primii ani și Hilla RebayEdit

Solomon R. Guggenheim, membru al unei familii miniere bogate, Colecționa lucrări ale vechilor maeștri încă din anii 1890. în 1926, l-a cunoscut pe artistul Hilla von Rebay, care l-a introdus în arta avangardistă Europeană, în special arta abstractă pe care ea o considera a avea un aspect spiritual și utopic (artă non-obiectivă). Guggenheim și-a schimbat complet strategia de colectare, apelând la opera lui Wassily Kandinsky, printre altele. A început să-și expună colecția publicului la apartamentul său din Hotelul Plaza din New York. Pe măsură ce colecția a crescut, el a înființat Fundația Solomon R. Guggenheim, în 1937, pentru a încuraja aprecierea artei moderne.

Muzeul picturii Non-obiective

a fost inaugurat primul loc al Fundatiei pentru Expozitia de Arta, „Muzeul picturii Non-obiective” în 1939, sub conducerea lui Rebay, în Midtown Manhattan. Sub îndrumarea lui Rebay, Guggenheim a căutat să includă în colecție cele mai importante exemple de artă non-obiectivă disponibile la acea vreme de către Moderniștii timpurii, cum ar fi Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand l, Amedeo Modigliani și Pablo Picasso.

la începutul anilor 1940, Fundația acumulase o colecție atât de mare de picturi avangardiste încât nevoia unei clădiri permanente a Muzeului devenise evidentă. În 1943, Rebay și Guggenheim i-au scris o scrisoare lui Frank Lloyd Wright cerându-i să proiecteze o structură care să găzduiască și să afișeze colecția. Wright a acceptat ocazia de a experimenta stilul său organic într-un cadru urban. I-au trebuit 15 ani, 700 de schițe și șase seturi de desene de lucru pentru a crea Muzeul.

în 1948, colecția a fost extinsă foarte mult prin achiziționarea Dealerului de artă Karl Nierendorfproprietatea a aproximativ 730 de obiecte, în special picturi expresioniste germane. În acel moment, colecția fundației a inclus un spectru larg de lucrări expresioniste și suprarealiste, inclusiv picturi de Paul Klee, Oskar Kokoschka și Joan Mira. După moartea lui Guggenheim în 1949, membrii familiei Guggenheim care au stat în Consiliul de administrație al Fundației au avut diferențe personale și filosofice cu Rebay, iar în 1952 a demisionat din funcția de director al Muzeului. Cu toate acestea, ea a lăsat o parte din colecția sa personală fundației în testamentul ei, inclusiv lucrări de Kandinsky, Klee, Alexander Calder, Albert Gleizes, Mondrian și Kurt Schwitters. Muzeul a fost redenumit Muzeul Solomon R. Guggenheim în 1952.

DesignEdit

Rebay a conceput spațiul ca un „templu al Spiritului” care ar facilita un nou mod de a privi piesele moderne din colecție. Ea i-a scris lui Wright că „fiecare dintre aceste mari capodopere ar trebui să fie organizată în spațiu și numai tu … ar testa posibilitățile de a face acest lucru. … Vreau un templu al spiritului, un monument! Criticul Paul Goldberger a scris mai târziu că, înainte de clădirea modernistă a lui Wright, „existau doar două modele comune pentru proiectarea Muzeului: Palatul Beaux-arts … și pavilionul în stil internațional.”Goldberger a considerat clădirea un catalizator pentru schimbare, făcând „acceptabil din punct de vedere social și cultural pentru un arhitect să proiecteze un muzeu extrem de expresiv, intens personal. În acest sens, aproape fiecare muzeu al timpului nostru este un copil al Guggenheim.”

Din 1943 până la începutul anului 1944, Wright a produs patru schițe diferite pentru proiectarea inițială. În timp ce unul dintre planuri (Schema C) avea o formă hexagonală și podele nivelate pentru galerii, toate celelalte aveau scheme circulare și foloseau o rampă care continua în jurul clădirii. Experimentase proiectarea rampei în 1948 la V. C. Morris Gift Shop din San Francisco și pe casa pe care a finalizat-o pentru fiul său în 1952, Casa David și Gladys Wright din Arizona. Conceptul original al lui Wright a fost numit „ziggurat” inversat, deoarece seamănă cu treptele abrupte de pe zigguratele construite în Mesopotamia antică. Designul său a renunțat la abordarea convențională a amenajării muzeului, în care vizitatorii sunt conduși printr-o serie de camere interconectate și forțați să-și refacă pașii la ieșire. Planul lui Wright era ca oaspeții muzeului să meargă până în vârful clădirii cu liftul, să coboare într-un ritm liniștit de-a lungul pantei blânde a rampei continue și să vadă atriul clădirii ca ultima operă de artă. Rotunda deschisă a oferit spectatorilor posibilitatea unică de a vedea mai multe golfuri de lucru pe diferite niveluri simultan și chiar de a interacționa cu oaspeții de pe alte niveluri.

în același timp, înainte de a vă stabili pe site-ul Muzeului de la colțul străzii 89th și secțiunea Museum Mile din Fifth Avenue, cu vedere la Central Park, Wright, Rebay și Guggenheim au considerat numeroase locații din Manhattan, precum și în secțiunea Riverdale Din Bronx, cu vedere la râul Hudson. Guggenheim a considerat că apropierea sitului de Central Park era importantă; parcul a oferit scutire de zgomotul, congestia și betonul orașului. Natura a oferit, de asemenea, Muzeului inspirație. Clădirea întruchipează încercările lui Wright „de a reda plasticitatea inerentă a formelor organice în arhitectură”. Guggenheim urma să fie singurul muzeu proiectat de Wright. Locația orașului i-a cerut lui Wright să proiecteze clădirea într-o formă verticală, mai degrabă decât orizontală, mult diferită de lucrările sale rurale anterioare.

designul în spirală amintea de o coajă nautilus, cu spații continue care curgeau liber unul în altul. Chiar dacă a îmbrățișat natura, designul lui Wright exprimă, de asemenea, abordarea sa asupra geometriei rigide a arhitecturii moderniste. Wright a atribuit un sens simbolic formelor clădirii. El a explicat: „aceste forme geometrice sugerează anumite idei, stări, sentimente umane – ca de exemplu: cercul, infinitul; triunghiul, unitatea structurală; spirala, progresul organic; pătratul, integritatea.”Formele se ecou reciproc pe tot parcursul: coloanele în formă ovală, de exemplu, reiterează geometria fântânii. Circularitatea este laitmotivul, de la rotundă la designul incrustat al pardoselilor terrazzo. Mai mulți profesori de arhitectură au speculat că scara dublă în spirală proiectată de Giuseppe Momo în 1932 la Muzeele Vaticanului a fost o inspirație pentru rampa și atriumul lui Wright. Jaroslav Josef Polivvka l-a asistat pe Wright cu proiectarea structurală și a reușit să proiecteze rampa galeriei fără coloane perimetrale.

suprafața Guggenheim a fost făcută din beton pentru a reduce costul, inferior finisajului de piatră pe care Wright îl dorise. Wright a propus un exterior de culoare roșie, care nu a fost niciodată realizat. Rotunda mică (sau „clădirea monitorului”, așa cum a numit-o Wright) de lângă rotunda mare era destinată să găzduiască apartamente pentru Rebay și Guggenheim, dar în schimb a devenit birouri și spațiu de depozitare. În 1965, etajul al doilea al clădirii monitorului a fost renovat pentru a afișa colecția permanentă în creștere a muzeului, iar odată cu restaurarea Muzeului în 1990-92, a fost predat în întregime spațiului expozițional și botezat clădirea Thannhauser, în onoarea unuia dintre cele mai importante moșteniri ale muzeului. Planul inițial al lui Wright pentru un turn alăturat, studiourile și apartamentele artiștilor au rămas nerealizate, în mare parte din motive financiare, până la renovare și extindere. Tot în construcția originală, luminatorul galeriei principale fusese acoperit, ceea ce a compromis efectele de iluminare articulate cu atenție ale lui Wright. Acest lucru s-a schimbat în 1992, când luminatorul a fost readus la designul său original.

Sweeney ani și finalizarea constructionEdit

în 1953, criteriile de colectare ale Fundației s-au extins sub noul său director, James Johnson Sweeney. Sweeney a respins demiterea de către Rebay a picturii și sculpturii „obiective” și a achiziționat în curând Constantin br-Inqcuoqti ‘ s Adam și Eva (1921), urmat de lucrări ale altor sculptori moderniști, inclusiv Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti și David Smith. Sweeney a ajuns dincolo de secolul 20 pentru a dobândi omul lui Paul C cu brațele încrucișate (c. 1899). În același an, fundația a primit, de asemenea, un cadou de 28 de lucrări importante din averea de Katherine S. Dreier, un fondator al Americii prima colectie pentru a fi numit un muzeu de artă modernă, Société Anonyme. Dreier fusese coleg cu Rebay. printre lucrări se numărau fetița Franceză (1914-18) de BR Oktincncu Oktci, o natură moartă fără titlu (1916) de Juan Gris, o sculptură în bronz (1919) de Alexander Archipenko și trei colaje (1919-21) de Dadaistul German Hanoverian Schwitters. A inclus, de asemenea, lucrări de Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky și Mondrian. Printre altele, Sweeney a achiziționat și lucrările lui Alberto Giacometti, David Hayes, Willem de Kooning și Jackson Pollock.Sweeney a supravegheat ultimii jumătate de duzină de ani de construcție a clădirii muzeului, timp în care a avut o relație antagonică cu Frank Lloyd Wright, în special în ceea ce privește problemele de iluminare ale clădirii. Clădirea cilindrică distinctivă s-a dovedit a fi ultima lucrare majoră a lui Wright, deoarece arhitectul a murit cu șase luni înainte de deschiderea sa. De pe stradă, clădirea arată ca o panglică albă ondulată într-o stivă cilindrică, mai lată în partea de sus decât în partea de jos, afișând aproape toate suprafețele curbate. Aspectul său este în contrast puternic cu clădirile tipic dreptunghiulare din Manhattan care îl înconjoară, fapt savurat de Wright, care a susținut că muzeul său ar face ca Muzeul Metropolitan de Artă din apropiere „să arate ca un hambar Protestant”. Pe plan intern, Galeria de vizionare formează o rampă spirală elicoidală care urcă ușor de la nivelul solului până la luminatorul din partea de sus.

critica și deschiderea clădiriiedit

chiar înainte de deschidere, designul a polarizat criticii de arhitectură. Unii credeau că clădirea va umbri lucrările de artă ale muzeului. „Dimpotrivă”, a scris arhitectul, designul face ” clădirea și pictura o simfonie neîntreruptă, frumoasă, cum nu a existat niciodată în lumea artei.”Alți critici și mulți artiști au considerat că este ciudat să atârnați corect picturile în nișele expoziționale superficiale, fără ferestre, concave, care înconjoară spirala centrală. Înainte de deschiderea muzeului, douăzeci și unu de artiști au semnat o scrisoare prin care protestau împotriva afișării operei lor într-un astfel de spațiu. Istoricul Lewis Mumford a rezumat oprobriul:

Wright a alocat picturilor și sculpturilor la vedere doar atât spațiu cât nu ar încălca compoziția sa abstractă. … a creat o cochilie a cărei formă nu are nicio legătură cu funcția sa și nu a oferit nicio posibilitate de plecare viitoare de la preconcepțiile sale rigide. are, pentru un muzeu, un tavan jos – nouă picioare opt inci înclinate spre exterior, urmând înclinarea exterioară a peretelui exterior, iar picturile nu trebuiau să fie atârnate vertical sau arătate în adevăratul lor plan, ci urmau să fie înclinate înapoi împotriva lui. … Nici să scape de lumina care strălucește în ochii lui din fantele înguste din perete.

la 21 octombrie 1959, la zece ani de la moartea lui Solomon Guggenheim și la șase luni de la moartea lui Frank Lloyd Wright, Muzeul și-a deschis porțile pentru mulțimi mari. Clădirea a fost lăudată pe scară largă și a inspirat mulți alți arhitecți.

Messer yearsEdit

Thomas M. Messer i-a succedat lui Sweeney ca director al muzeului (dar nu al fundației) în 1961 și a rămas timp de 27 de ani, cel mai lung mandat al oricăruia dintre directorii principalelor instituții de artă ale orașului. Când Messer a preluat, capacitatea Muzeului de a prezenta deloc arta era încă îndoielnică din cauza provocărilor prezentate de galeria continuă cu rampă spirală, care este atât înclinată, cât și cu pereți curbați non-verticali. Este dificil să atârnați corect picturile în nișele expoziționale superficiale, fără ferestre, care înconjoară spirala centrală: pânzele trebuie montate ridicate de pe suprafața peretelui. Picturile atârnate înclinate în spate ar apărea „ca pe șevaletul artistului”. Există spațiu limitat în nișe pentru sculptură.

aproape imediat, în 1962, Messer și-a asumat riscul de a organiza o expoziție mare care combina picturile lui Guggenheim cu sculpturi împrumutate din colecția Hirshhorn. Sculptura tridimensională, în special, a ridicat „problema instalării unui astfel de spectacol într-un muzeu care seamănă atât de mult cu geografia circulară a iadului”, unde orice obiect vertical apare înclinat într-un „lurch beat”, deoarece panta podelei și curbura pereților s-ar putea combina pentru a produce iluzii optice supărătoare. S-a dovedit că combinația ar putea funcționa bine în spațiul Guggenheim, dar, Messer și-a amintit că la acea vreme, „eram speriat. Am simțit pe jumătate că aceasta va fi ultima mea expoziție.”Messer a avut previziunea de a se pregăti prin organizarea unei expoziții de sculptură mai mici în anul precedent, în care a descoperit cum să compenseze geometria ciudată a spațiului prin construirea de plinte speciale la un anumit unghi, astfel încât piesele nu erau la o adevărată verticală încă părea să fie așa. În spectacolul de sculptură anterior, acest truc s-a dovedit imposibil pentru one piece, un Alexander Calder mobile al cărui fir a atârnat inevitabil de o adevărată verticală plumb, „sugerând halucinații” în contextul dezorientant al podelei înclinate.în anul următor, Messer a achiziționat o colecție privată de la dealerul de artă Justin K. Thannhauser pentru colecția permanentă a Muzeului. Aceste 73 de lucrări includ capodopere impresioniste, Post-impresioniste și franceze moderne, inclusiv lucrări importante ale lui Paul Gauguin, Inktouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh și 32 de lucrări ale lui Pablo Picasso. „Lucrări și proces” este o serie de spectacole la Guggenheim începute în 1984. Primul sezon a constat din Philip Glass cu Christopher Keene pe Akhnaten și Steve Reich și Michael Tilson Thomas pe muzica deșertului.

Krens și expansionEdit

Thomas Krens, directorul Fundației din 1988 până în 2008, a condus o expansiune rapidă a colecțiilor Muzeului. În 1991, și-a extins participațiile achiziționând colecția Panza. Asamblată de Contele Giuseppe di Biumo și soția sa, Giovanna, colecția Panza include exemple de sculpturi minimaliste de Carl Andre, Dan Flavin și Donald Judd și picturi minimaliste de Robert Mangold, Brice Marden și Robert Ryman, precum și o serie de artă postminimală, conceptuală și perceptivă de Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner și alții, în special Exemple Americane din anii 1960 și 1970. în 1992, Fundația Robert Mapplethorpe a înzestrat 200 de cele mai bune fotografii ale Fundației. Lucrările s-au întins pe întreaga sa producție, de la primele sale colaje, Polaroide, portrete de vedete, autoportrete, nuduri masculine și feminine, flori și statui. De asemenea, a prezentat construcții mixte și a inclus binecunoscutul său autoportret din 1998. Achiziția a inițiat programul expozițional de fotografie al Fundației.tot în 1992, expoziția clădirii muzeului din New York și alte spații au fost extinse prin adăugarea unui turn dreptunghiular alăturat care stă în spatele și mai înalt decât spirala originală și o renovare a clădirii originale. Noul turn a fost proiectat de firma de arhitectură Gwathmey Siegel& Associates Architects, care au analizat schițele originale ale lui Wright atunci când au proiectat Turnul de calcar cu 10 etaje, care a înlocuit o structură mult mai mică. Are patru galerii expoziționale suplimentare cu pereți plane care sunt „mai potrivite pentru afișarea artei”. În construcția inițială a clădirii, luminatorul galeriei principale fusese acoperit, ceea ce a compromis efectele de iluminare articulate cu atenție ale lui Wright. Acest lucru s-a schimbat în 1992, când luminatorul a fost readus la designul său original.

pentru a finanța aceste mișcări, în mod controversat, fundația a vândut lucrări de Kandinsky, Chagall și Modigliani pentru a strânge 47 de milioane de dolari, atrăgând critici considerabile pentru tranzacționarea maeștrilor pentru întârzierile „la modă”. În New York Times, criticul Michael Kimmelman a scris că vânzările „au întins regulile acceptate de retragere mai mult decât multe instituții americane au fost dispuse să facă.”Krens a apărat acțiunea ca fiind în concordanță cu principiile muzeului, inclusiv extinderea colecției sale internaționale și construirea „colecției postbelice la puterea exploatațiilor noastre dinainte de război” și a subliniat că astfel de vânzări sunt o practică obișnuită a Muzeelor. În același timp, s-a mutat pentru a extinde prezența internațională a fundației prin deschiderea Muzeelor în străinătate. Krens a fost, de asemenea, criticat pentru stilul său de afaceri și pentru populismul și comercializarea percepută. Un scriitor a comentat: „Krens a fost atât lăudat, cât și defăimat pentru că a transformat ceea ce a fost odată o mică instituție din New York într-un brand mondial, creând prima instituție de artă cu adevărat multinațională. … Krens a transformat Guggenheim într-unul dintre cele mai cunoscute nume de marcă din artă.”

sub Krens, muzeul a montat unele dintre cele mai populare expoziții ale sale:” Africa: arta unui Continent „în 1996;” China: 5.000 de ani „în 1998,”Brazilia: Body& Soul „în 2001; și” Imperiul Aztec ” în 2004. A prezentat ocazional expoziții neobișnuite, de exemplu instalații de artă comercială a motocicletelor. Noul criteriu Hilton Kramer a condamnat „arta motocicletei” o retrospectivă din 2009 a lui Frank Lloyd Wright l-a prezentat pe arhitect la 50 de ani de la deschiderea clădirii și a fost cea mai populară expoziție a Muzeului de când a început să țină astfel de înregistrări de prezență în 1992.

în 2001, muzeul a deschis Centrul Sackler pentru Educație Artistică. Cei 8.200 de metri pătrați (760 m2) facilitatea oferă cursuri și prelegeri despre artele vizuale și performante și oportunități de a interacționa cu colecțiile muzeului și expozițiile speciale prin laboratoarele sale, spațiile expoziționale, sălile de conferințe și Teatrul Peter B. Lewis cu 266 de locuri. Este situat la nivelul inferior al Muzeului, sub rotunda mare și a fost un cadou al familiei Mortimer D. Sackler. Tot în 2001, fundația a primit un cadou al colecției mari a Fundației Bohen, care, timp de două decenii, a comandat noi opere de artă cu accent pe film, video, fotografie și noi media. Artiștii incluși în colecție sunt Pierre Huyghe și Sophie Calle.

restaurare Exterioarăedit

între septembrie 2005 și iulie 2008, Muzeul Guggenheim a suferit o restaurare exterioară semnificativă pentru a repara fisurile și a moderniza sistemele și detaliile exterioare. În prima fază a acestui proiect, o echipă de arhitecți de restaurare, ingineri structurali și conservatori de arhitectură au lucrat împreună pentru a crea o evaluare cuprinzătoare a stării clădirii care a determinat structura să fie fundamental solidă. Această evaluare inițială a stării a inclus:

• îndepărtarea vopselei de pe suprafața inițială, dezvăluind sute de fisuri cauzate de-a lungul anilor, în primul rând de fluctuațiile sezoniere de temperatură;
• monitorizarea detaliată a mișcării fisurilor selectate pe parcursul a 17 luni;
• impact-echo tehnologie, în care undele sonore sunt trimise în beton și rebound este măsurată pentru a localiza golurile în interiorul pereților;
• sondaje cu laser a suprafețelor exterioare și interioare, considerat a fi cel mai mare model cu laser compilat vreodată;
• foraj de bază pentru a aduna probe de beton originale și alte materiale de construcție; și
• testarea materialelor potențiale de reparații.

o mare parte din interiorul clădirii a fost restaurată în timpul renovării și adăugării din 1992 de către Gwathmey Siegel și Asociații arhitecți. Restaurarea din 2005-2008 a abordat în primul rând exteriorul clădirii originale și infrastructura. Aceasta a inclus luminatoarele, ferestrele, ușile, fațadele din beton și gunite și trotuarul exterior, precum și controlul climatizării. Scopul a fost de a păstra cât mai multă țesătură istorică semnificativă a Muzeului, realizând în același timp reparațiile necesare și obținând un mediu adecvat pentru utilizarea continuă a clădirii ca muzeu.

la 22 septembrie 2008, Guggenheim a sărbătorit finalizarea unui proiect de restaurare de trei ani. Primarul orașului New York, Michael Bloomberg, a oficiat la sărbătoarea care a culminat cu premiera artistului Jenny Holzertributul pentru Guggenheim, o lucrare comandată în onoarea lui Peter B. Lewis, care a fost un binefăcător major în proiectul de restaurare a Muzeului. Alți susținători ai restaurării de 29 de milioane de dolari au inclus Consiliul de Administrație al Fundației Solomon R. Guggenheim și Departamentul pentru Afaceri Culturale al orașului. Sprijin suplimentar a fost oferit de statul New York și MAPEI Corporation.

anii Recențiedit

În 2005, Krens a câștigat o dispută cu miliardarul filantrop Peter B. Lewis, președintele Consiliului de Administrație al fundației și cel mai mare contribuitor la fundație din istoria sa. Lewis a demisionat din Consiliu, exprimându-și opoziția față de planurile lui Krens de extindere globală a Muzeelor Guggenheim. Tot în 2005, Lisa Dennison, curator Guggenheim de multă vreme, a fost numită director al Muzeului Solomon R. Guggenheim din New York. Dennison a demisionat în iulie 2007, pentru a lucra la Casa de licitații Sotheby ‘ s. tensiunile dintre Krens și Consiliul de Administrație au continuat, iar în februarie 2008 Krens a renunțat la funcția de Director al Fundației, deși rămâne consilier pentru Afaceri Internaționale.Richard Armstrong a devenit al cincilea director al muzeului pe 4 noiembrie 2008. A fost director al Muzeului de artă Carnegie din Pittsburgh, Pennsylvania timp de 12 ani, unde a servit și ca curator șef și curator de artă contemporană. Curatorul șef și directorul adjunct al muzeului este Nancy Spector.în plus față de colecțiile sale permanente, care continuă să crească, Fundația administrează expoziții de împrumut și co-organizează expoziții cu alte muzee pentru a încuraja sensibilizarea publicului. În 2013, aproape 1,2 milioane de oameni au vizitat Muzeul, iar expoziția Sa James Turrell a fost cea mai populară din New York în ceea ce privește prezența zilnică.

în 2019, Cha Xvdria LaBouvier a devenit prima curatoare de culoare care a creat o expoziție personală și prima persoană de culoare care a scris un text publicat de muzeu. Ea a acuzat Muzeul de rasism după ce a refuzat să o lase să contribuie la ghidul audio pentru expoziția ei și ar fi reținut resurse de la ea și a exclus-o dintr-un panou găzduit despre spectacol. La o lună după ce LaBouvier a făcut aceste critici, muzeul a angajat primul său curator negru cu normă întreagă, Ashley James.