Er war mit großem Konsens der größte Schauspieler des 20. In einer Zeit, in der das „legitime“ Theater den Vorrang vor Filmen und das klassische Theater vor der Moderne einnahm, wechselte Laurence Olivier nahtlos zwischen beiden und überbrückte sogar die Lücke zwischen der Populärkultur und dem Shakespeare- und klassischen Dramakanon, dessen Meister er war. Sein Vermächtnis als der endgültige Heathcliff und Hamlet, seine Anerkennung sogar eine Generation später als rachsüchtiger Hahnrei in „Sleuth“ (1972) und ein rücksichtsloser Nazi-Arzt in „Marathon Man“ (1976), würde ihn 14 Oscar-Nominierungen, drei Statuen, fünf Emmys aus neun Nominierungen, zwei British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) Auszeichnungen aus 10 Nominierungen – nur ein paar Indikatoren für seine Titanic Einfluss auf sein Handwerk und in der Tat auf die westliche Kultur.Er wurde Laurence Kerr Olivier am 22.Mai 1907 in Dorking, Surrey, England, als drittes Kind von Agnes und Rev. Gerard Olivier – sie eine warme und vernarrte Frau, er ein strenger und sturer hoher anglikanischer Minister. Gerard verlegte die Familie bald in die düstere Stadtlandschaft Londons, um seine dickensischen Slums zu betreuen, obwohl sein beträchtliches Erbe „Larry“ eine Reihe von Pfarrschulen ermöglichte, darunter die „Chorschule“ der All Saints Church, die seine Vorliebe für die Künste verfeinerte und ihn im Alter von 10 Jahren Brutus in „Julius Caesar“ spielen sah. Er würde zwei Jahre später am Boden zerstört sein, als seine Mutter an einem Gehirntumor starb. Im Jahr 1922 inszenierte die Schulgesellschaft ihre Version von „The Taming of the Shrew“ bei einem Shakespeare-Geburtstagsfestival in Stratford-on-Avon, wobei Olivier Mainstream-Raves für seine Shrewish-Rolle zeichnete (in wahrer Shakespeare-Dramatik). Als nächstes besuchte er St.. Edwards in Oxford, zeigte weiterhin thespianisches Talent und, nach dem Abschluss, Sein Vater riet ihm, eine Theaterkarriere zu verfolgen.Mit 17 Jahren gewann er ein Stipendium an der Central School of Speech and Drama, begann aber bald eine zweijährige Tätigkeit bei der Birmingham Repertory Company. Dort, er traf Kollegen thespians Peggy Ashcroft, Ralph Richardson und Jill Esmond, mit wem wurde er verliebt. Sie würden alle ihren Abschluss im Londoner West End Theatre District machen. Bald wurde Olivier zu einer heißen Ware, wie seine Hauptrolle in einer grellen, überambitionierten Bühnenproduktion des französischen Fremdenlegion-Abenteuers „Beau Geste.“ 1929 überquerte er den Atlantik, um sein Broadway-Debüt in „Murder on the Second Floor“ zu geben, und traf sich wieder mit Esmond, der bei seiner Ankunft sofort seinem Heiratsantrag zustimmte. Sie heirateten 1930. Auch in diesem Jahr, Olivier erzielte eine Rolle in einem neuen Stück, „Privatleben,“Von Dramatiker Noel Coward, Wer, nach verschiedenen Berichten, entweder erfolgreich oder erfolglos bot eine sexuelle Tändelei mit Olivier an, auf jeden Fall eine lebenslange Freundschaft einweihen. Esmond schloss sich der Besetzung des Stücks für einen Broadway-Lauf Anfang 1931 an, der die Aufmerksamkeit amerikanischer Filmstudios auf sich zog.

Sie lockten das Paar nach Los Angeles, aber Oliviers drei erste Filme für RKO – er mochte nur „Westward Passage“ (1932) – trugen wenig dazu bei, die Kinokassen in Brand zu setzen. Das Paar kehrte nach Großbritannien zurück. 1933 drehten sie ihren einzigen gemeinsamen Film „No Funny Business“. MGM würde ihn zurück nach Los Angeles locken, mit einem einmaligen Projekt gegenüber Greta Garbo, aber die Grand Dame des Studios eingeschüchtert und nahm eine sofortige Abneigung gegen den Neuling so MGM feuerte ihn. Gedemütigt kehrte Olivier mit einer Reihe von Hits nach London und auf die Bühne zurück und wurde zum ersten Mal Produzent mit dem Stück „Golden Arrow“, in dem sein junger irischer Kollege Greer Garson die Hauptrolle spielte, und in einer Inszenierung von 1935 von „Romeo und Julia“ mit Gielgud, die ein unerhörtes halbes Jahr dauern würde. Olivier und Gielgud würden die einzigartige Aufgabe übernehmen, die Romeo- und Mercutio-Teile abwechselnd zu spielen. Olivier begeisterte Kritiker und vermied die formale, lyrische Herangehensweise an den Barden, indem er Romeo mit naturalistischem, hormonellem Elan spielte, der sich möglicherweise auf eine körperliche Beziehung zu seiner Julia, Peggy Ashcroft, ausgewirkt hat. Aber zur selben Zeit, Er wurde zu einer einzigartigen Attraktion für eine junge Schauspielerin, die es unter dem Namen Vivien Leigh selbst ins West End geschafft hatte.Leigh, bereits verheiratet und Mutter, erklärte bekanntlich, dass sie eines Tages Olivier heiraten würde, und Olivier selbst behauptete später, nachdem er ihr bahnbrechendes Stück „Mask of Virtue“ gesehen hatte, erlebte er „eine Anziehungskraft der beunruhigendsten Natur, der ich je begegnet bin. Sie spielten zusammen in „Fire Over England“ (1936) des Filmproduzenten Alexander Korda, wobei Olivier einen Agenten von Königin Elizabeth auf einer Mission nach Spanien spielte und Leigh eine der Hofdamen der Königin und seine Geliebte porträtierte, die, wie ihre leidenschaftlichen Umarmungen auf dem Bildschirm verraten, Sie waren im wirklichen Leben geworden. Leigh strebte Oliviers Beherrschung des klassischen Theaters an. Als sich die Beziehung intensivierte, Sie nahm schließlich seine berühmte Geläufigkeit in ungehinderter blauer Sprache auf. Oliviers anhaltende religiöse Schuld komplizierte die Dinge, ebenso wie Esmonds kürzliche Schwangerschaft, bald einen Sohn zu gebären, Tarquin – obwohl sie mit beiden öffentlich freundschaftlich blieb. 1937 trat Olivier als Star in das ehrwürdige Old Vic Theatre ein und begann das Jahr mit der Produktion von „Hamlet“, als er es schaffte, die ersten Tandemprojekte für sich und seine Geliebte zu arrangieren: eine Inszenierung von „Hamlet in Dänemarks Elsinore Castle im Sommer“ und ein Film, „Einundzwanzig Tage“ (1940), mit den beiden Liebenden auf der Lam, nachdem er versehentlich ihren entfremdeten Ehemann getötet hat. Beide mochten letzteres nicht und legten es drei Jahre lang zurück, aber am Ende der Produktion, als sich die Nachricht von Hollywoods Adaption des Blockbuster-Romans Vom Winde verweht verbreitete, prophezeite sie bekanntermaßen, dass sie seine Protagonistin Scarlett O’Hara spielen würde. Leigh und Olivier trennten sich bald von ihren jeweiligen Partnern und nach seiner seltenen komödiantischen Wendung mit Merle Oberon und Ralph Richardson in „The Divorce of Lady X“ (1938) machten er und Leigh sich auf den Weg nach Hollywood – sie, um ihre Prophezeiung zu erfüllen, und er, um als romantischer Herzensbrecher endlich die Filmbarriere zu durchbrechen.Es wäre Emily Brontes „Wuthering Heights“ (1939), das vom Indie-Produzenten Samuel Goldwyn und Regisseur William Wyler für den Film adaptiert wurde und Olivier über den Atlantik hinweg zu einem bekannten Namen machte. Er spielte Heathcliff, einen einstigen Stallknaben, der von seiner ersten Liebe Cathy (Merle Oberon) wegen seiner geringen Zucht verschmäht wurde, die Jahre später als erfolgreicher, brütender Mann mit hartem Herzen zurückkehrt und Rache an seiner verlorenen Liebe und allen, die ihn in der Vergangenheit misshandelt hatten. Er würde Regisseur William Wyler dafür danken, dass er ihm die abgeschwächten Nuancen von Bildschirm- und Bühnendarstellung beigebracht hatte, Drehen in seiner ersten Oscar-nominierten Aufführung. Zur selben Zeit, Leigh gewann Beste Schauspielerin als Scarlett O’Hara für ihre Arbeit in „Vom Winde verweht.“ 1940 stimmten ihre jeweiligen Ehepartner der Scheidung zu und zur Freude der Fans heirateten Leigh und Olivier. Olivier würde zwei weitere Hits sammeln: „Stolz und Vorurteil“, die ihn mit Protegée Greer Garson in der Verfilmung von Jane Austens witziger viktorianischer Salon-Romanze wiedervereinigen; und Alfred Hitchcocks „Rebecca“, der ihn als mürrischen Aristokraten mit einer neuen Frau (Joan Fontaine) dazu brachte, das mysteriöse Schicksal seines ersten Ehepartners auszubaggern, während er auf sein gotisches Herrenhaus beschränkt war. Oliviers beunruhigte, köchelnde Leistung zog eine weitere Oscar-Nominierung nach sich.Olivier und Leigh kehrten nach Großbritannien zurück, um ein weiteres Tandem-Bild für Korda zu machen, „That Hamilton Woman“ (1941), das sie als unglücklich verheiratete Prominente und ihn als britischen Marinehelden Horatio Nelson darstellte, der ihre illegale Romanze aufzeichnete, die zum großen Skandal ihrer Zeit wurde. Im Auftrag der britischen Regierung brachte er als nächstes seine ehrgeizigste Produktion auf, eine Technicolor-Version von Shakespeares „Henry V“ (1944). Er produzierte, Regie und spielte in dem von der Kritik gefeierten Film, und seine Lieferung des berühmten St. Crispins Tagesrede wurde zu einem Schlachtruf für die anhaltenden Kriegsanstrengungen des Landes. Die Veröffentlichung des Films 1946 in den USA würde ihm Oscar-Nominierungen für den besten Schauspieler und das beste Bild einbringen, und obwohl er keine gewann, würde ihm seine von oben nach unten geleitete Leitung des Projekts 1947 einen Ehrenakademiepreis einbringen. Auch in diesem Jahr, König George VI ritterte Olivier, so dass das Paar „Sir Laurence und Lady Olivier.“

Trotz der märchenhaften Mystik, die das legendäre Paar umgibt, war in ihrem Haushalt nicht alles gut. Leigh erlitt zunehmend heftige Wutanfälle, an die sie sich danach nicht mehr erinnern konnte, und zu allem Übel erlitt sie während der Produktion von „Caesar und Cleopatra“ (1945) eine Fehlgeburt. Tuberkulose verschlimmerte ihre körperlichen und geistigen Gesundheitsprobleme; Sie wurde distanziert und eifersüchtig auf Oliviers Erfolge und paranoid in Bezug auf seine Angelegenheiten, sowohl eingebildet als auch real, Irgendwann erzählte sie ihm sachlich, dass sie nicht mehr in ihn verliebt war. Auf der Suche nach einer Pause verirrte sich Olivier mit einer beliebigen Anzahl von Gerüchten, selbst als er ihre eigene langfristige Affäre mit dem Schauspieler Peter Finch ermöglichte, den er nach seiner Australien-Tournee 1948 für The Old Vic Company anstellte. In diesem Jahr schrieb er mit seiner Shakespeare-Verfilmung von „Hamlet“ (1948) mit großem Budget Geschichte, in der er als erster Regisseur einen Oscar für den besten Schauspieler erhielt.Die Oliviers setzten ihre Bühnenkooperationen fort; Insbesondere leitete er sie 1949 in der West End-Produktion von Tennessee Williams „A Streetcar Named Desire.“ Er ließ sich in eine Art Betreuerrolle für seine manisch-depressive, bipolare Frau ein und arrangierte ein eigenes Projekt, die von Wyler geleitete Tragödie „Carrie“ (1952), um mit ihr zu reisen, während sie „Streetcar“ (1952) in Hollywood drehte. Ihr Co-Star Marlon Brando schrieb später, er habe aus Respekt vor Olivier ein Stelldichein mit Leigh gemieden, aber seltsamerweise, David Niven behauptete in seiner Autobiografie, er habe gesehen, wie Brando Olivier in der Villa des Paares geküsst habe. (Obwohl Oliviers dritte Frau Joan Plowright lange Zeit Gegenstand von Gerüchten und Kontroversen war, erkannte sie 2006 in einem Radiointerview seinen Libertinismus und seine Bisexualität an). Leigh war zurück mit Finch in Ceylon im Jahr 1953 für den Film „Elephant Walk“ (1952), als sie eine ausgewachsene Pause erlitten, was sie ins Krankenhaus eingeliefert werden und eine lebenslange Regime der Elektroschock-Therapie gegeben werden, die sie noch fremder Olivier machen würde.Er erhielt eine weitere Oscar-Nominierung für seinen schurkischen „Richard III“ (1955) und folgte ihm mit einer Marilyn Monroe Mismatched-Pair-Fantasie, „The Prince and the Showgirl“ (1957), die er auch leitete. In der Zwischenzeit hatte er West End Enfant terrible John Osborne beauftragt, ihm ein Drama zu schreiben, das sein eigenes Bild zeitgenössisieren könnte. Osborne produzierte „The Entertainer“, der Olivier als unangenehmen, archaischen Song-and-Dance-Mann hatte, der immer noch in Großbritanniens bröckelnden Tanzsälen arbeitete, metaphorisch für eine imperiale Gesellschaft im Verfall. Er begann eine Beziehung mit seiner Tochter auf der Bühne, Joan Plowright. Sie würde mit ihm in der Verfilmung von 1960 mitspielen, was Olivier eine weitere Oscar-Nominierung als bester Schauspieler einbringen würde. Er und Leigh ließen sich in diesem Jahr scheiden, was dazu führte, dass Olivier und Plowright 1961 heirateten. Mit der Auflösung der Old Vic Company im Jahr 1962 beaufsichtigte er bald eine weitere Regeneration namens National Theatre Company, deren erster Direktor Olivier war. Unter seiner Amtszeit würde es eine neue Generation von Talenten fördern, darunter Michael Gambon, Derek Jacobi, Alan Bates und Anthony Hopkins. Die nationale Produktion von „Othello“ würde der Film von 1965 werden, für den Olivier und seine drei Co-Stars alle Oscar-Nominierungen gewinnen würden.Olivier setzte fort, mit dem Film in den 1960er Jahren selektiv zu sein. Seine Hauptrollen wurden weniger häufig, aber beeinflussen, wie mit „Begriff des Versuchs“ (1962), in dem er eine herzzerreißende Leistung als Gymnasiallehrer gab, dessen Leben auf den Kopf gestellt wird, als ein verschmähter Student ihn beschuldigt, sie zu verführen; und sein untertrieben kühler Detektiv in „Bunny Lake fehlt“ (1965). Olivier hatte auch begonnen, filmstahlende Nebenrollen zu übernehmen, in denen er oft Bösewichte spielte. Er spielte Johnny Burgoyne, den schneidigen Erzfeind der Kolonialisten Kirk Douglas und Burt Lancaster in George Bernard Shaws Unabhängigkeitskriegsdrama „The Devil’s Disciple“ (1959), vereitelte Douglas erneut als intriganten, drakonischen General Crassus in Stanley Kubricks Epos „Spartacus“ (1960), einen islamischen Möchtegern-Messias in „Khartoum“ (1966), einen sowjetischen Premieren in „Shoes of the Fisherman“ (1968) und später als den russischen Präsidenten Wladimir Putin. wikimatrix Wikimatrix ruchloser Dr. Moriarty im revisionistischen Sherlock Holmes-Abenteuer „Die Sieben-Prozent-Lösung“ (1976).Die späten 1960er Jahre würden eine Reihe von Gesundheitskrisen für Olivier beginnen, beginnend mit der Behandlung von Prostatakrebs, aber er würde dennoch produktiv sein, die Bühne in den Massenmedien in den 1970er Jahren zu bringen. Er beaufsichtigte die Übersetzung der nationalen Produktionen von Tschechows „Three Sisters“ (mit Plowright) in einen Kinofilm und Eugene O’Neills „Long Day’s Journey Into Night“ (1973) in einen Fernsehfilm für die Ausstrahlung auf ITV in Großbritannien und ABC in den USA USA, was ihm einen Emmy einbrachte. Jedoch, Er gab bald darauf die Leitung des Theaters auf, inmitten einiger Streitigkeiten mit dem Vorstand, nur wenige Jahre bevor das Unternehmen in das neue Olivier Theatre umzog. 1974 überlebte er kaum den Ausbruch der Muskelkrankheit Dermatopolymyositis, kehrte aber im nächsten Jahr mit dem Fernsehfilm „Love Among the Ruins“ (ABC, 1975) zurück und spielte einen Anwalt, der beschuldigt wurde, eine Frau verteidigt zu haben, in die er sich vor Jahren verliebt hatte, beide jetzt in ihren Zwielichtjahren. Sowohl er als auch Katherine Hepburn gewannen Emmys als bester Schauspieler für eine „Special“ -Sendung. Er würde auch Tennessee Williams „Katze auf einem heißen Blechdach“ und William Inges „Come Back, Little Sheba“ 1976 bzw. 1977 zu NBC bringen.Seine selektiven, altersgerechten Kinoausflüge brachten weitere Auszeichnungen, insbesondere drei weitere Oscar-Nominierungen für seinen manipulativen Ehemann in dem Katz-und-Maus-Thriller „Sleuth“; eisblutiger Nazi-Zahnarzt, der Dustin Hoffman in „Marathon Man“ (1976) berühmt folterte, und als trockener, unerschütterlicher Nazi-Jäger in „The Boys from Brazil“ (1978). Im folgenden Jahr erhielt er einen zweiten Ehren-Oscar für sein Werk. Er stach auch als alter Taschendieb hervor, der die beiden verliebten Jugendlichen in Venedig in „A Little Romance“ (1979) und als Vampirjäger Van Helsing im Remake von „Dracula“ (1979) hütete. Seine Arbeit als Neil Diamonds orthodox-jüdischer Vater im Remake von „The Jazz Singer“ (1980) wurde jedoch als überreizt und mawkish angesehen. Er gewann eine weitere BAFTA-Nominierung als bester Schauspieler für „A Voyage Round My Father“ (1983) neben Alan Bates und gewann in diesem Jahr einen weiteren Emmy für seine Rolle als „King Lear“ (ABC). Besorgt um seinen Nachlass würzte er die Arbeit seiner späteren Jahre mit verherrlichten Kameen – einige in Projekten, von denen er wusste, dass sie schrecklich waren, wie bei „Inchon“ (1981) und „Clash of the Titans“ (1981), aber andere in höherwertiger Kost wie „The Bounty“ (1985). Im Jahr 1984 wurden die Top-Auszeichnungen für britische Theaterpreise in Laurence Olivier Awards umbenannt. Seine Gebrechen wurden während der OSCAR-Verleihung im März 1985 deutlich, als er den Abend mit dem Oscar für das beste Bild abschloss, aber versehentlich die Tradition umging, die Nominierten zuerst herunterzufahren, und einfach den Gewinner feststellte: „Amadeus.“ Er trat in der „Entertainer“ -an Granada erinnernden TV-Serie „Lost Empires“ (PBS, 1987) über den Niedergang des britischen Vaudeville auf, für die er seine letzte Emmy-Nominierung erhielt, und machte dann einen letzten Cameo-Auftritt als alter Soldat in Derek Jarmans stilistischem „War Requiem“ (1989). Er starb am 11.Juli 1989 in seinem Haus in Steyning, West Sussex. Seine Beerdigung in Westminster würde mit britischen Staatsbegräbnissen konkurrieren, die landesweit in ganz Großbritannien im Fernsehen übertragen wurden.

Von Matthew Grimm