux acteurs ou aux danseurs, et dans la musique elle-même, il y a aussi une différence. Par exemple, un violoniste, pianiste ou violoncelliste de 17 ans sera assez avancé, et chez Juilliard, nous nous attendrons à trouver une technique et un talent artistique significatifs au moment où il auditionnera à cet âge dans ces instruments. Avec la voix, parce que c’est un instrument qui arrive à maturité plus tard, nous ajustons nos attentes en conséquence.

Et avec vos candidats en danse et en théâtre?

En danse, il y a beaucoup d’artisanat et de technique attendus et cela ressemble un peu à la façon dont je dirais qu’on regarde la musique. Cependant, dans le drame, nous regardons principalement le potentiel, l’imagination et la créativité. C’est notre domaine le plus sélectif, où nous avons 1 500 candidats pour 18 places, nous acceptons donc moins d’un pour cent. Dans certains domaines, les candidats auront beaucoup d’expérience et nous verrons immédiatement une sorte de talent, un certain niveau de technique. Dans d’autres disciplines, nous voyons surtout de l’imagination, de la créativité, des compétences d’improvisation et un sens de la prise de risque – toutes les choses nécessaires dans ces domaines.

Ces compétences sont également importantes pour évaluer le talent musical

Bien sûr. Vous pouvez entendre une personne jouer les Variations de Tchaïkovski sur un thème Rococo pour violoncelle, et elles peuvent avoir toutes les notes correctes. Mais une autre personne aura non seulement toutes les notes correctes, mais aussi toute l’imagination, la créativité et la mise en forme que cette pièce exige.

Comment recherchez-vous ce talent, étant donné qu’il doit être de nature globale et dans certains cas difficile à trouver?

Notre faculté investit en effet beaucoup de temps à parcourir le monde, à écouter les jeunes talents dans des ateliers, des master classes et des concours. Si nous trouvons du talent, nous suggérons qu’ils viennent à Juilliard et auditionnent s’ils veulent s’inscrire. Et, bien sûr, nous recherchons ici aussi des talents locaux, dans les écoles publiques, les quartiers défavorisés et les zones rurales.

Qu’est-ce qui n’est pas révélé lors d’une audition ? Y a-t-il des choses que vous recherchez en termes de caractère d’une personne?

Leur curiosité intellectuelle. Nous organisons des entrevues; nous examinons les transcriptions, les recommandations, les essais, etc. Mais nous regardons aussi qui est cette personne.

Comment faites-vous cela?

La recherche devient plus approfondie et plus approfondie à mesure que les programmes deviennent plus avancés. Par exemple, pour notre programme de doctorat, qui est également très sélectif, nous avons une vaste série d’examens et d’entretiens. Pour un étudiant de premier cycle, nous leur parlerons longuement pour avoir une idée de ce qui les intéresse. L’étudiant idéal de Juilliard est quelqu’un qui est non seulement un artiste très intéressant, mais qui a également une grande curiosité intellectuelle, qui a un sens de son propre monde et un désir d’être un leader – de faire une différence à travers son art. Mais pour passer la porte, vous devez toujours passer l’audition.

Qu’en est–il des artistes capricieux – ceux dont la technique et l’expressivité sont parfaites mais qui n’ont pas les attributs que vous recherchez ?

Nous essayons de travailler avec les jeunes, de développer leur propre sens d’eux-mêmes, leur propre intelligence sociale. Mais pour être honnête, Juilliard n’a pas une énorme patience à cet égard. Il n’y a pas d’étudiants à Juilliard qui sont formés pour être uniquement des solistes, bien qu’ils puissent éventuellement devenir solistes. Par exemple, chaque élève joue dans un orchestre; il n’y a pas d’exceptions. Et c’est la même chose avec la musique de chambre. Personnellement, je ne suis pas très patient du tout avec un tempérament dit artistique. La grande majorité des artistes à succès que j’ai rencontrés ne sont pas difficiles à traiter du tout – à condition que vous compreniez quels sont leurs besoins et leurs priorités.

Quelle est la réussite de Juilliard dans la sélection de jeunes talents, au niveau du premier cycle, par exemple?

Le taux de diplomation est très élevé; il y a très peu d’attrition. Je pense que l’un des aspects les plus rigoureux de l’expérience Juilliard est le processus d’admission. Nous sommes absolument vigilants à ce sujet et il n’y a pas de compromis. Une fois que les étudiants sont admis, nous travaillons vraiment avec eux sur leur croissance en tant qu’artistes et en tant que jeunes adultes.

Donc s’ils entrent, vous savez qu’ils vont suivre le cours?

Nous ne savons pas cent pour cent du temps, et il y a des cas d’individus qui ne peuvent pas supporter la pression. Cela dit, de toute la pression qu’ils subissent lorsqu’ils sont à Juilliard, la plus vient de loin de l’intérieur. Nous le savons pertinemment. Ce sont eux qui se poussent.

Y a-t-il une seule raison la plus importante pour les cas où votre prédiction du potentiel futur ne se concrétise pas?

Il pourrait y avoir toute une série de problèmes. Le plus simple est qu’ils ont fait une audition spectaculaire et ne le feront plus jamais de leur vie. Cela arrive de temps en temps. Ensuite, il y a des problèmes psychologiques, ou physiques en termes d’endurance, et même des problèmes culturels sur la gestion du temps. Rappelez-vous, 33% de nos étudiants sont des étudiants internationaux, ils viennent donc ici avec d’énormes différences culturelles et linguistiques, et le mal du pays peut être un problème. Je ne pense pas qu’une école de toute taille puisse prédire le succès 100% du temps. Ce n’est tout simplement pas possible.

En laissant un instant de côté l’expertise technique, comment Juilliard aide-t-il les jeunes talents à réaliser leur potentiel en termes de développement mental et personnel ?

Nous travaillons avec tous les professeurs – professeurs de studio, professeurs de classe – pour les aider à comprendre les besoins de ces jeunes artistes. Par exemple, il peut y avoir des indices sur des problèmes sous-jacents qui émergent sous le stress de la part de l’élève. Dans le passé, un membre du corps professoral aurait pu dire: Eh bien, ce n’est pas mon affaire. Maintenant, nous organisons des ateliers annuels où ils sont formés pour identifier ces problèmes. Ou disons qu’un étudiant a une grande curiosité intellectuelle qui a besoin d’une stimulation supplémentaire. Nous avons un programme avec l’Université Columbia où les étudiants peuvent suivre des cours que nous n’aurions jamais pu offrir à Juilliard – en sciences, en mathématiques, en langues étrangères comme le Swahili, l’arabe ou le Chinois. Nous avons également un programme de distinction académique pour les étudiants de premier cycle où ils peuvent s’étirer intellectuellement en effectuant des travaux supplémentaires, tels que des recherches intensives aboutissant à des articles sérieux.

Est-il possible, ou souhaitable, pour vos étudiants d’obtenir un diplôme complet en arts libéraux en plus d’un diplôme en arts de la scène?

Nous fournissons un haut niveau d’éducation en arts libéraux pour un premier cycle. Vingt-cinq pour cent des cours d’études sont en arts libéraux, qui sont basés à Juilliard sur les grands livres et une méthode d’enseignement socratique. Cependant, vous ne pouvez pas vraiment vous attendre à avoir le plein impact d’une expérience de conservatoire et le plein impact d’une expérience d’arts libéraux en même temps. J’aimerais qu’on le puisse. J’y ai beaucoup réfléchi et je l’ai poussé aussi loin que je pouvais dans cette direction. Mais à la fin de la journée, en termes de gestion du temps, lorsque vous avez un pianiste qui doit pratiquer six à huit heures par jour, vous ne pourrez pas demander à cette même personne de passer également six à huit heures à faire des recherches dans la bibliothèque.

Pour aborder cela sous un angle différent, comment encouragez-vous les élèves à élargir leur point de vue au-delà de la musique?

C’est en effet une question importante. Ce que nous essayons de faire, c’est de stimuler l’imagination de ces jeunes et de savoir quelles directions ils veulent prendre, intellectuellement comme artistiquement. Et ensuite, nous visons à les nourrir et à les encadrer afin qu’ils progressent dans cette direction. Nos enseignants en particulier sont très vigilants lorsqu’il s’agit d’identifier ces intérêts.

Un centre dynamique d’excellence créative: que ce soit en théâtre, en musique ou en danse, à la Juilliard School, la prochaine génération de personnalités artistiques bien équilibrées est en train de mûrir. Le statut exceptionnel de cette institution new-yorkaise est mis en évidence non seulement par des tuteurs de premier plan comme le directeur musical du New York Philharmonic, Alan Gilbert, qu’on voit ici entraîner un jeune chef d’orchestre, mais aussi par les bijoux conservés dans la Collection de manuscrits de Juilliard, notamment des manuscrits autographes de Mozart, Chopin, Copland et le premier mouvement de la Neuvième Symphonie de Mahler (photo).

Avez-vous un système de mentorat en place?

Oui. Nous avons un système de mentorat dans lequel les étudiants travaillent volontairement avec un mentor du corps professoral, et un pourcentage élevé d’étudiants de premier cycle adoptent cette option. Généralement, nous suggérons que si vous êtes un tromboniste, par exemple, votre mentor serait un danseur, afin d’élargir vos horizons. Cela a très bien fonctionné, surtout lorsqu’il s’agit de stimuler l’imagination. De plus, relativement récemment, nous avons développé quatre courants croisés dans notre programme qui affectent chaque élève d’une manière ou d’une autre. Ces sujets couvrent les compétences en écriture et en expression orale; la culture de l’information et la compréhension de la façon d’utiliser Internet intelligemment; la technologie en termes de lien avec le développement de nouveaux travaux dans le théâtre, la danse et la musique; et enfin l’entrepreneuriat: Comment sortir des sentiers battus? C’est extrêmement important, car les jeunes artistes deviennent tellement absorbés par leur travail – en étant efficaces en tant qu’artistes – qu’ils peuvent développer une vision tunnel.

Comment choisissez-vous vos professeurs ?

Comme dans tout établissement d’enseignement, la faculté est le cœur de cet endroit. Tout d’abord, nous regardons évidemment l’expérience professionnelle. Mais même s’ils sont des interprètes très célèbres – et nous en avons certainement quelques–uns – je veux m’assurer qu’ils sont également des enseignants dévoués. Une fois tout cela fait, je les considère comme des personnes: Qu’est-ce qui les intéresse et comment vont-ils faire partie de la communauté ici? Que veulent-ils que leurs élèves réalisent? Si un enseignant me disait: « Je veux que mes élèves pratiquent huit heures par jour, je ne veux pas qu’ils participent à des activités extérieures”, je réfléchirais à deux fois pour savoir si c’est le bon professeur pour Juilliard.

Vous avez souvent dit qu’une révolution tranquille était en cours dans l’éducation aux arts de la scène – du moins en ce qui concerne Juilliard – et que la promotion de cela était votre objectif.

Lorsque je suis arrivé à Juilliard en 1984 – c’est ma 30e année en tant que président –, j’avais très envie de changer certains éléments clés de la culture du lieu. Mais je savais que le faire précipitamment serait une erreur. Je ne voulais pas non plus remettre en cause la mission fondamentale de l’école, qui est d’éduquer et de former la prochaine génération de danseurs, de musiciens et d’acteurs. J’ai donc décidé que ce devrait être une sorte de révolution, mais qu’elle devrait être calme et progressive, et je pense que c’est en fait ce qui s’est produit au fil des ans.

Quels sont les principes de base de cette révolution ?

Je demande à nos jeunes artistes d’élargir leurs horizons, de réfléchir à leur responsabilité en dehors de la scène et de voir comment les arts peuvent être nourris, surtout à une époque où le soutien du public est devenu si faible. Ils devraient aider à ancrer les arts dans notre système éducatif plus fermement que ce n’est le cas actuellement. Et ils devraient aider le grand public à comprendre pourquoi les arts sont une partie importante du tissu de notre société.

« Nous nous attendons au plus haut niveau de performance artistique, mais nous nous attendons à plus.”

Donc, entre autres choses, vos élèves sont formés pour être des ambassadeurs culturels des arts?

Ce thème de l’artiste en tant que citoyen est devenu une partie très importante de l’école. Nous nous attendons au plus haut niveau de performance artistique, mais nous nous attendons à plus. Nous nous attendons à ce que, en tant que défenseurs efficaces des arts, nos élèves comprennent comment fonctionne notre monde et utilisent cette compréhension pour aider les arts à devenir une partie plus importante de la société.

Quel est le rôle et la responsabilité de l’artiste en tant que citoyen ? Et pourquoi est-ce si important?

Le secteur public a échoué aux arts classiques. Le National Endowment for the Arts n’a pas été un acteur important en termes de décaissement des revenus depuis longtemps, peut-être aussi loin que l’administration Nixon. Il me semble que le financement des arts ne fait même pas partie du dialogue politique de manière significative. Les arts sont mis à l’écart, aucun politicien ne voyant aucune valeur à les faire avancer face à une telle résistance. En fin de compte, avec l’abandon de l’accent mis par notre système éducatif sur les arts, je pense que nous récoltons ce que nous avons semé.

Comment un manque de soutien aux arts se traduit-il dans une culture nationale?

Cela a un effet tragique sur notre système éducatif, ce qui crée des répercussions durables. Si vous ne savez pas ce que sont les arts et que vous ne les expérimentez pas à un certain niveau de sérieux, vous vous retrouvez avec la médiocrité. Comme je l’ai souvent dit, la médiocrité est comme du monoxyde de carbone. Tu ne peux pas le sentir– tu ne peux pas le voir – ça te tue juste un jour. C’est ce contre quoi nous devons nous battre, et je ne pense pas que l’Amérique en fasse un très bon travail. Nous voyons de nouvelles générations de leaders qui n’ont aucun rapport avec le pouvoir des arts et leur importance dans notre système éducatif et dans notre société.
Les arts sont souvent perçus comme élitistes et exclusionnistes, mais ils ne le sont pas. Ils sont pour tout le monde. C’est pourquoi avoir un rayonnement – avoir le sens des responsabilités en tant qu’artiste, être un défenseur des arts – est à mon avis un élément essentiel de l’éducation d’un artiste. Et c’est quelque chose sur lequel nous nous concentrons chez Juilliard.

Quel genre de sensibilisation Juilliard promeut-il auprès de ses étudiants ?

La sensibilisation pour Juilliard peut être une expérience très puissante et multiforme. Nous demandons à nos élèves de quitter leur zone de confort. Au lieu d’aller dans des lieux traditionnels, nous les encourageons à aller dans les écoles publiques de New York, dans les hôpitaux, les hospices et les maisons de retraite, et à s’y produire de manière efficace. Par efficace, je veux dire que le programme est conçu en termes de durée, de contenu, d’explication verbale et d’engagement, de manière à ce que le public bénéficie de l’expérience. Cela a également un impact majeur sur l’interprète. Pour tout artiste, mais pour les jeunes artistes en particulier, voir le pouvoir de leur art sur un public non traditionnel dans des lieux non traditionnels leur révèle à quel point les arts peuvent être puissants en tant que messager des valeurs humaines. L’expérience peut vraiment changer ces jeunes artistes, car lorsqu’ils retournent dans des lieux traditionnels, ils pensent d’une manière différente.
Nous avons également des étudiants qui voyagent partout dans le monde – dans des endroits comme la Tanzanie, le Mexique ou le Brésil. Et quand ils reviennent, ils ont un niveau d’énergie plus élevé en termes de ce qu’ils veulent faire en tant qu’artistes. Ils sont beaucoup plus motivés; ils sont beaucoup plus concentrés; ils ont expérimenté comment leur art touche les gens d’une manière à laquelle ils ne s’attendaient pas. Ils comprennent vraiment qu’ils peuvent être de puissants défenseurs de certaines des meilleures valeurs de l’expérience humaine. Je pense que cela fait partie intégrante de Juilliard.

Alors, comment voyez-vous la relation entre l’accent traditionnel mis sur la technique et ce processus de tendre la main et de communiquer à travers les performances?

Lorsque l’on commence à éduquer de jeunes artistes – en danse, en théâtre et en musique – l’accent initial a toujours été mis sur la technique. Mais la technique n’est que le pont vers l’art. À la base, l’art est une question de communication. Donc, si vous obtenez toutes les notes correctement ou les étapes correctement ou les mots correctement, ce n’est pas de l’art. C’est de la technique. Et bien que vous ayez besoin de technique pour réaliser l’art, sans l’expressivité et le sentiment du besoin de communiquer, vous ne réussirez pas en tant qu’artiste.

Les notes, les pas, les mots sont tous là, mais l’âme de la performance manque en quelque sorte.

Exactement. Quand les jeunes sont initiés pour la première fois au Concerto pour violon de Brahms ou au Deuxième Concerto pour piano de Rachmaninov, ils trouvent ces montagnes monumentales à gravir, juste en termes de réalisation technique, que parfois, et je dirais plus de 50% du temps, le jeune interprète dira: Bon sang, je l’ai fait! J’ai pu jouer toutes les notes ! Et bien sûr, ils doivent se rendre compte que ce n’est qu’une partie. L’autre partie consiste à interpréter ces notes et à rendre l’expérience si puissante.

« J’espère que nous sommes perçus comme une source de créativité et d’imagination – et de nouveaux travaux pour les nouvelles générations. »

Pour résumer, que diriez–vous exactement que Juilliard – ou peut-être même la marque Juilliard – représente?

J’espère que Juilliard sera perçu comme une institution vouée à l’excellence et à l’avenir, et comme un lieu qui non seulement maintient les normes dans le métier du théâtre, de la danse et de la musique, mais les améliore également. J’espère que nous sommes perçus comme une source de créativité et d’imagination – et de nouveaux travaux pour les nouvelles générations.
Je pense qu’en Amérique, la tradition n’est pas toujours aussi respectée qu’elle devrait l’être. Essentiellement, un endroit comme Juilliard existe pour maintenir et améliorer les traditions dont nous avons hérité et auxquelles beaucoup de gens dans ce bâtiment croient profondément et se sentent vraiment importants pour l’expérience humaine. Nous demandons à nos élèves d’être des leaders, des communicateurs, des enseignants et de faire une différence – de ne pas s’asseoir et d’attendre que le monde vienne à eux.

L’entretien avec Joseph W. Polisi à New York a été mené par Ulrike Krause, THE FOCUS, et Alan D. Hilliker, Egon Zehnder, New York.

À propos de Joseph W. Polisi

Joseph Polisi a été nommé Président de la Juilliard School en 1984, alors qu’il était au milieu des années 30. Auparavant, il était doyen du Collège-Conservatoire de Musique de l’Université de Cincinnati et de la Manhattan School of Music, ainsi que Directeur exécutif de l’Université de musique de Yale. Il est titulaire d’un doctorat en Arts musicaux de Yale et d’une maîtrise en Relations internationales de la Fletcher School of Law and Diplomacy de l’Université Tufts. Il est l’auteur de deux livres : The Artist as Citizen prônant que les artistes de la scène agissent comme des ambassadeurs culturels dans le monde, tandis qu’American Muse: The Life and Times of William Schuman est une biographie du compositeur américain et ancien président de Juilliard. Comme son père, qui a joué avec l’Orchestre philharmonique de New York, Polisi est un bassoniste accompli.

À propos de la Juilliard School

Fondée en 1905 par Frank Damrosch, filleul de Franz Liszt, La Juilliard School est une légende dans le monde de l’éducation musicale. L’école offre des programmes d’études, du baccalauréat au doctorat, et s’est développée pour inclure d’autres disciplines artistiques, notamment la danse et le théâtre. En 1969, l’école est devenue une partie du Lincoln Center, considéré par beaucoup comme le premier lieu de musique classique d’Amérique. L’admission à Juilliard est très compétitive, avec un taux d’acceptation global compris entre cinq et huit pour cent.