¿Cuáles son las tomas, ángulos y movimientos de cámara esenciales que un cineasta debe conocer? Aquí están:

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Más que cualquier otra cosa, una buena cinematografía consiste en elegir las tomas correctas para tu proyecto. Aunque hay prácticamente una infinita variedad de tomas para elegir, podemos dividirlas en categorías básicas. En este artículo,veremos las 15 tomas de cámara esenciales que necesita conocer y las dividiremos en tres grupos:

• Tamaños de toma
• Ángulos de cámara
• Movimientos de cámara

Una vez que comprenda los principios básicos de cada tipo de toma, puede usarlos como bloques de construcción para hacer combinaciones más interesantes.

Tamaños de toma

El tamaño de toma se refiere a cuán grande o pequeño es el fotograma en relación con el sujeto. ¿Su personaje llena el marco o está tan lejos como para ser casi invisible? ¿Qué más se ve en tu toma?Varios personajes? ¿Objetos? Paisajes?

Veamos los 5 tamaños de toma más importantes y veamos cómo funcionan:

Primer plano (CU)

El primer plano es uno de los tamaños de toma más comunes en el cine. Se usa cuando quieres resaltar los rasgos faciales de tu personaje sin otras distracciones en la toma. Un primer plano típico muestra la cara del personaje desde la frente hasta la barbilla.

Sin embargo, hay espacio para algunas variaciones. Una subida extrema va más allá, a menudo mostrando nada más que los ojos del personaje. Piense en un western clásico en el que dos personajes se miran fijamente antes de un duelo. Esta toma atrae la atención del espectador hacia los rasgos y expresiones faciales que se perderían en una toma amplia.

Tiro largo (LS)

Un tiro largo es en cierto modo el opuesto de un primer plano. Muestra todo el cuerpo del personaje en el marco, desde la cabeza hasta los pies. Esto le da al espectador una mejor idea de los alrededores del sujeto, y transmite información que se perdería en un primer plano.

Las imágenes largas se usan a menudo en escenas de acción, cuando es importante ver cómo se mueve el personaje a través de su entorno. Puedes cortar desde ese primer plano de tus dos personajes en duelo hasta una toma larga que muestre hasta qué punto están uno del otro, dando al espectador una mejor perspectiva de la escena.

Una variación de esta toma es una toma extremadamente larga, en la que el personaje está tan lejos que casi se pierde en el fotograma o está oscurecido por su entorno. Piensa en un personaje cabalgando hacia la puesta de sol, haciéndose más pequeño a medida que se aleja de la cámara.

Tiro medio (MS)

El tiro medio o medio está entre un primer plano y un tiro largo. Una toma típica del medio muestra al sujeto desde la cabeza hasta la cintura. Es lo suficientemente cercano como para que aún puedas ver su cara, al tiempo que incluyes parte de su lenguaje corporal.

Puede usar este disparo cuando un personaje lleva un objeto o apunta un arma.O bien, si están sentados en un escritorio, puedes mostrarles que escriben en un libro, mientras se esconden desperdiciando valioso espacio en la pantalla en sus pies o rodillas.

También es útil cuando un personaje se mueve a través del fotograma, ya que contiene suficiente información de fondo para que el espectador no se desoriente.

Una, dos, tres tomas

Otra forma de categorizar una toma es por el número de personas en el fotograma. Lo llamamos un solo disparo, un disparo de dos o un disparo de tres, dependiendo de cuántas personas estén en él.

Normalmente, combinarás esto con uno de los otros tamaños de toma que ya hemos visto.Por ejemplo, puedes usar un primer plano de dos tomas para una escena de dos personajes. Tres personajes en una oficina podrían requerir una toma mediana de tres.

POV

Finalmente, está la toma de POV o punto de vista. Esto se usa cuando quieres que el espectador vea lo que está viendo el personaje o sienta lo que siente. Puede ser una toma estática o puedes combinarla con una de las cámaras que veremos más adelante.

Ángulos de cámara

La siguiente categoría que veremos es Ángulo de cámara. Una vez que haya decidido el tamaño de la toma, puede agregar un poco más de perspectiva a su toma eligiendo un ángulo. El ángulo de la cámara puede ayudarte a crear una sensación de miedo, empatía o desorientación en el espectador.

A nivel de los ojos

El ángulo de cámara más neutro es la toma a nivel de los ojos. La cámara apunta hacia adelante aproximadamente al mismo nivel que la cara del sujeto. Así es como filmarías una escena de entrevista si quisieras mantener un sentido de objetividad.

El objetivo es dejar que el espectador siga la acción sin manipular sus movimientos. Si bien se llama «nivel de los ojos», no tiene que ser una imagen de la cara del personaje. Puede obtener una toma a nivel de los ojos de un objeto manteniendo el ángulo aneutral de la cámara.

Ángulo bajo

Una toma de ángulo bajo añade algo de subjetividad a la escena. En lugar de mirar hacia adelante, la cámara mira hacia el sujeto desde un ángulo bajo. Esto puede hacer que un personaje parezca amenazante, dominante o en una posición de poder en relación con otro personaje.

Al igual que con algunas de las otras tomas que hemos visto, puedes variar la intensidad de la misma. Un ángulo bajo de luz se puede usar para transmitir un sentido de autoridad, como un maestro que mira hacia abajo a un estudiante. Se puede usar un disparo de ángulo extremadamente bajo para mostrar a un monstruo como Godzilla o King Kong atacando a otros personajes.

Ángulo alto

El elemento secundario de la toma de ángulo bajo es la toma de ángulo alto, que crea la impresión opuesta y hace que el sujeto de la cámara parezca pequeño. Por ejemplo, una toma del POV de King Kong podría apuntar hacia abajo desde un ángulo más alto para mostrar lo impotentes que son los personajes en relación con él.

También puedes llevar esto al extremo con una vista panorámica o a vista de pájaro. Este disparo mira hacia abajo al personaje desde arriba y se puede usar en interiores o en puertas. Por ejemplo, usted podría mirar hacia abajo a su sujeto que entra en una iglesia o un estadio.

O bien, puedes usar esto para mostrar a tu personaje huyendo de un helicóptero, en cuyo caso sería una toma aérea o una toma de adrone.

Ángulo holandés

Un ángulo holandés es una de las formas más comunes de transmitir desorientación. Para esta toma, simplemente incline la cámara a un lado para que no esté nivelada con el horizonte. Puedes usar esta toma para mostrar a un personaje borracho tropezando por la calle, o en una película de terror para dar la impresión de que las paredes de una casa embrujada se están cerrando.

Por encima del hombro (OTS)

Una toma por encima del hombro es otro anglo que puede cambiar la percepción del espectador de la escena. Una toma de OTS generalmente es un acercamiento de la cara de otro personaje desde «sobre el hombro» de otro personaje y se usa para transmitir conflicto o confrontación.

También puedes usar un plano ancho de OTS para mostrar a un personaje mirando hacia un paisaje o moviéndose a través de una secuencia de acción, cuando no quieras usar aPOV.

Movimiento de cámara

La tercera categoría que veremos es movimiento de cámara o movimiento. La mayoría de los tamaños y ángulos de captura que hemos visto se pueden usar como tomas estáticas o en movimiento. Al agregar movimiento a una escena, puede moverse fácilmente entre los ángulos de la cámara, a veces incluso dentro de la misma toma. Echemos un vistazo a 5 movimientos de cámara comunes aquí:

Pan o tilt

El movimiento de cámara más sencillo es un pan o tilt. Una panorámica es cuando mantienes la cámara en un solo lugar y la giras hacia el lado, y una inclinación es cuando giras hacia arriba o hacia abajo.

Si su cámara está en un trípode, simplemente puede girar la cabeza del trípode, del mismo modo que giraría la cabeza hacia un lado para obtener una nueva perspectiva en una escena. Si un sujeto se levanta, puede convertir una toma a nivel de los ojos en un ángulo bajo inclinando la cámara hacia arriba a medida que se elevan.

Una inclinación de panor también es una buena oportunidad para experimentar con la velocidad. Puedes pasar un minuto recorriendo lentamente de izquierda a derecha para mostrar una habitación o un paisaje, o puedes hacer una panorámica con látigo,en la que el movimiento ocurre tan rápido que se vuelve borroso.

Tracking shot, dolly shot, orcrane shot

La clave para una panorámica o inclinación es que la cámara en sí no se mueve, por lo que el espectador se siente principalmente como un espectador. Si quieres moverte con un sujeto y hacer que el espectador se sienta como una parte de la acción, puedes usar un disparo de seguimiento, un disparo de dolly o un disparo de grúa.

Normalmente, un disparo de seguimiento se mueve hacia los lados, un disparo de carro se mueve hacia adelante o hacia atrás, y un disparo de acrano se mueve hacia arriba o hacia abajo. Dependiendo de su equipo, puede usar estos movimientos por separado o combinarlos para moverse en múltiples ejes a la vez.

Zoom

Una toma de zoom se mueve dentro o fuera del fotograma utilizando un objetivo zoom en lugar de mover la cámara. Puedes convertir un tiro medio en un primer plano acercándote lentamente a la cara de un sujeto mientras entregan un monólogo emocional. O puedes alejar el zoom para revelar un personaje u objeto que no estaba previamente en el fotograma.

Un zoom puede ser lento y sutil para que el espectador apenas note que sucede, o puede ser más obvio darle a la toma un estilo cinemaverite.

Movimiento aleatorio

El movimiento aleatorio se utiliza para crear energía e intensidad, particularmente en una escena de acción. Piense en la Identidad de Bourne, en la que la cámara rebota tan rápidamente que el sujeto de la escena ni siquiera siempre está enmarcado en la toma.

Mientras que el movimiento casero puede ser efectivo para crear una sensación de desorientación, a veces puede ser demasiado efectivo, dejando a los espectadores mareados y confundidos.

Movimiento de 360 grados

El último tipo de movimiento que veremos es el movimiento de 360 grados, en el que la cámara se mueve completamente alrededor del sujeto de la toma.Estas tomas pueden ser difíciles de hacer en sets de película grandes, porque requieren ocultar a la tripulación y el equipo de la vista, pero son más comunes en los días de las cámaras fijas y CGI.

The Matrix utilizó una configuración de cámara especial para sus escenas de pelea de 360 grados, pero también puede usar una cámara portátil o un dron.

Movimiento compuesto

Lo mejor del movimiento de la cámara es que no tienes que restringirlo a una sola vez. Puede combinar movimientos para moverse en múltiples dimensiones una vez y crear tomas más complejas. Veamos dos tomas compuestas populares:

Dolly zoom

El dolly zoom se utiliza para crear una sensación de vértigo o malestar. Fue utilizado en las famosas obras de Alfred Hitchcock Vertigo y Steven Spielberg Jaws. En esta toma, la cámara se mueve hacia adelante o hacia atrás, mientras que el objetivo se acerca en la dirección opuesta.

Toma única

Una toma única combina movimientos múltiples, tamaños de toma y ángulos en una toma extendida. En lugar de cortar de una toma larga a un primer plano, por ejemplo, la cámara puede rastrear, hacer zoom, desplazarse e inclinarse entre una variedad de tomas diferentes.

Esto puede ser lo más difícil de hacer bien, pero es una manera efectiva de orientar a los espectadores a un nuevo entorno, como con la toma de apertura en Goodfellas. También puede dar un toque teatral a una película, como en Birdman, que se hace para que parezca un tiro muy largo.

Pruébalo tú mismo

Estas son 15 de las tomas de cámara, ángulos y movimientos más esenciales en la filmación, pero recuerda que se pueden combinar de un número infinito de maneras.

Aquí hay una gráfica sencilla que he diseñado para ayudarte a crear tomas más creativas.Comience eligiendo un ángulo de cámara de la primera columna, un tamaño de disparo de la segunda y un movimiento de la tercera.

Pruebe algunas combinaciones diferentes y no tenga miedo de experimentar y ver qué funciona mejor para su escena. Siempre puedes obtener unas cuantas tomas diferentes en el set y decidir cuál te gusta más en la sala de edición.

Antes de mucho tiempo, podrás guardar el gráfico y confiar en tus instintos. Después de que hayas hecho esto muchas veces, comenzará a convertirse en una segunda naturaleza para ti.

TL; DR

He dividido 15 tomas de cámara esenciales en tres grupos de 5 cada uno: Ángulos, Tamaños de Disparo y Movimiento. Juntos, pueden crear una combinación infinita de tomas para sus proyectos de película.

Ángulos de cámara

1. Nivel de los ojos: puntos de la cámara en línea recta. La intención es ser objetivo.
2. Ángulo bajo: la cámara apunta hacia arriba desde un ángulo más bajo. Hace que el tema sea dominante.
3. Ángulo alto: la cámara apunta hacia abajo desde un ángulo más alto. Hace que el sujeto sea diminuto. Una variación: Ángulo superior o vista de pájaro: caso especial cuando desea mostrar la topografía de una ubicación. Las tomas aéreas caen bajo esto.
4. Ángulo inclinado holandés. Llama la atención sobre el hecho de que no es un marco equilibrado. Algo está literalmente fuera de lugar.
5. Sobre el hombro (OTS): no es estrictamente un ángulo, pero es una toma especializada que merece su propio lugar. Confrontativo por naturaleza.

Tamaños de Disparo

1. de Cerca, características faciales y de expresión es más importante que cualquier otra cosa. Variación: Primer plano extremo-es probable que desee cortar algo para una vista aún más cercana.
2. Tiro largo: Cuando desea agregar acción y ubicación junto con el sujeto. Variaciones: Tiro largo extremo: cuando la ubicación es más importante que el personaje en ese momento.
3. Plano medio o plano medio: la mitad de una persona, aproximadamente, donde el lenguaje corporal es importante al tiempo que elimina los elementos que distraen del fondo.
4. Uno, dos tiros, tres tiros. sucesivamente. – El número de personas en el marco decide esto. Puede combinarlo con un CU, MS o LS.
5. POV-como si el público fuera el sujeto.

Movimiento de cámara

1. 360 grados: muestre el sujeto moviéndose a su alrededor.
2. Zoom: cuando quieres acercarte o alejarte más sin hacer una declaración emocional.
3. Panorámica e inclinación: cuando desee observar el espacio desde un único punto de vista, siga al sujeto para que sienta que es un espectador que observa. El movimiento ocurre en un pivote.
4. Tiro de seguimiento, grúa – carro: cuando desee seguir al sujeto y participar más en el espacio y la ubicación. El público es atraído al mundo.
5. Movimiento o movimiento aleatorio de la cámara para proporcionar energía.

Movimiento compuesto

Puede combinar el movimiento en tomas más complejas. Los dos ejemplos más populares son:

1. Zoom de Dolly o Disparo Vertigo, donde la cámara se mueve hacia adentro/hacia adentro y hacia afuera (en la dirección opuesta al movimiento de la dolly) al mismo tiempo.
2. Toma única: donde la acción es una coreografía compleja de diferentes ángulos de cámara, tamaños de toma y movimiento. El más difícil y el que consume más tiempo para lograrlo.

Eso es todo! Al usar una combinación de ángulos, tamaños de tomas y movimiento, puede crear una variedad infinita de tomas. ¡Feliz filmación!