Frühe Jahre und Hilla RebayEdit

Solomon R. Guggenheim, Mitglied einer wohlhabenden Bergbaufamilie, sammelte seit den 1890er Jahren Werke der alten Meister. 1926 lernte er die Künstlerin Hilla von Rebay kennen, die ihn in die europäische Avantgarde-Kunst einführte, insbesondere in die abstrakte Kunst, die ihrer Meinung nach einen spirituellen und utopischen Aspekt hatte (nicht objektive Kunst). Guggenheim änderte seine Sammlungsstrategie völlig und wandte sich unter anderem der Arbeit von Wassily Kandinsky zu. Er begann seine Sammlung der Öffentlichkeit in seiner Wohnung im Plaza Hotel in New York City zu zeigen. Als die Sammlung wuchs, gründete er 1937 die Solomon R. Guggenheim Foundation, um die Wertschätzung moderner Kunst zu fördern.

The Museum of Non-Objective PaintingEdit

Der erste Ausstellungsort der Stiftung für Kunst, das „Museum of Non-Objective Painting“, wurde 1939 unter der Leitung von von Rebay, in Midtown Manhattan. Unter Rebays Leitung versuchte Guggenheim, die wichtigsten Beispiele nicht objektiver Kunst, die zu dieser Zeit von frühen Modernisten wie Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger, Amedeo Modigliani und Pablo Picasso verfügbar waren, in die Sammlung aufzunehmen.

In den frühen 1940er Jahren hatte die Stiftung eine so große Sammlung avantgardistischer Gemälde angesammelt, dass die Notwendigkeit eines permanenten Museumsgebäudes offensichtlich wurde. 1943 schrieben Rebay und Guggenheim einen Brief an Frank Lloyd Wright und baten ihn, eine Struktur für die Unterbringung und Ausstellung der Sammlung zu entwerfen. Wright nutzte die Gelegenheit, um mit seinem organischen Stil in einer urbanen Umgebung zu experimentieren. Er brauchte 15 Jahre, 700 Skizzen und sechs Arbeitszeichnungen, um das Museum zu schaffen.1948 wurde die Sammlung durch den Ankauf des Nachlasses des Kunsthändlers Karl Nierendorf mit rund 730 Objekten, insbesondere deutschen expressionistischen Gemälden, erheblich erweitert. Zu dieser Zeit umfasste die Sammlung der Stiftung ein breites Spektrum expressionistischer und surrealistischer Werke, darunter Gemälde von Paul Klee, Oskar Kokoschka und Joan Miró. Nach Guggenheims Tod im Jahr 1949 hatten Mitglieder der Guggenheim-Familie, die im Verwaltungsrat der Stiftung saßen, persönliche und philosophische Differenzen mit Rebay, und 1952 trat sie als Direktorin des Museums zurück. Dennoch hinterließ sie der Stiftung in ihrem Testament einen Teil ihrer persönlichen Sammlung, darunter Werke von Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian und Kurt Schwitters. Das Museum wurde 1952 in Solomon R. Guggenheim Museum umbenannt.

DesignEdit

Rebay konzipierte den Raum als „Tempel des Geistes“, der eine neue Sichtweise auf die modernen Stücke der Kollektion ermöglichen würde. Sie schrieb an Wright, dass „jedes dieser großen Meisterwerke im Weltraum organisiert werden sollte, und nur Sie … würde die Möglichkeiten testen, dies zu tun. … Ich will einen Tempel des Geistes, ein Denkmal! Der Kritiker Paul Goldberger schrieb später, dass es vor Wrights modernistischem Gebäude „nur zwei gängige Modelle für das Museumsdesign gab: den Beaux-Arts-Palast … und der Pavillon im internationalen Stil.“ Goldberger hielt das Gebäude für einen Katalysator des Wandels und machte es für einen Architekten „sozial und kulturell akzeptabel, ein ausdrucksstarkes, sehr persönliches Museum zu entwerfen. In diesem Sinne ist fast jedes Museum unserer Zeit ein Kind des Guggenheim.“

Von 1943 bis Anfang 1944 fertigte Wright vier verschiedene Skizzen für den ursprünglichen Entwurf an. Während einer der Pläne (Schema C) eine sechseckige Form und ebene Böden für die Galerien hatte, hatten alle anderen kreisförmige Pläne und verwendeten eine Rampe, die sich um das Gebäude fortsetzte. Er hatte 1948 im V. C. Morris Gift Shop in San Francisco mit dem Rampendesign experimentiert und 1952 das David and Gladys Wright House in Arizona für seinen Sohn fertiggestellt. Wrights ursprüngliches Konzept wurde als umgekehrte „Zikkurat“ bezeichnet, da es den steilen Stufen der im alten Mesopotamien gebauten Zikkuraten ähnelte. Sein Entwurf verzichtete auf den konventionellen Ansatz des Museumslayouts, bei dem die Besucher durch eine Reihe miteinander verbundener Räume geführt und beim Verlassen gezwungen werden, ihre Schritte zurückzuverfolgen. Wrights Plan war es, dass die Museumsgäste mit dem Aufzug zur Spitze des Gebäudes fahren, gemächlich den sanften Hang der durchgehenden Rampe hinabsteigen und das Atrium des Gebäudes als letztes Kunstwerk betrachten. Die offene Rotunde bot den Betrachtern die einzigartige Möglichkeit, mehrere Arbeitsbereiche auf verschiedenen Ebenen gleichzeitig zu sehen und sogar mit Gästen auf anderen Ebenen zu interagieren.Zur gleichen Zeit, bevor sie sich auf dem Gelände für das Museum an der Ecke der 89th Street und der Museum Mile Abschnitt der Fifth Avenue, mit Blick auf den Central Park, Wright, Rebay und Guggenheim als zahlreiche Standorte in Manhattan, sowie in der Riverdale Abschnitt der Bronx, mit Blick auf den Hudson River. Guggenheim hielt die Nähe zum Central Park für wichtig; Der Park bot Entlastung von Lärm, Staus und Beton der Stadt. Auch die Natur inspirierte das Museum. Das Gebäude verkörpert Wrights Versuche, „die inhärente Plastizität organischer Formen in der Architektur wiederzugeben“. Das Guggenheim sollte das einzige von Wright entworfene Museum sein. Die Lage in der Stadt verlangte von Wright, das Gebäude eher vertikal als horizontal zu gestalten, ganz anders als seine früheren, ländlichen Arbeiten.

Das spiralförmige Design erinnerte an eine Nautilus-Muschel mit durchgehenden Räumen, die frei ineinander fließen. Auch wenn es die Natur umarmte, drückt Wrights Design auch seine Sicht auf die starre Geometrie der modernistischen Architektur aus. Wright schrieb den Formen des Gebäudes eine symbolische Bedeutung zu. Er erklärte: „Diese geometrischen Formen suggerieren bestimmte menschliche Ideen, Stimmungen, Gefühle – wie zum Beispiel: der Kreis, Unendlichkeit; das Dreieck, strukturelle Einheit; die Spirale, organischer Fortschritt; das Quadrat, Integrität.“ Formen spiegeln sich durchweg wider: Ovale Säulen zum Beispiel wiederholen die Geometrie des Brunnens. Zirkularität ist das Leitmotiv, von der Rotunde bis zur eingelegten Gestaltung der Terrazzoböden. Mehrere Architekturprofessoren haben spekuliert, dass die von Giuseppe Momo 1932 in den Vatikanischen Museen entworfene Doppelwendeltreppe eine Inspiration für Wrights Rampe und Atrium war. Jaroslav Josef Polívka unterstützte Wright bei der Tragwerksplanung und schaffte es, die Galerierampe ohne umlaufende Säulen zu entwerfen.

Die Oberfläche des Guggenheims wurde aus Beton hergestellt, um die Kosten zu senken, was der von Wright gewünschten Steinoberfläche unterlegen war. Wright schlug ein rotes Äußeres vor, das nie realisiert wurde. Die kleine Rotunde (oder „Monitor Building“, wie Wright es nannte) neben der großen Rotunde sollte Wohnungen für Rebay und Guggenheim beherbergen, wurde aber stattdessen zu Büros und Lagerräumen. 1965 wurde der zweite Stock des Monitorgebäudes renoviert, um die wachsende ständige Sammlung des Museums zu zeigen, und mit der Restaurierung des Museums in den Jahren 1990-92 wurde es vollständig in Ausstellungsräume umgewandelt und das Thannhauser-Gebäude zu Ehren eines der wichtigsten Nachlässe des Museums getauft. Wrights ursprünglicher Plan für einen angrenzenden Turm, Künstlerateliers und Wohnungen blieb weitgehend aus finanziellen Gründen bis zur Renovierung und Erweiterung unrealisiert. Auch in der ursprünglichen Konstruktion war das Oberlicht der Hauptgalerie abgedeckt worden, was Wrights sorgfältig artikulierte Lichteffekte beeinträchtigte. Dies änderte sich 1992, als das Oberlicht in seinem ursprünglichen Design wiederhergestellt wurde.

Sweeney Jahre und Fertigstellung des Bauesbearbeiten

1953 wurden die Sammelkriterien der Stiftung unter ihrem neuen Direktor James Johnson Sweeney erweitert. Sweeney lehnte Rebays Ablehnung der „objektiven“ Malerei und Skulptur ab und erwarb bald Constantin Brâncușis Adam und Eva (1921), gefolgt von Werken anderer modernistischer Bildhauer, darunter Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti und David Smith. Sweeney griff über das 20.Jahrhundert hinaus, um Paul Cézannes Mann mit verschränkten Armen (um 1899) zu erwerben. Im selben Jahr erhielt die Stiftung auch ein Geschenk von 28 wichtigen Werken aus dem Nachlass von Katherine S. Dreier, einer Gründerin von Amerikas erster Sammlung, die als Museum für moderne Kunst bezeichnet wurde, der Société Anonyme. Dreier war ein Kollege von Rebay gewesen. Zu den Werken gehörten Little French Girl (1914-18) von Brâncuși, ein Stillleben ohne Titel (1916) von Juan Gris, eine Bronzeskulptur (1919) von Alexander Archipenko und drei Collagen (1919-21) des deutschen Hannoveraner Dadaisten Schwitters. Es umfasste auch Werke von Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky und Mondrian. Sweeney erwarb unter anderem auch Werke von Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning und Jackson Pollock.Sweeney beaufsichtigte das letzte halbe Dutzend Jahre des Baus des Museumsgebäudes, während dieser Zeit hatte er eine antagonistische Beziehung zu Frank Lloyd Wright, insbesondere in Bezug auf die Beleuchtungsprobleme des Gebäudes. Das markante zylindrische Gebäude erwies sich als Wrights letztes großes Werk, da der Architekt sechs Monate vor seiner Eröffnung starb. Von der Straße aus sieht das Gebäude aus wie ein weißes Band, das zu einem zylindrischen Stapel zusammengerollt ist, der oben breiter als unten ist und fast alle gekrümmten Oberflächen aufweist. Sein Aussehen steht in scharfem Kontrast zu den typisch rechteckigen Gebäuden in Manhattan, die es umgeben, eine Tatsache, die Wright genoss, der behauptete, sein Museum würde das nahe gelegene Metropolitan Museum of Art „wie eine protestantische Scheune aussehen“ lassen. Im Inneren bildet die Aussichtsgalerie eine spiralförmige Rampe, die sanft vom Boden zum Oberlicht an der Spitze klettert.

Kritik und Eröffnung des Gebäudes

Schon vor seiner Eröffnung polarisierte der Entwurf Architekturkritiker. Einige glaubten, dass das Gebäude die Kunstwerke des Museums überschatten würde. „Im Gegenteil“, schrieb der Architekt, macht der Entwurf „das Gebäude und das Gemälde zu einer ununterbrochenen, schönen Symphonie, wie sie es in der Welt der Kunst noch nie gegeben hat.“ Andere Kritiker und viele Künstler hielten es für umständlich, Gemälde in den flachen, fensterlosen, konkaven Ausstellungsnischen, die die zentrale Spirale umgeben, richtig aufzuhängen. Vor der Eröffnung des Museums unterzeichneten einundzwanzig Künstler einen Brief, in dem sie gegen die Ausstellung ihrer Werke in einem solchen Raum protestierten. Der Historiker Lewis Mumford fasste die Schmähung zusammen:

Wright hat den Gemälden und Skulpturen nur so viel Raum eingeräumt, wie seine abstrakte Komposition nicht beeinträchtigen würde. … schuf eine Hülle, deren Form keinen Bezug zu ihrer Funktion hat und die keine Möglichkeit bietet, in Zukunft von seinen starren Vorurteilen abzuweichen. hat, für ein Museum, eine niedrige Decke – neun Fuß acht Zoll schräg nach außen, nach der äußeren Neigung der Außenwand, und Gemälde sollten nicht vertikal aufgehängt oder in ihrer wahren Ebene gezeigt werden, sondern sollten dagegen gekippt werden. … Noch entgeht das Licht, das in seinen Augen aus den engen Schlitzen in der Wand scheint.

Am 21.Oktober 1959, zehn Jahre nach dem Tod von Solomon Guggenheim und sechs Monate nach dem Tod von Frank Lloyd Wright, öffnete das Museum erstmals seine Türen für große Menschenmengen. Das Gebäude wurde weithin gelobt und inspirierte viele andere Architekten.

Messer JahreBearbeiten

Thomas M. Messer folgte Sweeney 1961 als Direktor des Museums (aber nicht der Stiftung) und blieb 27 Jahre lang, die längste Amtszeit aller Direktoren der großen Kunstinstitutionen der Stadt. Als Messer übernahm, war die Fähigkeit des Museums, Kunst überhaupt zu präsentieren, aufgrund der Herausforderungen einer spiralförmigen Rampengalerie, die sowohl geneigt ist als auch nicht vertikal gekrümmte Wände aufweist, immer noch zweifelhaft. Es ist schwierig, Gemälde in den flachen, fensterlosen Ausstellungsnischen, die die zentrale Spirale umgeben, richtig aufzuhängen: Leinwände müssen von der Wandoberfläche angehoben montiert werden. Gemälde, die schräg hinten hingen, würden „wie auf der Staffelei des Künstlers“ erscheinen. In den Nischen ist der Platz für Skulpturen begrenzt.

Fast sofort, 1962, ging Messer das Risiko ein, eine große Ausstellung zu veranstalten, in der die Gemälde des Guggenheim mit Skulpturen aus der Hirshhorn-Sammlung kombiniert wurden. Insbesondere die dreidimensionale Skulptur warf „das Problem auf, eine solche Show in einem Museum zu installieren, das der kreisförmigen Geographie der Hölle so nahe kommt“, wo jedes vertikale Objekt in einem „betrunkenen Stich“ geneigt erscheint, weil die Neigung des Bodens und die Krümmung der Wände könnten sich zu ärgerlichen optischen Täuschungen verbinden. Es stellte sich heraus, dass die Kombination im Guggenheim-Raum gut funktionieren könnte, aber Messer erinnerte sich damals: „Ich hatte Angst. Ich hatte das Gefühl, dass dies meine letzte Ausstellung sein würde.“ Messer hatte die Voraussicht, sich vorzubereiten, indem er im Vorjahr eine kleinere Skulpturenausstellung veranstaltete, in der er entdeckte, wie man die seltsame Geometrie des Raumes kompensieren kann, indem er spezielle Sockel in einem bestimmten Winkel konstruiert, so dass die Stücke nicht in einer echten Vertikalen waren schien es so zu sein. In der früheren Skulpturenausstellung erwies sich dieser Trick für One Piece als unmöglich, ein Alexander Calder-Handy, dessen Draht unweigerlich in einer echten Senkrechten hing, was im verwirrenden Kontext des geneigten Bodens auf eine „Halluzination“ hindeutet.

Im nächsten Jahr erwarb Messer eine Privatsammlung des Kunsthändlers Justin K. Thannhauser für die ständige Sammlung des Museums. Diese 73 Werke umfassen impressionistische, postimpressionistische und französische moderne Meisterwerke, darunter wichtige Werke von Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh und 32 Werke von Pablo Picasso. „Works and Process“ ist eine 1984 begonnene Reihe von Performances im Guggenheim. Die erste Staffel bestand aus Philip Glass mit Christopher Keene auf Akhnaten und Steve Reich und Michael Tilson Thomas auf The Desert Music.

Krens und Erweiterungbearbeiten

Thomas Krens, Direktor der Stiftung von 1988 bis 2008, leitete eine rasche Erweiterung der Sammlungen des Museums. 1991 erweiterte er seine Bestände durch den Erwerb der Panza-Sammlung. Die von Graf Giuseppe di Biumo und seiner Frau Giovanna zusammengestellte Panza-Sammlung umfasst Beispiele minimalistischer Skulpturen von Carl Andre, Dan Flavin und Donald Judd sowie minimalistische Gemälde von Robert Mangold, Brice Marden und Robert Ryman sowie eine Reihe postminimaler, konzeptueller und Wahrnehmungskunst von Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner und anderen, insbesondere amerikanische Beispiele der 1960er und 1970er Jahre. 1992 schenkte die Robert Mapplethorpe Foundation 200 seiner Werke beste Fotos für die Stiftung. Die Arbeiten umfassten sein gesamtes Schaffen, von seinen frühen Collagen, Polaroids, Porträts von Prominenten, Selbstporträts, männlichen und weiblichen Akten, Blumen und Statuen. Es zeigte auch Mixed-Media-Konstruktionen und enthielt sein bekanntes Selbstporträt von 1998. Die Akquisition initiierte das Fotoausstellungsprogramm der Stiftung.Ebenfalls 1992 wurde der Ausstellungs- und andere Raum des New York Museum Building um einen angrenzenden rechteckigen Turm erweitert, der hinter und höher als die ursprüngliche Spirale steht, und das ursprüngliche Gebäude wurde renoviert. Der neue Turm wurde vom Architekturbüro Gwathmey Siegel & Associates Architects entworfen, das Wrights Originalskizzen analysierte, als sie den 10-stöckigen Kalksteinturm entwarfen, der eine viel kleinere Struktur ersetzte. Es verfügt über vier zusätzliche Ausstellungsgalerien mit flachen Wänden, die „besser für die Ausstellung von Kunst geeignet“ sind. Bei der ursprünglichen Konstruktion des Gebäudes war das Oberlicht der Hauptgalerie abgedeckt worden, was Wrights sorgfältig artikulierte Lichteffekte beeinträchtigte. Dies änderte sich 1992, als das Oberlicht in seinem ursprünglichen Design wiederhergestellt wurde.

Um diese Bewegungen zu finanzieren, verkaufte die Stiftung kontrovers Werke von Kandinsky, Chagall und Modigliani, um 47 Millionen Dollar zu sammeln, was erhebliche Kritik für den Handel mit Meistern für „trendige“ Nachzügler hervorrief. In der New York Times schrieb der Kritiker Michael Kimmelman, dass die Verkäufe „die akzeptierten Regeln der Deaccessioning weiter ausgedehnt haben, als viele amerikanische Institutionen bereit waren zu tun.“ Krens verteidigte die Aktion als im Einklang mit den Grundsätzen des Museums, einschließlich der Erweiterung seiner internationalen Sammlung und des Aufbaus seiner „Nachkriegssammlung zur Stärke unserer Vorkriegsbestände“, und wies darauf hin, dass solche Verkäufe eine regelmäßige Praxis von Museen sind. Gleichzeitig baute er die internationale Präsenz der Stiftung aus, indem er Museen im Ausland eröffnete. Krens wurde auch wegen seines sachlichen Stils und seines wahrgenommenen Populismus und seiner Kommerzialisierung kritisiert. Ein Autor kommentierte: „Krens wurde sowohl gelobt als auch verunglimpft, weil er aus einer einst kleinen New Yorker Institution eine weltweite Marke gemacht und die erste wirklich multinationale Kunstinstitution geschaffen hat. … Krens verwandelte das Guggenheim in eine der bekanntesten Marken der Kunst.“

Unter Krens veranstaltete das Museum einige seiner beliebtesten Ausstellungen: „Afrika: Die Kunst eines Kontinents“ im Jahr 1996; „China: 5.000 Jahre“ im Jahr 1998, „Brasilien: Körper & Seele“ im Jahr 2001; und „Das Aztekenreich“ im Jahr 2004. Es hat gelegentlich ungewöhnliche Ausstellungen gezeigt, zum Beispiel kommerzielle Kunstinstallationen von Motorrädern. Das New Yorker Hilton Kramer Museum „The Art of the Motorcycle“, eine Retrospektive von Frank Lloyd Wright aus dem Jahr 2009, zeigte den Architekten zum 50.Jahrestag der Eröffnung des Gebäudes und war das beliebteste Exponat des Museums, seit es 1992 begann, solche Besucherrekorde zu führen.

Im Jahr 2001 eröffnete das Museum das Sackler Center for Arts Education. Die 8.200 Quadratmeter (760 m2) große Anlage bietet Kurse und Vorträge über die visuellen und darstellenden Künste sowie Möglichkeiten zur Interaktion mit den Sammlungen und Sonderausstellungen des Museums durch Labore, Ausstellungsräume, Konferenzräume und das Peter B. Lewis Theater mit 266 Sitzplätzen. Es befindet sich auf der unteren Ebene des Museums, unterhalb der großen Rotunde und war ein Geschenk der Familie Mortimer D. Sackler. Ebenfalls im Jahr 2001 erhielt die Stiftung ein Geschenk der großen Sammlung der Bohen-Stiftung, die zwei Jahrzehnte lang neue Kunstwerke mit den Schwerpunkten Film, Video, Fotografie und neue Medien in Auftrag gab. Künstler in der Sammlung sind Pierre Huyghe und Sophie Calle.

Außenrestaurationbearbeiten

Zwischen September 2005 und Juli 2008 wurde das Guggenheim Museum einer umfangreichen Außenrestaurierung unterzogen, um Risse zu reparieren und Systeme und Außendetails zu modernisieren. In der ersten Phase dieses Projekts arbeitete ein Team von Restaurierungsarchitekten, Statikern und Architekturkonservatoren zusammen, um eine umfassende Bewertung des Zustands des Gebäudes zu erstellen, die die Struktur als grundlegend solide feststellte. Diese erste Zustandsbewertung umfasste:

• das Entfernen von Farbe von der ursprünglichen Oberfläche, wobei Hunderte von Rissen sichtbar wurden, die im Laufe der Jahre hauptsächlich durch saisonale Temperaturschwankungen verursacht wurden;
• detaillierte Überwachung der Bewegung ausgewählter Risse über 17 Monate;
• Impact-Echo-Technologie, bei der Schallwellen in den Beton gesendet werden und der Rückprall gemessen wird, um Hohlräume in den Wänden zu lokalisieren;
• Laseruntersuchungen der Außen- und Innenflächen, vermutlich das größte jemals erstellte Lasermodell;
• Kernbohrungen, um Proben des ursprünglichen Betons und anderer Baumaterialien zu sammeln; und
• Prüfung potenzieller Reparaturmaterialien.

Ein Großteil des Inneren des Gebäudes wurde während der Renovierung und Hinzufügung 1992 von Gwathmey Siegel and Associates Architects restauriert. Die Restaurierung 2005-2008 befasste sich hauptsächlich mit dem Äußeren des ursprünglichen Gebäudes und der Infrastruktur. Dazu gehörten die Oberlichter, Fenster, Türen, Beton- und Gunite-Fassaden und der äußere Bürgersteig sowie die Klimatisierung. Ziel war es, so viel bedeutendes historisches Gewebe des Museums wie möglich zu erhalten, notwendige Reparaturen durchzuführen und ein geeignetes Umfeld für die weitere Nutzung des Gebäudes als Museum zu schaffen.

Am 22.September 2008 feierte das Guggenheim den Abschluss eines dreijährigen Restaurierungsprojekts. Der Bürgermeister von New York City, Michael Bloomberg, nahm an der Feier teil, die mit der Premiere von Jenny Holzers Hommage an das Guggenheim gipfelte, einem Werk, das zu Ehren von Peter B. Lewis in Auftrag gegeben wurde, der ein wichtiger Wohltäter des Restaurierungsprojekts des Museums war. Weitere Unterstützer der 29 Millionen Dollar teuren Restaurierung waren das Kuratorium der Solomon R. Guggenheim Foundation und das Kulturministerium der Stadt. Zusätzliche Unterstützung wurde vom Staat New York und der MAPEI Corporation bereitgestellt.

Letzte JahreBearbeiten

Im Jahr 2005 gewann Krens einen Streit mit dem Milliardär Philanthrop Peter B. Lewis, Vorsitzender des Verwaltungsrates der Stiftung und der größte Beitragszahler der Stiftung in ihrer Geschichte. Lewis trat aus dem Vorstand aus, um sich gegen Krens ‚Pläne für eine weitere globale Expansion der Guggenheim-Museen auszusprechen. Ebenfalls 2005 wurde Lisa Dennison, eine langjährige Guggenheim-Kuratorin, zur Direktorin des Solomon R. Guggenheim Museums in New York ernannt. Dennison trat im Juli 2007 zurück, um beim Auktionshaus Sotheby’s zu arbeiten. Die Spannungen zwischen Krens und dem Vorstand hielten an, und im Februar 2008 trat Krens als Direktor der Stiftung zurück, obwohl er weiterhin Berater für internationale Angelegenheiten ist.Richard Armstrong wurde am 4. November 2008 der fünfte Direktor des Museums. Er war 12 Jahre lang Direktor des Carnegie Museum of Art in Pittsburgh, Pennsylvania, wo er auch als Chefkurator und Kurator für zeitgenössische Kunst tätig war. Die Hauptkuratorin und stellvertretende Direktorin des Museums ist Nancy Spector.

Zusätzlich zu den ständig wachsenden Sammlungen verwaltet die Stiftung Leihausstellungen und organisiert Ausstellungen mit anderen Museen, um die Öffentlichkeitsarbeit zu fördern. Im Jahr 2013 besuchten fast 1,2 Millionen Menschen das Museum, und seine James Turrell Ausstellung war die beliebteste in New York City in Bezug auf die tägliche Besucherzahl.

2019 war Chaédria LaBouvier die erste schwarze Kuratorin, die eine Einzelausstellung schuf, und die erste schwarze Person, die einen vom Museum veröffentlichten Text schrieb. Sie beschuldigte das Museum des Rassismus, nachdem es sich geweigert hatte, sie zum Audioguide für ihre Ausstellung beitragen zu lassen, und ihr angeblich Ressourcen vorenthalten und sie von einem Panel über die Show ausgeschlossen hatte. Innerhalb eines Monats, nachdem LaBouvier diese Kritik geäußert hatte, stellte das Museum seine erste hauptberufliche schwarze Kuratorin Ashley James ein.