Slow West (2015)

Il y a près d’un quart de siècle, Clint Eastwood a fait sa dernière incursion dans le genre avec lequel il s’est fait un nom, lorsqu’il a joué dans, produit et réalisé le Unforgiven plusieurs fois primé. Conte sombre et violent, l’éloge d’Eastwood au genre occidental était élevé sur l’ambiguïté morale et la dissipation des mythes sur le Vieil Ouest. Au cours des années qui ont suivi la sortie d’Unforgiven sur nos écrans de cinéma, le western a continué de ponctuer régulièrement les horaires de sortie en salles. C’est un travail difficile qui insuffle une nouvelle vie à ce genre le plus usé, dont les sommités incluent des noms aussi connus que Eastwood, John Ford, John Wayne et Sergio Leone, entre autres. Suivre ces traces emblématiques, cependant, n’a pas empêché un certain nombre de réalisateurs grand public, indépendants et internationaux de renom de s’atteler et d’essayer de le faire.

Avec la sortie de Slow West, une coproduction américano-britannique qui recueille déjà les éloges de la critique, le moment semble idéal pour jeter notre dévolu sur dix des meilleurs westerns modernes. Qu’ils soient de la variété contemporaine, classique, néo ou révisionniste, ils prouvent tous que le genre a encore de nombreuses pistes nouvelles et fascinantes à suivre.

Dead Man (1995)

Réalisateur Jim Jarmusch

Dead Man (1995)

L’une des figures les plus accomplies et les plus médiatisées du cinéma indépendant américain, Jim Jarmusch a suivi son propre rythme cinématographique décalé depuis plus de trois décennies maintenant. En 1995, le réalisateur a pris en charge ce qui était alors son plus gros projet budgété à ce jour, le Dead Man du XIXe siècle. Avec 9 millions de dollars à jouer et un casting éblouissant comprenant Johnny Depp, Crispin Glover, John Hurt et Robert Mitchum dans son dernier rôle, Jarmusch a livré ce qui est sans doute son film le plus narratif.

Tourné, comme un certain nombre de films du réalisateur l’ont été, en noir et blanc net et soutenu par une partition vraiment belle et envoûtante de Neil Young, Dead Man a été décrit par Jarmusch comme un « western psychédélique »’ Citant la poésie de William Blake (avec qui le comptable de Depp devenu flingueur partage un nom) et avec des clins d’œil à des figures de la culture pop du 20e siècle, l’œuvre hypnotique et postmoderne de Jarmusch a également été remarquée pour la profondeur de ses recherches sur les nuances qui différencient les tribus amérindiennes.

Lone Star (1996)

Réalisateur John Sayles

Lone Star (1996)

Un an après la sortie de Dead Man de Jarmusch, un autre des phares du cinéma indépendant américain nous a donné le sien prise particulière sur le genre. Un néo-western qui critique et actualise les conventions et les traditions du genre pour le monde moderne, Lone Star de John Sayles est un conte sombre et multicouche qui représente un point culminant de la carrière de son scénariste-réalisateur. En apparence un mystère de meurtre qui se déroule en deux périodes, le récit de grande envergure de Lone Star englobe toute l’histoire sociale troublée des États-Unis.

Situé dans la ville fictive frontalière Texas-Mexique de Frontera, le catalyseur narratif de Lone Star est la découverte des restes d’un ancien shérif disparu à la fin des années 1950.Des individus, des familles et des personnalités officielles de la population diversifiée de Frontera, composée de Caucasiens, d’Amérindiens et d’Afro-Américains et d’immigrants mexicains, sont entraînés dans les enquêtes ultérieures. Leurs souvenirs divergents du passé reflètent ostensiblement à quel point l’histoire n’est jamais claire et que les différences culturelles et les tensions sociales ne sont jamais loin de la surface de la vie moderne en Amérique.

Larmes du Tigre Noir (2000)

Réalisateur Wisit Sasanatieng

Larmes du Tigre Noir (2000)

Malgré le fait qu’il soit le premier film thaïlandais à être sélectionné en compétition à la Cannes, en 2001, le western plus grand que nature de Wisit Sasanatieng a fait un flop au box-office local. D’autres ignominies ont suivi lorsque son distributeur américain, Miramax Films, a d’abord falsifié puis mis le film en veilleuse jusqu’à ce que Magnolia Pictures l’achète en 2006. Les larmes de l’échec du Tigre noir à la maison et de la mauvaise gestion subséquente à l’étranger rendent le film souvent inspiré de Sasanatieng un mauvais service, car son mélange de récit traditionnel, de palette visuelle couleur bonbon et de tirs de Peckinpah en font une montre complètement divertissante.

Le premier long métrage de Sasanatieng est une parodie ludique et un hommage joyeux à la fois au genre occidental et aux films d’action locaux de la Thaïlande.

Une histoire de flingueurs hors la loi, d’amour à travers les divisions des classes, de loyauté, de trahison et de tragédie, le premier long métrage de Sasanatieng est à la fois une parodie ludique et un hommage joyeux au genre occidental et aux films d’action locaux de la Thaïlande. Raconté en partie en flashback, et avec une bande-son qui alterne entre des cordes de type Morricone et des ballades pop thaïlandaises, c’est littéralement un western aussi coloré que vous êtes susceptible de le voir.

The Missing (2003)

Réalisateur Ron Howard

The Missing (2003)

À l’exception possible de Ransom (1996) avec Mel Gibson, The Missing est le premier film de la série entrée la plus graveleuse et la plus violente sur le CV de réalisateur de Ron Howard. Conte western classique raconté d’un point de vue révisionniste, cette adaptation du roman de Thomas Eidson, The Last Ride, publié en 1995, est un thriller dur et tendu avec un ensemble rafraîchissant de personnages principaux. En se concentrant sur les tentatives de libérer les femmes emmenées en captivité par des Amérindiens désireux de les vendre en esclavage, The Missing voit Samuel Jones, le vagabond chamaniste de Tommy Lee Jones, sa fille Maggie (Cate Blanchett) et la plus jeune petite-fille de Jones, Dot (Jenna Boyd), former un trio de sauveteurs non conventionnels et fracassants.

Angoisse familiale, soumission féminine, hostilités entre Amérindiens et colons, mysticisme et réalité sanglante se côtoient dans une représentation parfois problématique de l’Amérique de la fin du XIXe siècle. Les populations amérindiennes contemporaines ont salué l’utilisation authentique du Chiricahua, une langue Apache que les acteurs devaient maîtriser pour le film.

La Proposition (2005)

Le réalisateur John Hillcoat

La Proposition (2005)

Si, à l’exception de l’Amérique, l’histoire sociale et le terrain physique d’un pays en font un lieu de choix pour un occidental, alors L’Australie est sûrement l’endroit. Son passé colonial, les peuples autochtones brutalisés, les colons pionniers et les paysages inhospitaliers fournissent aux cinéastes un modèle de genre prêt à l’emploi. Outre les sorties récentes de down under comme Red Hill (2010) de Patrick Hughes et Mystery Road (2013) d’Ivan Sen, The Proposition (2005) de John Hillcoat, qui se déroule dans l’outback au cours des années 1880, a exploité cela jusqu’au bout.

La vraisemblance sans compromis du film de Hillcoat, écrit et co-écrit par Nick Cave, collaborateur assidu du réalisateur, rappelle à quel point la vie était dure – psychologiquement et physiquement – à l’époque. Vous pourrez pratiquement goûter à la poussière, à la sueur et au sang de ce conte terriblement violent dont l’excellente distribution comprend Ray Winstone, Guy Pearce, Emily Watson et John Hurt, dans un rôle de camée particulièrement mémorable. Hillcoat et Cave ont évoqué une élégie sauvage à la naissance douloureuse de leur patrie moderne.

Les Trois Sépultures de Melquiades Estrada (2005)

Réalisateur Tommy Lee Jones

Les Trois Sépultures de Melquiades Estrada (2005)

Quelques années après avoir joué dans The Missing, Tommy Lee Jones revient au genre western, cette fois en tant qu’acteur principal et réalisateur pour la première fois. Three Burials est un conte de moralité néo-occidental intelligent et profond, librement inspiré d’une vraie tuerie à la frontière américano-mexicaine et du roman As I Lay Dying de William Faulkner paru en 1930.

Un film sur les frontières – géographiques, de classe et de richesse – Trois sépultures voit l’éleveur texan Pete Perkins de Jones prendre la loi en main après le meurtre de son ami par le patrouilleur local Mike Norton. Afin de réaliser le souhait de l’immigrant d’être enterré dans sa patrie mexicaine, Perkins, son captif Norton et le cadavre d’Estrada se sont lancés à cheval dans ce qui devient une odyssée épuisante, existentielle et parfois surréaliste. Le film a mérité à Jones le prix du meilleur acteur et l’écrivain Guillermo Arriaga (Amores Perros, 21 grammes) le prix du meilleur scénario au festival de Cannes 2005.

L’assassinat de Jesse James par le Lâche Robert Ford (2007)

Réalisateur Andrew Dominik

L’assassinat de Jesse James par le Lâche Robert Ford (2007)

Sept ans après que le réalisateur né en Nouvelle-Zélande Andrew Dominik a lancé sa carrière de manière accrocheuse avec le drame frénétique de la vraie criminalité Chopper (2000), il s’est tourné vers un autre personnage du monde réel néfaste. Le meurtre en titre du hors-la-loi notoire Jesse James aux mains de Robert Ford le 3 avril 1882 atteint le point culminant de l’adaptation épique de Dominik du roman éponyme de Ron Hansen. Bien que les deux films s’inspirent des sources des faits et du mythe, ils ne pouvaient pas être plus éloignés dans le ton et le style.

Alors que Chopper est rythmé, brouillon et tourné avec une comédie noire, L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford est étudié, mélancolique et d’une beauté à couper le souffle grâce à la cinématographie exemplaire de Roger Deakins. La véritable star du film, cependant, est Casey Affleck, qui livre une performance envoûtante en tant que Ford, une figure quelque peu pathétique qui finit par tourner son arme sur son idole.

Pas de Pays pour les Vieillards (2007)

Réalisateurs Ethan Coen, Joel Coen

Pas de Pays pour les Vieillards (2007)

Le néo-western – un sous-genre qui adhère aux traditions thématiques mais se déroule dans des contextes contemporains — s’est avéré un territoire particulièrement fructueux pour un certain nombre de cinéastes. Bad Day at Black Rock de John Sturges (1954), Bring Me the Head d’Alfredo Garcia de Sam Peckinpah (1974) et Lone Star de John Sayles (1996) sont autant d’exemples impressionnants du néo-western, et No Country for Old Men (2007) des Frères Coen est le plus bel ajout récent à la catégorie.

Maigre et musclée, l’adaptation par les Coens du roman éponyme de Cormac McCarthy en 2005 a remporté quatre Oscars, dont Celui du Meilleur film. L’intrigue élégamment clairsemée tourne autour du vol de millions de dollars d’argent à la suite d’une transaction de drogue qui s’est déroulée de manière catastrophique près de la frontière américano-mexicaine au Texas. Alors que Ed Bell, le shérif philosophique de Tommy Lee Jones, et Llewelyn Moss, le chancre audacieux de Josh Brolin, sont des personnages attachants, Anton Chigurh, le tueur à gages énigmatique et bizarre de Javier Bardem, a atteint le statut d’icône instantanée.

Meek’s Cutoff (2010)

Réalisatrice Kelly Reichardt

Meek’s Cutoff (2010)

L’une des rares réalisatrices à avoir abordé un western, Kelly Reichardt a imposé son style distinctif sur le genre avec la coupure de Meek. La préoccupation de Reichardt pour les personnages marginalisés à la recherche d’une vie meilleure et pour raconter leurs histoires à un rythme contemplatif s’est poursuivie avec ce récit d’un petit groupe de colons et de leur voyage de plus en plus périlleux à travers le Haut désert de l’Oregon.

Librement basées sur un incident réel le long de la piste de l’Oregon dans les années 1840, trois familles de colons et leur guide, le charismatique Stephen Meek (Bruce Greenwood), se retrouvent perdues et manquent de nourriture et d’eau. Ce qui aurait dû être un voyage de deux semaines se transforme en une mission de survie désespérée de cinq semaines, entraînant un changement dans la dynamique du pouvoir au sein du groupe. Clairsemée et aliénante, Meek’s Cutoff est une expérience ardue pour le spectateur qui reflète le paysage aride et les difficultés psychologiques vécues par ceux qui le traversent.

Django Unchained (2012)

Réalisateur Quentin Tarantino

Viscéral, référentiel et conflictuel sont des mots qui peuvent être appliqués à la majorité de l’œuvre de Quentin Tarantino, et Django Unchained ne fait pas exception. Comme c’est toujours le cas avec ce réalisateur très clivant, la première incursion de Tarantino dans le genre (en particulier le western spaghetti) est stylisée au nième degré. Comme beaucoup de westerns modernes plus réussis et / ou intrigants, les idiosyncrasies de Tarantino ont été portées sur le genre, plutôt que le réalisateur soit redevable de ses traditions thématiques et de ses conventions narratives.

Inspiré par Django (1966) et Le Grand Silence (1968) de Sergio Corbucci ainsi que par l’adaptation en 1975 du roman Mandingo de Kyle Onstott (Richard Fleischer), Django Unchained aborde l’histoire honteuse de l’esclavage dans le Sud profond à l’époque d’antebellum. Plutôt que de banaliser ses problèmes, Django Unchained les a ramenés dans l’esprit de la conscience publique d’une manière sinistre et féroce qu’il était impossible d’ignorer.