em 1953, os critérios de recolha da Fundação expandiram-se sob o seu novo director, James Johnson Sweeney. Sweeney rejeitou a demissão de Rebay da pintura e escultura” objetiva”, e ele logo adquiriu Adão e Eva de Constantin Brâncuşi (1921), seguido por obras de outros escultores modernistas, incluindo Joseph Csaky, Jean Arp, Calder, Alberto Giacometti e David Smith. Sweeney chegou além do século XX para adquirir o homem de Paul Cézanne com armas cruzadas (C. 1899). No mesmo ano, a fundação também recebeu um presente de 28 obras importantes da propriedade de Katherine S. Dreier, uma fundadora da primeira coleção da América a ser chamado de Museu de Arte Moderna, a Société Anonyme. Dreier tinha sido um colega de Rebay s. As obras incluíram Pouco de francês Menina (1914-18) por Brâncuși, um sem título ainda em vida (1916), de Juan Gris, uma escultura de bronze (1919), de Alexander Archipenko e três colagens (1919-21) pelo alemão Hanoverian Dadaísta de uma Linguagem. Também incluiu obras de Calder, Marcel Duchamp, El Lissitzky e Mondrian. Entre outros, Sweeney também adquiriu as obras de Alberto Giacometti, David Hayes, Willem De Kooning e Jackson Pollock.Sweeney supervisionou os últimos seis anos da construção do edifício do museu, durante o qual ele teve uma relação antagônica com Frank Lloyd Wright, especialmente em relação aos problemas de iluminação do edifício. O distinto edifício cilíndrico acabou por ser o último grande trabalho de Wright, já que o arquiteto morreu seis meses antes de sua abertura. A partir da rua, o edifício parece uma fita branca enrolada numa pilha cilíndrica, mais larga no topo do que no fundo, exibindo quase todas as superfícies curvas. Sua aparência está em contraste com os edifícios tipicamente retangulares de Manhattan que o rodeiam, um fato apreciado por Wright, que afirmou que seu museu faria com que o Museu Metropolitano de arte “parecesse um celeiro Protestante”. Internamente, a galeria de visualização forma uma rampa espiral helicoidal subindo suavemente do nível do solo até a clarabóia no topo.

a Crítica e a abertura da buildingEdit

Mesmo antes de abrir, o design polarizada críticos de arquitetura. Alguns acreditavam que o edifício iria ofuscar as obras de arte do Museu. “Pelo contrário”, escreveu o arquiteto, o projeto faz ” o edifício e a pintura uma sinfonia bonita e ininterrupta como nunca existiu no mundo da arte antes. Outros críticos, e muitos artistas, sentiram que é estranho pendurar adequadamente pinturas nos nichos de exposição rasos, sem janelas e côncavos que cercam a espiral central. Antes da abertura do Museu, vinte e um artistas assinaram uma carta protestando contra a exibição de seu trabalho em tal espaço. O historiador Lewis Mumford resumiu o opprobrio:

Wright atribuiu as pinturas e esculturas à vista apenas tanto espaço quanto não infringiria a sua composição abstrata. … criou uma concha cuja forma não tem relação com sua função e não ofereceu nenhuma possibilidade de saída futura de seus preconceitos rígidos. tem, para um museu, um teto baixo – nove pés de oito polegadas inclinado para fora, seguindo a inclinação exterior da parede exterior, e pinturas não deveriam ser penduradas verticalmente ou mostradas em seu verdadeiro plano, mas deveriam ser inclinados para trás contra ele. … Nem escapar da luz brilhando em seus olhos das fendas estreitas na parede.

Em 21 de outubro de 1959, dez anos após a morte de Salomão Guggenheim e seis meses após a morte de Frank Lloyd Wright, o Museu abriu as suas portas para grandes multidões. O edifício tornou-se amplamente elogiado e inspirou muitos outros arquitetos.

Messer yearsEdit

Thomas M. Messer sucedeu Sweeney como diretor do museu (mas não da fundação) em 1961 e permaneceu por 27 anos, o mais longo mandato de qualquer um dos principais diretores das instituições de Artes da cidade. Quando Messer assumiu o controle, a capacidade do Museu de apresentar arte em tudo ainda estava em dúvida devido aos desafios apresentados pela galeria de rampa espiral contínua que é inclinada e tem paredes curvas não-verticais. É difícil pendurar adequadamente pinturas nos nichos de exposição rasos e sem janelas que rodeiam a espiral central: as telas devem ser montadas a partir da superfície da parede. Pinturas Penduradas inclinadas para trás pareceriam “como no cavalete do artista”. Há espaço limitado dentro dos nichos para a escultura.quase imediatamente, em 1962, Messer arriscou-se a fazer uma grande exposição que combinava as pinturas de Guggenheim com esculturas emprestadas pela coleção Hirshhorn. Três-dimensional escultura, em particular, “levantou o problema de instalar um show em um museu com tão perto de uma semelhança com a circular geografia do inferno”, onde qualquer vertical objeto aparece inclinada em um “bêbado apuros” porque a inclinação do piso e a curvatura das paredes podem combinar-se para produzir irritante ilusões de ótica. Acontece que a combinação poderia funcionar bem no espaço do Guggenheim, mas Messer lembrou que na época, “eu estava com medo. Meio senti que esta seria a minha última exposição. Messer teve a clarividência de se preparar encenando uma pequena exposição de escultura no ano anterior, na qual ele descobriu como compensar a geometria estranha do espaço, construindo placas especiais em um ângulo particular, de modo que as peças não estavam em uma vertical verdadeira, mas parecia ser assim. No show de escultura anterior, este truque provou ser impossível para uma peça, um Alexander Calder móvel cujo fio inevitavelmente pendurada em uma verdadeira vertical plumb, “sugerindo alucinação” no contexto desorientador do chão inclinado.no ano seguinte, Messer adquiriu uma coleção privada do negociante de arte Justin K. Thannhauser para a coleção permanente do Museu. Estes 73 trabalhos incluem impressionistas, pós-impressionistas e obras-primas modernas francesas, incluindo importantes obras de Paul Gauguin, Édouard Manet, Camille Pissarro, Vincent van Gogh e 32 obras de Pablo Picasso. “Works and Process” é uma série de performances no Guggenheim, iniciada em 1984. A primeira temporada consistiu de Philip Glass com Christopher Keene em Akhnaten e Steve Reich e Michael Tilson Thomas na música Desert.Thomas Krens, diretor da Fundação de 1988 a 2008, liderou uma rápida expansão das coleções do Museu. Em 1991, ele ampliou suas participações adquirindo a coleção Panza. Montado pelo Conde Giuseppe di Biumo e sua esposa, Giovanna, a Pança Coleção inclui exemplos de esculturas minimalistas por Carl Andre, Dan Flavin e Donald Judd, e pinturas minimalistas por Robert Mangold, Brice Marden e Robert Ryman, bem como uma matriz de postminimal, conceituais e perceptivos da arte de Robert Morris, Richard Serra, James Turrell, Lawrence Weiner e outros, nomeadamente os exemplos Americanos das décadas de 1960 e 1970. Em 1992, o Robert Mapplethorpe Fundação dotado de 200 das suas melhores fotografias para a fundação. As obras abrangeram toda a sua produção, de suas primeiras colagens, Polaróides, retratos de celebridades, auto-retratos, nus masculinos e femininos, flores e estátuas. Ele também contou com construções de mídia mista e incluiu seu bem conhecido Auto-Retrato de 1998. A aquisição iniciou o programa de exposição de fotografia da Fundação.também em 1992, a exposição do New York museum building e outros espaços foram expandidos pela adição de uma torre retangular adjacente que fica atrás, e mais alta do que a espiral original, e uma renovação do edifício original. A nova torre foi projetada pela firma de arquitetura Gwathmey Siegel & Associates Architects, que analisou os esboços originais de Wright quando eles projetaram a torre de calcário de 10 andares, que substituiu uma estrutura muito menor. Tem quatro galerias de exposição adicionais com paredes planas que são “mais apropriadas para a exibição de arte”. Na construção original do edifício, a clarabóia da galeria principal tinha sido coberta, o que comprometia os efeitos de iluminação cuidadosamente articulados de Wright. Isso mudou em 1992, quando a clarabóia foi restaurada ao seu projeto original.

Para financiar esses movimentos, de forma controversa, a fundação vendidos obras de Kandinsky, Chagall e Modigliani para levantar us $47 milhões, desenho considerável de críticas por negociação mestres para “moda” retardatários. No New York Times, O crítico Michael Kimmelman escreveu que as vendas “esticaram as regras aceitas de descessioning mais do que muitas instituições americanas têm estado dispostas a fazer.”Krens defendeu a ação Como consistente com os princípios do museu, incluindo a expansão de sua coleção internacional e a construção de sua “coleção pós-guerra para a força de nossas holdings pré-guerra” e apontou que tais vendas são uma prática regular dos museus. Ao mesmo tempo, ele se mudou para expandir a presença internacional da Fundação, abrindo museus no exterior. Krens também foi criticado por seu estilo empresarial e populismo percebido e comercialização. Um escritor comentou: “Krens foi elogiado e vilipendiado por transformar o que já foi uma pequena instituição de Nova Iorque em uma marca mundial, criando a primeira instituição de artes verdadeiramente multinacional. … Krens transformou o Guggenheim em uma das marcas mais conhecidas nas artes.”

Em Krens, o museu montado alguns de seus mais populares exposições: “África: A Arte de um Continente”, em 1996; “China: de 5.000 Anos” em 1998, “Brasil: Corpo & Alma”, em 2001; e “Império Asteca”, em 2004. Tem mostrado exposições incomuns em ocasiões, por exemplo, instalações de arte comercial de motocicletas. Hilton Kramer do New Criterion condenou “The Art of the Motorcycle” uma retrospectiva de 2009 de Frank Lloyd Wright exibiu o arquiteto no 50º aniversário da abertura do edifício e foi a exposição mais popular do museu desde que começou a manter tais registros de atendimento em 1992.