Early years and Hilla RebayEdit

Solomon R. Guggenheim, en medlem av en rik gruvfamilj, hade samlat verk av de gamla mästarna sedan 1890-talet. år 1926 träffade han konstnären Hilla von Rebay, som introducerade honom till europeisk avantgardekonst, särskilt abstrakt konst som hon kände hade en andlig och utopisk aspekt (icke-objektiv konst). Guggenheim ändrade helt sin samlingsstrategi och vände sig till bland annat Wassily Kandinskys arbete. Han började visa sin samling för allmänheten i sin lägenhet på Plaza Hotel i New York City. När samlingen växte etablerade han Solomon R. Guggenheim Foundation 1937 för att främja uppskattningen av modern konst.

Museet för icke-objektiv Målningedit

stiftelsens första plats för visning av konst, ”Museum of Non-Objective Painting”, öppnade 1939 under ledning av Rebay, i Midtown Manhattan. Under rebays vägledning försökte Guggenheim i samlingen inkludera de viktigaste exemplen på icke-objektiv konst som var tillgänglig vid den tiden av tidiga modernister som Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand l Jacogger, Amedeo Modigliani och Pablo Picasso.

i början av 1940-talet hade stiftelsen samlat en så stor samling av avantgardemålningar att behovet av en permanent museibyggnad hade blivit uppenbart. 1943 skrev Rebay och Guggenheim ett brev till Frank Lloyd Wright och bad honom att designa en struktur för att hysa och visa upp samlingen. Wright accepterade möjligheten att experimentera med sin organiska stil i en urban miljö. Det tog honom 15 år, 700 skisser och sex uppsättningar arbetsritningar för att skapa museet.

1948 utvidgades samlingen kraftigt genom köp av konsthandlare Karl Nierendorfs egendom av cirka 730 objekt, särskilt tyska expressionistiska målningar. Vid den tiden innehöll stiftelsens samling ett brett spektrum av expressionistiska och surrealistiska verk, inklusive målningar av Paul Klee, Oskar Kokoschka och Joan Mirjabi. Efter Guggenheims död 1949 hade medlemmar av Guggenheim-familjen som satt i stiftelsens styrelse personliga och filosofiska skillnader med Rebay, och 1952 avgick hon som museichef. Ändå lämnade hon en del av sin personliga samling till stiftelsen i sitt testamente, inklusive verk av Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian och Kurt Schwitters. Museet döptes om till Solomon R. Guggenheim Museum 1952.

DesignEdit

Rebay tänkte på rymden som ett ”Andens tempel” som skulle underlätta ett nytt sätt att titta på de moderna bitarna i samlingen. Hon skrev till Wright att ” var och en av dessa stora mästerverk bör organiseras i rymden, och bara du … skulle testa möjligheterna att göra det. … Jag vill ha ett tempel av ande, ett monument!”Kritikern Paul Goldberger skrev senare att före Wrights modernistiska byggnad” fanns det bara två vanliga modeller för museidesign: Beaux-arts Palace … och paviljongen i internationell stil.”Goldberger tyckte att byggnaden var en katalysator för förändring, vilket gjorde det ”socialt och kulturellt acceptabelt för en arkitekt att utforma ett mycket uttrycksfullt, intensivt personligt museum. I den meningen är nästan varje museum i vår tid ett barn av Guggenheim.”

från 1943 till början av 1944 producerade Wright fyra olika skisser för den ursprungliga designen. Medan en av planerna (Schema C) hade en sexkantig form och nivågolv för gallerierna, hade alla andra cirkulära scheman och använde en ramp som fortsatte runt byggnaden. Han hade experimenterat med rampdesignen 1948 på V. C. Morris presentbutik i San Francisco och på huset avslutade han för sin son 1952, David och Gladys Wright House i Arizona. Wrights ursprungliga koncept kallades en inverterad” ziggurat”, eftersom det liknade de branta stegen på ziggurats byggda i antika Mesopotamien. Hans design undvek det konventionella tillvägagångssättet för museumslayout, där besökare leds genom en serie sammankopplade rum och tvingas spåra sina steg när de lämnar. Wrights plan var att museets gäster skulle åka till toppen av byggnaden med Hiss, att gå ner i lugn takt längs den milda sluttningen av den kontinuerliga rampen och att se byggnadens atrium som det sista konstverket. Den öppna Rotundan gav tittarna den unika möjligheten att se flera vikar på olika nivåer samtidigt och till och med att interagera med gäster på andra nivåer.samtidigt, innan han bosatte sig på platsen för museet i hörnet av 89th Street och Museum Mile-delen av Fifth Avenue, med utsikt över Central Park, Wright, Rebay och Guggenheim ansåg många platser på Manhattan, liksom i Riverdale-delen av Bronx, med utsikt över Hudson River. Guggenheim ansåg att platsens närhet till Central Park var viktig; parken gav lättnad från buller, trängsel och betong i staden. Naturen gav också museet inspiration. Byggnaden förkroppsligar Wrights försök”att göra den inneboende plasticiteten hos organiska former i arkitektur”. Guggenheim skulle vara det enda museet designat av Wright. Stadens läge krävde att Wright skulle utforma byggnaden i en vertikal snarare än en horisontell form, långt annorlunda än hans tidigare Lantliga verk.

spiraldesignen återkallade ett nautilus-skal, med kontinuerliga utrymmen som flyter fritt in i en annan. Även när den omfamnade naturen uttrycker Wrights design också hans syn på modernistisk arkitekturs styva geometri. Wright tillskrivit byggnadens former en symbolisk betydelse. Han förklarade, ” Dessa geometriska former föreslår vissa mänskliga tankar, stämningar, känslor – som till exempel: cirkeln, oändligheten; triangeln, strukturell enhet; spiralen, organiska framsteg; torget, integritet.”Former ekar varandra hela tiden: ovalformade kolumner, till exempel, upprepar fontänens geometri. Cirkularitet är sökmotivet, från rotunda till den inlagda designen av terrazzogolven. Flera arkitekturprofessorer har spekulerat i att den dubbla spiraltrappan designad av Giuseppe Momo 1932 på Vatikanmuseerna var en inspiration för Wrights ramp och atrium. Jaroslav Josef Polcrvka hjälpte Wright med den strukturella designen och lyckades designa gallerirampen utan perimeterkolumner.Guggenheims yta var gjord av betong för att minska kostnaden, sämre än den stenfinish som Wright hade velat ha. Wright föreslog en rödfärgad exteriör, som aldrig realiserades. Den lilla rotunda (eller” Monitor building”, som Wright kallade det) bredvid den stora rotunda var avsedd att hysa Lägenheter för Rebay och Guggenheim men blev istället kontor och lagringsutrymme. 1965 renoverades andra våningen i Monitor-byggnaden för att visa museets växande permanenta samling, och med restaureringen av museet 1990-92 överlämnades det helt till utställningsutrymme och döpte Thannhauser-byggnaden till ära för en av de viktigaste arv till museet. Wrights ursprungliga plan för ett angränsande torn, konstnärsstudior och lägenheter blev orealiserade, till stor del av ekonomiska skäl, fram till renoveringen och expansionen. Även i den ursprungliga konstruktionen hade huvudgalleriets takfönster täckts, vilket komprometterade Wrights noggrant ledade ljuseffekter. Detta ändrades 1992 när takfönstret återställdes till sin ursprungliga design.

Sweeney år och slutförande av konstruktionedit

1953 utvidgades stiftelsens insamlingskriterier under sin nya direktör, James Johnson Sweeney. Sweeney förkastade Rebays avskedande av” objektiv ” målning och skulptur, och han förvärvade snart Constantin Br Ubigncu Ugiis Adam och Eva (1921), följt av verk av andra modernistiska skulptörer, inklusive Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti och David Smith. Sweeney nådde bortom 20-talet för att förvärva Paul C Jacobzannes Man med korsade armar (c. 1899). Samma år fick stiftelsen också en gåva av 28 viktiga verk från gården av Katherine S. Dreier, en grundare av Amerikas första samling som kallades ett modernt konstmuseum, soci U,cret Uhrs Anonyme. Dreier hade varit en kollega till Rebay ’ s. verken inkluderade Little French Girl (1914-18) av BR Ubigncu ugii, ett namnlöst stilleben (1916) av Juan Gris, en bronsskulptur (1919) av Alexander Archipenko och three collages (1919-21) av tyska Hannoverian Dadaist Schwitters. Det inkluderade också verk av Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky och Mondrian. Bland annat förvärvade Sweeney också verk av Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning och Jackson Pollock.

Sweeney övervakade de senaste halvdussin åren av byggandet av museibyggnaden, under vilken tid han hade ett antagonistiskt förhållande med Frank Lloyd Wright, särskilt när det gäller byggnadens belysningsfrågor. Den distinkta cylindriska byggnaden visade sig vara Wrights sista stora arbete, eftersom arkitekten dog sex månader innan den öppnades. Från gatan ser byggnaden ut som ett vitt band som är krökt i en cylindrisk stapel, bredare på toppen än botten och visar nästan alla böjda ytor. Dess utseende står i skarp kontrast till de typiskt rektangulära Manhattan-byggnaderna som omger det, ett faktum som åtnjutits av Wright, som hävdade att hans museum skulle göra det närliggande Metropolitan Museum of Art ”se ut som en protestantisk ladugård”. Internt bildar visningsgalleriet en spiralformad spiralramp som klättrar försiktigt från marknivå till takfönstret på toppen.

kritik och öppnande av byggnadenredigera

även innan den öppnade, polariserade designen arkitekturkritiker. Vissa trodde att byggnaden skulle överskugga museets konstverk. ”Tvärtom”, skrev arkitekten, designen gör ” byggnaden och målningen till en oavbruten, vacker symfoni som aldrig funnits i konstens värld tidigare.”Andra kritiker och många konstnärer ansåg att det var besvärligt att hänga målningar ordentligt i de grunda, fönsterlösa, konkava utställningsnischerna som omger den centrala spiralen. Före museets öppning undertecknade tjugoen konstnärer ett brev som protesterade mot visningen av sitt arbete i ett sådant utrymme. Historikern Lewis Mumford sammanfattade förtryck:

Wright har tilldelat målningarna och skulpturerna endast så mycket utrymme som inte skulle bryta mot hans abstrakta komposition. … skapade ett skal vars form inte har någon relation till sin funktion och erbjöd ingen möjlighet till framtida avvikelse från hans styva förutfattade meningar. har, för ett museum, ett lågt tak – nio fot åtta tum lutande utåt, efter ytterväggens yttre lutning, och målningar Skulle inte hängas vertikalt eller visas i sitt sanna plan utan lutas tillbaka mot det. … Inte heller undkomma ljuset som lyser i hans ögon från de smala slitsarna i väggen.

den 21 oktober 1959, tio år efter Solomon Guggenheims död och sex månader efter Frank Lloyd Wrights död, öppnade museet först sina dörrar för stora folkmassor. Byggnaden blev mycket berömd och inspirerade många andra arkitekter.

Messer yearsEdit

Thomas M. Messer efterträdde Sweeney som museichef (men inte stiftelsen) 1961 och stannade i 27 år, den längsta tiden för någon av stadens stora konstinstitutioners regissörer. När Messer tog över var museets förmåga att presentera konst alls fortfarande i tvivel på grund av de utmaningar som continuous spiral ramp gallery som både är lutat och har icke-vertikala böjda väggar. Det är svårt att hänga målningar ordentligt i de grunda, fönsterlösa utställningsnischerna som omger den centrala spiralen: dukar måste monteras upp från väggens yta. Målningar hängde lutande tillbaka skulle visas”som på konstnärens staffli”. Det finns begränsat utrymme inom nischer för skulptur.

nästan omedelbart, 1962, tog Messer en risk att sätta på en stor utställning som kombinerade Guggenheims målningar med skulpturer på lån från Hirshhorn-samlingen. I synnerhet tredimensionell skulptur lyfte upp ”problemet med att installera en sådan show i ett museum med så nära likhet med helvetets cirkulära geografi”, där något vertikalt föremål verkar lutat i en ”berusad stick” eftersom golvets lutning och väggarnas krökning kunde kombineras för att producera irriterande optiska illusioner. Det visade sig att kombinationen kunde fungera bra i Guggenheims utrymme, men Messer påminde om att vid den tiden ”var jag rädd. Jag kände till hälften att detta skulle bli min sista utställning.”Messer hade framsynthet att förbereda genom att iscensätta en mindre skulpturutställning föregående år, där han upptäckte hur man kompenserar för rymdens konstiga geometri genom att konstruera speciella socklar i en viss vinkel, så bitarna var inte på en sann vertikal men verkade vara så. I den tidigare skulpturshowen visade sig detta trick omöjligt för one piece, en Alexander Calder-mobil vars tråd oundvikligen hängde på en sann lodrät vertikal, ”föreslår hallucination” i det disorienterande sammanhanget av det lutande golvet.nästa år förvärvade Messer en privat samling från konsthandlaren Justin K. Thannhauser för museets permanenta samling. Dessa 73 verk inkluderar impressionistiska, Postimpressionistiska och franska moderna mästerverk, inklusive viktiga verk av Paul Gauguin, Auddouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh och 32 verk av Pablo Picasso. ”Works and Process” är en serie föreställningar på Guggenheim som inleddes 1984. Den första säsongen bestod av Philip Glass med Christopher Keene på Akhnaten och Steve Reich och Michael Tilson Thomas på Ökenmusiken.

Krens och expansionEdit

Thomas Krens, chef för stiftelsen från 1988 till 2008, ledde en snabb expansion av museets samlingar. 1991 utvidgade han sina innehav genom att förvärva Panza Collection. Sammansatt av greve Giuseppe di Biumo och hans fru Giovanna, innehåller Panza-samlingen exempel på minimalistiska skulpturer av Carl Andre, Dan Flavin och Donald Juddoch minimalistiska målningar av Robert Mangold, Brice Marden och Robert Ryman, samt en rad postminimal, konceptuell och perceptuell konst av Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner och andra, särskilt amerikanska exempel på 1960-och 1970-talet. 1992 gav Robert Mapplethorpe Foundation 200 av hans bästa fotografier till stiftelsen. Verken sträckte sig över hela hans produktion, från hans tidiga collage, polaroider, porträtt av kändisar, självporträtt, manliga och kvinnliga nakenbilder, blommor och statyer. Det innehöll också blandade mediekonstruktioner och inkluderade hans välkända självporträtt från 1998. Förvärvet initierade stiftelsens fotoutställningsprogram.även 1992 utvidgades New York museum buildings utställning och annat utrymme genom tillägg av ett angränsande rektangulärt torn som står bakom och högre än den ursprungliga spiralen och en renovering av den ursprungliga byggnaden. Det nya tornet designades av arkitektföretaget Gwathmey Siegel & Associates Architects, som analyserade Wrights ursprungliga skisser när de designade kalkstenstornet med 10 våningar, som ersatte en mycket mindre struktur. Den har ytterligare fyra utställningsgallerier med plana väggar som är ”mer lämpliga för visning av konst”. I den ursprungliga byggnaden av byggnaden hade huvudgalleriets takfönster täckts, vilket komprometterade Wrights noggrant ledade ljuseffekter. Detta ändrades 1992 när takfönstret återställdes till sin ursprungliga design.

för att finansiera dessa drag, kontroversiellt, stiftelsen sålde verk av Kandinsky, Chagall och Modigliani att höja $47 miljoner, dra stor kritik för handel mästare för ”trendiga” latecomers. I New York Times skrev kritikern Michael Kimmelman att försäljningen ” sträckte de accepterade reglerna för avåtgång längre än många amerikanska institutioner har varit villiga att göra.”Krens försvarade åtgärden som förenlig med museets principer, inklusive att utöka sin internationella samling och bygga sin ”efterkrigssamling till styrkan i våra innehav före kriget” och påpekade att sådan försäljning är en regelbunden praxis av museer. Samtidigt flyttade han för att utöka stiftelsens internationella närvaro genom att öppna museer utomlands. Krens kritiserades också för sin affärsmässiga stil och uppfattade populism och kommersialisering. En författare kommenterade, ”Krens har både berömts och vilifierats för att förvandla det som en gång var en liten New York-institution till ett världsomspännande varumärke, vilket skapade den första verkligt multinationella konstinstitutionen. … Krens förvandlade Guggenheim till ett av de mest kända varumärkena inom konsten.”

under krens monterade museet några av sina mest populära utställningar: ”Afrika: en kontinents konst” 1996; ”Kina: 5000 år” 1998, ”Brasilien: Body & Soul” 2001; och ”Aztec Empire” 2004. Det har ibland visat ovanliga utställningar, till exempel kommersiella konstinstallationer av motorcyklar. Det nya kriteriet Hilton Kramer fördömde” The Art of the Motorcycle ” en retrospektiv av Frank Lloyd Wright 2009 visade arkitekten på 50-årsdagen av byggnadens öppning och var museets mest populära utställning sedan det började hålla sådana närvaroposter 1992.

år 2001 öppnade museet Sackler Center for Arts Education. Anläggningen på 8 200 kvadratmeter (760 m2) erbjuder klasser och föreläsningar om bild-och scenkonst och möjligheter att interagera med museets samlingar och specialutställningar genom sina laboratorier, utställningsutrymmen, konferensrum och 266-sits Peter B. Lewis Theatre. Det ligger på museets nedre nivå, under den stora rotunda och var en gåva från familjen Mortimer D. Sackler. Även 2001 fick stiftelsen en gåva av den stora samlingen av Bohen Foundation, som i två decennier beställde nya konstverk med tonvikt på film, video, fotografi och nya medier. Konstnärer som ingår i samlingen är Pierre Huyghe och Sophie Calle.

yttre restaureringredigera

Mellan September 2005 och juli 2008 genomgick Guggenheim-museet en betydande yttre restaurering för att reparera sprickor och modernisera system och yttre detaljer. I den första fasen av detta projekt arbetade ett team av restaureringsarkitekter, byggnadsingenjörer och arkitektoniska konservatorer tillsammans för att skapa en omfattande bedömning av byggnadens tillstånd som bestämde strukturen för att vara fundamentalt sund. Denna initiala tillståndsbedömning inkluderade:

• avlägsnande av färg från den ursprungliga ytan, vilket avslöjade hundratals sprickor orsakade genom åren, främst av säsongsmässiga temperaturfluktuationer;
• detaljerad övervakning av rörelsen av utvalda sprickor under 17 månader;
• impact-echo-teknik, där ljudvågor skickas in i betongen och rebound mäts för att lokalisera tomrum inom väggarna;
• laserundersökningar av yttre och inre ytor, tros vara den största lasermodellen som någonsin sammanställts;
• kärnborrning för att samla prover av originalbetong och andra byggmaterial; och
• testning av potentiella reparationsmaterial.

mycket av det inre av byggnaden återställdes under renoveringen och tillägget 1992 av Gwathmey Siegel och Associates Architects. Restaureringen 2005-2008 behandlade främst utsidan av den ursprungliga byggnaden och infrastrukturen. Detta inkluderade takfönster, fönster, dörrar, betong-och gunitefasader och yttre trottoar samt klimatkontrollen. Målet var att bevara museets så mycket betydande historiska struktur som möjligt, samtidigt som man utförde nödvändiga reparationer och uppnådde en lämplig miljö för byggnadens fortsatta användning som museum.

den 22 September 2008 firade Guggenheim slutförandet av ett treårigt restaureringsprojekt. New Yorks borgmästare Michael Bloomberg förrättade vid firandet som kulminerade med premiären av konstnären Jenny Holzers hyllning till Guggenheim, ett arbete som beställdes för att hedra Peter B. Lewis, som var en stor välgörare i museets restaureringsprojekt. Andra anhängare av restaureringen på 29 miljoner dollar inkluderade förvaltningsrådet för Solomon R. Guggenheim Foundation och stadens kulturdepartement. Ytterligare stöd tillhandahölls av staten New York och MAPEI Corporation.

senaste årRedigera

år 2005 vann Krens en tvist med miljardärfilantropen Peter B. Lewis, ordförande för stiftelsens styrelse och den största bidragsgivaren till stiftelsen i sin historia. Lewis avgick från styrelsen och uttryckte motstånd mot Krens planer för ytterligare global expansion av Guggenheim-museerna. Även 2005 utsågs Lisa Dennison, en långvarig Guggenheim-kurator, till chef för Solomon R. Guggenheim Museum i New York. Dennison avgick i juli 2007 för att arbeta på auktionshuset Sotheby ’ s. spänningarna mellan Krens och styrelsen fortsatte och i februari 2008 avgick Krens som stiftelsens direktör, även om han fortfarande är rådgivare för internationella frågor.

Richard Armstrong blev museets femte chef den 4 November 2008. Han hade varit chef för Carnegie Museum of Art i Pittsburgh, Pennsylvania i 12 år, där han också hade fungerat som chief curator och curator för samtida konst. Museets chefskurator och biträdande chef är Nancy Spector.förutom sina permanenta samlingar, som fortsätter att växa, administrerar stiftelsen låneutställningar och organiserar utställningar med andra museer för att främja allmänhetens uppsökande. År 2013 besökte nästan 1,2 miljoner människor museet, och dess James Turrell-utställning var den mest populära i New York City när det gäller daglig närvaro.

år 2019 blev Chajazidria LaBouvier den första kuratorn för svart kvinna som skapade en separatutställning och den första svarta personen som skrev en text publicerad av museet. Hon anklagade Museum of racism efter det vägrade att låta henne bidra till ljudguiden för sin utställning och påstås undanhållit resurser från henne och uteslutit henne från en panel värd om showen. Inom en månad efter LaBouvier gjort dessa kritik, museet anlitade sin första heltid svart curator, Ashley James.