Slow West (2015)

Hace casi un cuarto de siglo, Clint Eastwood hizo su, hasta ahora, última incursión en el género con el que se hizo famoso, cuando protagonizó, produjo y dirigió múltiples galardonados Sin perdón. Una historia oscura y violenta, el elogio de Eastwood al género occidental estaba lleno de ambigüedad moral y disipaba los mitos sobre el Viejo Oeste. En los años transcurridos desde que Unforgiven llegó a nuestras pantallas de cine, el western ha seguido interrumpiendo regularmente los horarios de estreno en cines. Es un trabajo difícil darle nueva vida a ese género más desgastado, uno cuyas luminarias incluyen nombres tan conocidos como Eastwood, John Ford, John Wayne y Sergio Leone, entre otros. Sin embargo, seguir estos pasos icónicos no ha impedido que una serie de renombrados directores convencionales, independientes e internacionales ensillen e intenten hacer precisamente eso.

Con el lanzamiento de Slow West, el primer guionista y director de John Maclean’s, una coproducción británico-estadounidense que ya está cosechando elogios en los círculos críticos, parece el momento perfecto para poner la vista en diez de los mejores westerns modernos. Ya sean de la variedad contemporánea, clásica, neo o revisionista, todos demuestran que el género todavía tiene muchos senderos nuevos y fascinantes que seguir.

Hombre muerto (1995)

Director Jim Jarmusch

Hombre muerto (1995)

Jim Jarmusch, una de las figuras de alto perfil más logradas del cine independiente estadounidense, ha propio ritmo de cine poco convencional desde hace más de tres décadas. En 1995, el director se hizo cargo de lo que entonces era su mayor proyecto presupuestado hasta la fecha, el Hombre muerto del siglo XIX. Con 9 millones de dólares para jugar y un elenco deslumbrante que incluía a Johnny Depp, Crispin Glover, John Hurt y Robert Mitchum en su papel final, Jarmusch entregó lo que podría decirse que es su película de mayor alcance narrativo.

Filmado, como lo han sido varias de las películas del director, en blanco y negro nítido y respaldado por una banda sonora verdaderamente hermosa y inquietante de Neil Young, Dead Man fue descrito por Jarmusch como un «western psicodélico». Citando la poesía de William Blake (con quien el contador de Depp convertido en pistolero comparte un nombre) y guiños a figuras de la cultura pop del siglo XX, la hipnótica pieza del período posmoderno de Jarmusch también se destacó por la profundidad de su investigación sobre los matices que diferencian a las tribus nativas americanas.

Lone Star (1996)

el Director John Sayles

Lone Star (1996)

Un año después de Jarmusch Hombre Muerto fue puesto en libertad, otro de cine independiente Estadounidense líder luces nos dio su particular toma en el género. Un neooccidental que critica y actualiza las convenciones y tradiciones del género para el mundo moderno, la estrella solitaria de John Sayles es una historia melancólica y de múltiples capas que se erige como un punto culminante en la carrera de su escritor y director. Aparentemente un misterio de asesinato que tiene lugar en dos períodos de tiempo, la narrativa de largo alcance de Lone Star abarca la historia social llena de problemas de los Estados Unidos.

Ambientado en la ciudad fronteriza ficticia de Frontera entre Texas y México, el catalizador narrativo de Lone Star es el descubrimiento de los restos de un ex Sheriff que desapareció a finales de la década de 1950. Individuos, familias y figuras oficiales de la diversa población de Frontera, compuesta por caucásicos, nativos y afroamericanos e inmigrantes mexicanos, se involucran en las investigaciones posteriores. Sus diferentes recuerdos del pasado reflejan claramente cómo la historia nunca está clara y que las diferencias culturales y las tensiones sociales nunca están lejos de la superficie de la vida moderna en Estados Unidos.

Tears of the Black Tiger (2000)

Director Wisit Sasanatieng

Tears of the Black Tiger (2000)

A pesar de ser la primera película de Tailandia en ser seleccionada para la competición en Cannes, en 2001, el western de Wisit Sasanatieng fue un fracaso en la taquilla local. Otras ignominias siguieron cuando su distribuidor estadounidense, Miramax Films, primero manipuló y luego archivó la película hasta que Magnolia Pictures la compró en 2006. El fracaso del Tigre Negro en casa y el posterior mal manejo en el extranjero hacen que la película a menudo inspirada de Sasanatieng sea un flaco favor, ya que su mezcla de narrativa tradicional, paleta visual de colores dulces y tiroteos estilo Peckinpah lo convierten en un reloj completamente entretenido.

Una historia de pistoleros fuera de la ley, amor a través de las divisiones de clase, lealtad, traición y tragedia, el largometraje debut de Sasanatieng es una parodia lúdica y un homenaje alegre tanto al género occidental como a las películas de acción de cosecha propia de Tailandia. Contada en parte en flashback, y con una banda sonora que alterna entre cuerdas tipo Morricone y baladas pop tailandesas, este es literalmente un western tan colorido como es probable que veas.

The Missing (2003)

Director Ron Howard

The Missing (2003)

Con la posible excepción de la película Ransom (1996) protagonizada por Mel Gibson, The Missing es la más atrevida y la entrada más violenta en el currículum de director de Ron Howard. Esta adaptación de la novela de Thomas Eidson de 1995 The Last Ride, un cuento clásico del oeste narrado desde un punto de vista revisionista, es un thriller duro y tenso con un refrescante conjunto de personajes principales. Centrándose en los intentos de liberar a las mujeres tomadas en cautiverio por los nativos americanos con la intención de venderlas como esclavos, The Missing ve al chamánico vagabundo de Tommy Lee Jones, Samuel Jones, a su extraña y dura hija Maggie (Cate Blanchett) y a la nieta más joven de Jones, Dot (Jenna Boyd), formar un trío de rescatadores poco convencionales y rebeldes.

Angustia familiar, subyugación femenina, hostilidades entre nativos americanos y colonos, misticismo y realidad sangrienta se codean en una, a veces, problemática representación de la América de finales del siglo XIX. Las poblaciones indígenas contemporáneas elogiaron el uso auténtico del chiricahua en la película, un idioma apache que el elenco debía dominar para la película.

The Proposition (2005)

Director John Hillcoat

The Proposition (2005)

Si, aparte de América, la historia social y el terreno físico de cualquier país lo convierten en un lugar privilegiado para un entonces Australia es sin duda el lugar. Su pasado colonial, los pueblos indígenas brutalizados, los colonos pioneros y los paisajes inhóspitos proporcionan a los cineastas una plantilla de género lista para usar. Junto con los recientes lanzamientos de Red Hill (2010) de Patrick Hughes y Mystery Road (2013) de Ivan Sen, The Proposition (2005) de John Hillcoat, que se desarrolla en el interior durante la década de 1880, explotó esto hasta la médula.

La verosimilitud sin concesiones de la película de Hillcoat, escrita y co-orquestada por el colaborador frecuente del director, Nick Cave, nos muestra lo dura que era la vida psicológica y física en ese momento. Prácticamente se puede saborear el polvo, el sudor y la sangre de este cuento tremendamente violento cuyo excelente elenco incluye a Ray Winstone, Guy Pearce, Emily Watson y John Hurt, en un cameo particularmente memorable. Hillcoat y Cave evocaron una elegía salvaje al doloroso nacimiento de su patria moderna.

Los Tres Entierros de Melquiades Estrada (2005)

Director Tommy Lee Jones

Los Tres Entierros de Melquiades Estrada (2005)

A un par de años después de protagonizar The Missing, Tommy Lee Jones regresó al género occidental, esta vez como actor principal y director por primera vez. Tres Entierros es un ser inteligente, profunda neo-western cuento moral, vagamente inspirada en la vida real una matanza en la American frontera de méxico y por William Faulkner 1930 novela de as I Lay Dying.

Una película sobre fronteras – geográficas, de clase y basadas en la riqueza-Tres entierros ve al ranchero tejano de Jones, Pete Perkins, tomar la ley en sus propias manos después del asesinato de su amigo por el patrullero fronterizo local Mike Norton. Para cumplir los deseos del inmigrante de ser enterrado en su tierra natal mexicana, Perkins, su cautivo Norton y el cadáver de Estrada partieron a caballo en lo que se convierte en una odisea agotadora, existencial y a veces surrealista. La película mereció a Jones el premio al mejor actor y al escritor Guillermo Arriaga (Amores Perros, 21 Gramos) el premio al mejor guion en el festival de cine de Cannes de 2005.

El asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford (2007)

Director Andrew Dominik

El asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford (2007)

Siete años después de que el director nacido en Nueva Zelanda, Andrew Dominik, lanzara su carrera de manera llamativa con el frenético drama de crimen real Chopper (2000), dirigió su atención a otro nefasto personaje del mundo real. El asesinato del famoso forajido Jesse James a manos de Robert Ford el 3 de abril de 1882 llega al clímax de la adaptación épica de Dominik de la novela homónima de Ron Hansen. Aunque ambas películas se basan en las fuentes de los hechos y los mitos, no podrían estar más separadas en tono y estilo.

Mientras que Chopper es de ritmo rápido, escurridizo y filmado con comedia negra, El asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford es estudiado, melancólico y asombrosamente hermoso cortesía de la fotografía ejemplar de Roger Deakins. La verdadera estrella de la película, sin embargo, es Casey Affleck, que ofrece una actuación fascinante como el ingrato Ford, una figura algo patética que finalmente apunta su arma a su ídolo.

No Country for Old Men (2007)

Directores Ethan Coen, Joel Coen

No Country for Old Men (2007)

El subgénero neo-occidental – un género que se adhiere a las tradiciones temáticas, pero tiene lugar en entornos contemporáneos, y ha demostrado ser un territorio particularmente fructífero para varios cineastas. Bad Day at Black Rock (1954) de John Sturges, Bring Me the Head of Alfredo García (1974) de Sam Peckinpah y Lone Star (1996) de John Sayles son ejemplos impresionantes del neoccidental, y No Country for Old Men (2007) de los Hermanos Coen es la mejor incorporación reciente a la categoría.

Magra y musculosa, la adaptación de los Coen de la novela del mismo nombre de Cormac McCarthy de 2005 obtuvo cuatro Premios de la Academia, incluida la Mejor Película. La trama, elegantemente escasa, gira en torno al robo de millones de dólares de dinero a raíz de un negocio de drogas que se derrumbó catastróficamente cerca de la frontera entre Estados Unidos y México en Texas. Mientras que Ed Bell, el sheriff filosófico de Tommy Lee Jones, y Llewelyn Moss, la audaz cazadora de Josh Brolin, son personajes atractivos, el enigmático y extraño asesino a sueldo de Javier Bardem, Anton Chigurh, alcanzó el estatus de icono instantáneo.

Manso s Cutoff (2010)

la Directora Kelly Reichardt

Manso s Cutoff (2010)

Una de las pocas mujeres directoras que han abordado de un occidental, Kelly Reichardt imponía su estilo distintivo en el género con Manso de Corte. La preocupación de Reichardt por las figuras marginadas en busca de una vida mejor y por contar sus historias a un ritmo contemplativo continuó con esta historia de un pequeño grupo de colonos y su viaje cada vez más peligroso a través del desierto Elevado de Oregón.

Vagamente basado en un incidente de la vida real a lo largo de la Ruta de Oregón en la década de 1840, tres familias de colonos y su guía, el carismático Stephen Meek (Bruce Greenwood), terminan perdidos y se quedan sin comida y agua. Lo que debería haber sido un viaje de dos semanas se convierte en una desesperada misión de supervivencia de cinco semanas, lo que lleva a un cambio en la dinámica de poder dentro del grupo. Escaso y alienante, el corte de Manso es una experiencia adecuadamente ardua para el espectador que refleja el paisaje árido y las dificultades psicológicas experimentadas por quienes lo cruzan.

Django Unchained (2012)

Director Quentin Tarantino

Visceral, referencial y confrontacional son palabras que se pueden aplicar a la mayoría de la obra de Quentin Tarantino, y Django Unchained no es una excepción. Como siempre es el caso de este director altamente divisivo, la primera incursión de Tarantino en el género (específicamente el spaghetti western) está estilizada al enésimo grado. Al igual que muchos de los westerns modernos más exitosos y/o intrigantes, la idiosincrasia de Tarantino influyó en el género, en lugar de que el director estuviera en deuda con sus tradiciones temáticas y convenciones narrativas.Inspirado en Django (1966) de Sergio Corbucci y El Gran Silencio (1968), así como en la adaptación de 1975 de la novela Mandingo (Richard Fleischer) de Kyle Onstott, Django Unchained aborda la vergonzosa historia de la esclavitud en el Sur Profundo durante la era anterior a la guerra. En lugar de trivializar sus problemas, Django Desencadenado los trajo de vuelta a la mente de la conciencia pública de una manera espeluznante y feroz que era imposible ignorar.