Solomon R. Guggenheim Museum
Wczesne lata i Hilla RebayEdit
Solomon R. Guggenheim, członek zamożnej górniczej rodziny, kolekcjonował dzieła dawnych mistrzów od 1890 roku. w 1926 roku poznał artystkę Hillę von Rebay, która wprowadziła go w europejską sztukę awangardową, w szczególności sztukę abstrakcyjną, która miała duchowy i utopijny aspekt (Sztuka nieobiektywna). Guggenheim całkowicie zmienił swoją strategię kolekcjonerską, zwracając się m.in. do prac Wassily 'ego Kandinsky’ ego. Zaczął pokazywać swoją kolekcję publicznie w swoim mieszkaniu w Plaza Hotel w Nowym Jorku. Wraz z rozwojem kolekcji założył w 1937 roku fundację Solomona R. Guggenheima, aby wspierać docenianie Sztuki Współczesnej.
Muzeum Malarstwa Nieobiektywnegoedytuj
pierwsze miejsce ekspozycji sztuki Fundacji, „Muzeum Malarstwa Nieobiektywnego”, otwarte w 1939 pod kierunkiem Rebay, w Midtown Manhattan. Pod kierunkiem Rebaya Guggenheim starał się włączyć do kolekcji najważniejsze przykłady sztuki nieobiektywnej dostępne w tym czasie przez wczesnych modernistów, takich jak Rudolf Bauer, Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian, Marc Chagall, Robert Delaunay, Fernand Léger, Amedeo Modigliani i Pablo Picasso.
na początku lat 40.Fundacja zgromadziła tak dużą kolekcję awangardowych obrazów, że potrzeba stałego budynku Muzeum stała się widoczna. W 1943 roku Rebay i Guggenheim napisali list do Franka Lloyda Wrighta, prosząc go o zaprojektowanie struktury, która pomieści i wystawi kolekcję. Wright zaakceptował możliwość eksperymentowania ze swoim organicznym stylem w miejskiej scenerii. Stworzenie Muzeum zajęło mu 15 lat, 700 szkiców i sześć zestawów roboczych rysunków.
w 1948 roku kolekcja została znacznie powiększona poprzez zakup majątku handlarza sztuką Karla Nierendorfa około 730 obiektów, w szczególności niemieckich obrazów ekspresjonistycznych. W tym czasie kolekcja Fundacji obejmowała szerokie spektrum dzieł ekspresjonistycznych i surrealistycznych, w tym obrazy Paula Klee, Oskara Kokoschki i Joana Miró. Po śmierci Guggenheima w 1949 r.członkowie rodziny guggenheimów zasiadający w zarządzie Fundacji mieli osobiste i filozoficzne różnice z Rebay, a w 1952 r. zrezygnowała z funkcji dyrektora Muzeum. Mimo to w testamencie pozostawiła Fundacji część swojej osobistej kolekcji, w tym prace Kandinsky 'ego, Klee’ a, Alexandra Caldera, Alberta Gleizesa, Mondriana i Kurta Schwittersa. Muzeum zostało przemianowane na Solomon R. Guggenheim Museum w 1952 roku.
DesignEdit
Rebay pomyślała o przestrzeni jako „świątyni ducha”, która ułatwiłaby nowy sposób patrzenia na nowoczesne elementy w kolekcji. Napisała do Wrighta, że ” każde z tych wielkich arcydzieł powinno być zorganizowane w kosmos, i tylko Ty … przetestowałoby możliwości, aby to zrobić. … Chcę świątyni ducha, pomnika!”Krytyk Paul Goldberger napisał później, że przed modernistycznym budynkiem Wrighta istniały tylko dwa wspólne modele projektowania muzeów: Pałac Beaux-arts … i Pawilon w stylu międzynarodowym.”Goldberger uważał budynek za katalizator zmian, czyniąc go akceptowalnym społecznie i kulturowo dla architekta, który projektuje bardzo ekspresyjne, intensywnie osobiste Muzeum. W tym sensie prawie każde muzeum naszych czasów jest dzieckiem Guggenheima.”
od 1943 do początku 1944 roku Wright stworzył cztery różne szkice do początkowego projektu. Podczas gdy jeden z planów (schemat C) miał sześciokątny kształt i poziome podłogi dla galerii, wszystkie pozostałe miały okrągłe schematy i używały rampy kontynuującej się wokół budynku. Eksperymentował z projektem rampy w 1948 roku w sklepie V. C. Morris Gift Shop w San Francisco, a w domu, który ukończył dla syna w 1952 roku, w domu Davida i Gladys Wright w Arizonie. Pierwotna koncepcja Wrighta była nazywana odwróconym „zigguratem”, ponieważ przypominała strome schody na zigguratach zbudowanych w starożytnej Mezopotamii. Jego projekt porzucił konwencjonalne podejście do układu muzealnego, w którym zwiedzający są prowadzeni przez szereg połączonych ze sobą pomieszczeń i zmuszani do powrotu po schodach. Plan Wrighta zakładał, że goście Muzeum wjadą windą na szczyt budynku, zejdą w spokojnym tempie po łagodnym zboczu ciągłej rampy i zobaczą atrium budynku jako ostatnie dzieło sztuki. Otwarta rotunda dawała widzom niepowtarzalną możliwość zobaczenia kilku zatok pracy na różnych poziomach jednocześnie, a nawet interakcji z gośćmi na innych poziomach.
w tym samym czasie, zanim osiedlili się na terenie muzeum na rogu 89th Street i sekcji Museum Mile na Piątej Alei, z widokiem na Central Park, Wright, Rebay i Guggenheim rozważali liczne lokalizacje na Manhattanie, a także w części Riverdale Bronxu, z widokiem na Rzekę Hudson. Guggenheim uważał, że bliskość miejsca do Central Parku jest ważna; park zapewniał ulgę od hałasu, zatorów i betonu miasta. Inspiracją dla muzeum była również Przyroda. Budynek uosabia próby Wrighta „oddania nieodłącznej plastyczności form organicznych w architekturze”. Guggenheim miał być jedynym muzeum zaprojektowanym przez Wrighta. Położenie miasta wymagało od Wrighta zaprojektowania budynku w formie pionowej, a nie poziomej, znacznie odmiennej od jego wcześniejszych, wiejskich prac.
konstrukcja spirali przypomina skorupę Nautilusa, z ciągłymi przestrzeniami płynącymi swobodnie jedna w drugą. Nawet w zgodzie z naturą, projekt Wrighta wyraża również jego spojrzenie na sztywną geometrię modernistycznej architektury. Wright przypisał symboliczne znaczenie kształtom budynku. Wyjaśnił: „te geometryczne formy sugerują pewne ludzkie idee, nastroje, uczucia – jak na przykład: okrąg, nieskończoność; Trójkąt, jedność strukturalna; spirala, postęp organiczny; kwadrat, integralność.”Formy odbijają się echem na całej powierzchni: na przykład kolumny o owalnym kształcie przypominają geometrię fontanny. Motywem przewodnim jest okrągłość, od rotundy do inkrustowanego projektu podłóg lastrykowych. Kilku profesorów architektury spekulowało, że podwójne spiralne schody zaprojektowane przez Giuseppe Momo w 1932 roku w Muzeach Watykańskich były inspiracją dla rampy i atrium Wrighta. Jaroslav Josef Polívka pomagał Wright ’ owi w projektowaniu konstrukcji i udało mu się zaprojektować rampę galerii bez słupów obwodowych.
powierzchnia Guggenheima została wykonana z betonu, aby obniżyć koszty, niższym niż kamienne wykończenie, które chciał Wright. Wright zaproponował czerwoną obudowę, która nigdy nie została zrealizowana. Mała rotunda (lub” Budynek monitora”, Jak ją nazwał Wright) obok dużej rotundy miała pomieścić mieszkania dla Rebay i Guggenheima, ale zamiast tego stała się biurami i przestrzenią magazynową. W 1965 roku odnowiono drugie piętro budynku monitora, aby wyświetlić rosnącą stałą kolekcję Muzeum, a wraz z renowacją Muzeum w latach 1990-1992, zostało całkowicie przekształcone w przestrzeń wystawową i ochrzczono Budynek Thannhauser, na cześć jednego z najważniejszych zapisów dla Muzeum. Pierwotny plan Wrighta dotyczący sąsiedniej wieży, pracowni i mieszkań artystów nie został zrealizowany, głównie z powodów finansowych, aż do czasu remontu i rozbudowy. Również w pierwotnej konstrukcji główny Świetlik galerii został zakryty, co osłabiło starannie przegubowe efekty świetlne Wrighta. Zmieniło się to w 1992 roku, kiedy Świetlik został przywrócony do pierwotnego projektu.
12, 1957
w 1953 roku kryteria zbierania Fundacji rozszerzyły się pod nowym dyrektorem, Jamesem Johnsonem Sweeneyem. Sweeney odrzucił rezygnację Rebaya z” obiektywnego „malarstwa i rzeźby i wkrótce nabył Adam i Ewa Constantina Brâncușiego (1921), a następnie dzieła innych modernistycznych rzeźbiarzy, w tym Josepha Csaky’ ego, Jeana Arpa, Caldera, Alberto Giacomettiego i Davida Smitha. Sweeney sięgnął poza XX wiek, aby zdobyć mężczyznę ze skrzyżowanymi ramionami Paula Cézanne ’ a (ok. 1899). W tym samym roku Fundacja otrzymała również dar 28 ważnych dzieł od posiadłości Katherine S. Dreier, założycielki pierwszej w Ameryce kolekcji, która została nazwana Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Société Anonyme. Dreier był współpracownikiem Rebay ’ a.wśród jego prac znalazły się: mała Francuska dziewczynka (1914-18) Brâncușiego, Martwa natura Bez tytułu (1916) Juana Grisa, rzeźba z brązu (1919) Aleksandra Archipenko oraz trzy kolaże (1919-21) niemieckiego Hanowerskiego Dadaisty Schwittersa. Znalazły się na niej również utwory Caldera, Marcela Duchampa, El Lissitzky ’ ego i Mondriana. Sweeney nabył między innymi dzieła Alberto Giacomettiego, Davida Hayesa, Willema de Kooninga i Jacksona Pollocka.
Sweeney nadzorował ostatnie pół tuzina lat budowy budynku muzeum, w tym czasie miał antagonistyczne stosunki z Frankiem Lloydem Wrightem, szczególnie w odniesieniu do kwestii oświetlenia budynku. Charakterystyczny Cylindryczny budynek okazał się ostatnim ważnym dziełem Wrighta, ponieważ architekt zmarł pół roku przed jego otwarciem. Od strony ulicy budynek wygląda jak biała Wstęga zwinięta w cylindryczny stos, szerszy u góry niż u dołu, ukazujący prawie wszystkie zakrzywione powierzchnie. Jego wygląd jest w ostrym kontraście do typowo prostokątnych budynków Manhattanu, które go otaczają, fakt zachwycony przez Wrighta, który twierdził, że jego muzeum sprawiłoby, że pobliskie Metropolitan Museum of Art „wyglądałoby jak protestancka stodoła”. Wewnątrz Galeria widokowa tworzy spiralną rampę wspinającą się łagodnie od poziomu gruntu do świetlika na szczycie.
krytyka i otwarcie budynkuedytuj
widok wnętrza muzeum w pracowity dzień
jeszcze przed jego otwarciem projekt spolaryzował krytyków architektury. Niektórzy wierzyli, że budynek przyćmi dzieła sztuki muzeum. „Wręcz przeciwnie”, napisał architekt, projekt sprawia, że ” budynek i obraz nieprzerwany, piękna Symfonia, takich jak nigdy nie istniał w świecie sztuki przed.”Inni krytycy i wielu artystów uznali, że niezręczne jest właściwe powieszenie obrazów w płytkich, bez okien, wklęsłych niszach wystawowych, które otaczają centralną spiralę. Przed otwarciem Muzeum dwudziestu jeden artystów podpisało list protestujący przeciwko wystawieniu ich prac w takiej przestrzeni. Historyk Lewis Mumford podsumował opprobrium:
Wright przeznaczył na widok obrazów i rzeźb tyle miejsca, ile nie naruszałoby jego abstrakcyjnej kompozycji. … stworzył powłokę, której forma nie ma związku ze swoją funkcją i nie dawała możliwości przyszłego odejścia od sztywnych uprzedzeń. ma, jak na Muzeum, niski sufit-dziewięć stóp osiem cali pochylony na zewnątrz, po skosie zewnętrznej ściany, a obrazy nie miały być zawieszone pionowo lub pokazane w ich prawdziwej płaszczyźnie, ale miały być przechylone do tyłu. … Ani uciec światło świecące w jego oczach z wąskich szczelin w ścianie.
21 października 1959 roku, dziesięć lat po śmierci Solomona Guggenheima i sześć miesięcy po śmierci Franka Lloyda Wrighta, Muzeum po raz pierwszy otworzyło swoje podwoje dla tłumów. Budynek stał się powszechnie chwalony i inspirował wielu innych architektów.
świetlik w centrum muzeum
Messer yearsEdit
Tomasz M. Messer zastąpił Sweeneya na stanowisku dyrektora muzeum (ale nie Fundacji) w 1961 roku i pozostał nim przez 27 lat, najdłużej z dyrektorów głównych instytucji artystycznych w mieście. Kiedy Messer przejął władzę, zdolność muzeum do prezentowania Sztuki w ogóle była nadal wątpliwa ze względu na wyzwania, jakie stawiała Galeria continuous spiral ramp, która jest zarówno pochylona, jak i ma nie pionowe zakrzywione ściany. Trudno jest właściwie powiesić obrazy w płytkich, pozbawionych okien niszach wystawowych, które otaczają centralną spiralę: płótna muszą być montowane uniesione z powierzchni ściany. Obrazy zawieszone skośnie do tyłu wyglądałyby „jak na sztaludze artysty”. W niszach jest ograniczona przestrzeń na rzeźbę.
niemal natychmiast, w 1962 roku, Messer podjął ryzyko wystawienia dużej wystawy, która połączyła obrazy Guggenheima z rzeźbami wypożyczonymi z kolekcji Hirshhorna. Rzeźba trójwymiarowa w szczególności poruszała „problem instalacji takiego pokazu w Muzeum tak bliskim podobieństwu do kolistej geografii piekła”, w którym każdy pionowy obiekt wydaje się przechylony w” pijackim szałasie”, ponieważ nachylenie podłogi i krzywizna ścian mogły się połączyć, aby wytworzyć irytujące złudzenia optyczne. Okazało się, że kombinacja może działać dobrze w przestrzeni Guggenheima, ale Messer przypomniał, że w tym czasie „bałem się. W połowie czułem, że to będzie moja ostatnia wystawa.”Messer miał foresight, aby przygotować się, wystawiając mniejszą wystawę rzeźb w ubiegłym roku, w której odkrył, jak zrekompensować dziwną geometrię przestrzeni, konstruując specjalne cokoły pod określonym kątem, więc prace nie były w prawdziwym pionie, ale wydawały się takie. We wcześniejszym pokazie rzeźby ta sztuczka okazała się niemożliwa dla one piece, Alexandra Caldera mobile, którego przewód nieuchronnie wisiał w pionie, „sugerując halucynacje” w dezorientującym kontekście przechylonej podłogi.
w następnym roku Messer nabył prywatną kolekcję od handlarza sztuką Justina K. Thannhausera do stałej kolekcji Muzeum. Te 73 dzieła to impresjonistyczne, Postimpresjonistyczne i francuskie arcydzieła współczesne, w tym ważne dzieła Paula Gauguina, Édouarda Maneta, Camille ’ a Pissarro, Vincenta van Gogha i 32 dzieła Pabla Picassa. „Works and Process” to cykl performansów w Guggenheim rozpoczęty w 1984 roku. Pierwszy sezon składał się z Philipa Glassa z Christopherem Keene w Akhnaten oraz Steve ’ a Reicha i Michaela Tilsona Thomasa w Desert Music.
Krens i ekspansjaedytuj
Thomas Krens, dyrektor Fundacji w latach 1988-2008, doprowadził do szybkiej rozbudowy zbiorów Muzeum. W 1991 roku rozszerzył swoje zbiory, nabywając kolekcję Panza. Zgromadzona przez hrabiego Giuseppe di Biumo i jego żonę Giovannę Kolekcja Panza zawiera przykłady minimalistycznych rzeźb Carla Andre, dana Flavina i Donalda Judda oraz minimalistycznych obrazów Roberta Mangolda, Brice 'a Mardena i Roberta Rymana, a także szereg postminimalnych, konceptualnych i percepcyjnych dzieł Roberta Morrisa, Richarda Serry, Jamesa Turrella, Lawrence’ a Weinera i innych, w szczególności amerykańskich przykładów z lat 60. i 70.najlepsze zdjęcia dla Fundacji. Prace obejmowały całą jego twórczość, od wczesnych kolaży, polaroidów, portretów celebrytów, autoportretów, męskich i żeńskich aktów, kwiatów i posągów. Zawierała również konstrukcje mieszane i jego znany Autoportret z 1998 roku. Nabycie zainicjowało program wystaw fotograficznych Fundacji.
również w 1992 r.ekspozycja nowojorskiego Muzeum i inne przestrzenie zostały rozszerzone przez dodanie przylegającej prostokątnej wieży, która stoi za, i wyższa od oryginalnej spirali, oraz renowację oryginalnego budynku. Nowa wieża została zaprojektowana przez firmę architektoniczną Gwathmey Siegel & Associates Architects, która przeanalizowała oryginalne szkice Wrighta podczas projektowania 10-piętrowej wapiennej wieży, która zastąpiła znacznie mniejszą konstrukcję. Posiada cztery dodatkowe galerie wystawowe z płaskimi ścianami, które są „bardziej odpowiednie do wyświetlania sztuki”. W pierwotnej konstrukcji budynku główny Świetlik galerii został zakryty, co osłabiło starannie przegubowe efekty świetlne Wrighta. Zmieniło się to w 1992 roku, kiedy Świetlik został przywrócony do pierwotnego projektu.
Peter B. Lewis Theater
aby sfinansować te ruchy, Fundacja sprzedała prace Kandinsky ’ ego, Chagalla i Modiglianiego, aby zebrać 47 milionów dolarów, przyciągając znaczną krytykę dla mistrzów handlu dla „modnych” spóźnionych. W New York Times krytyk Michael Kimmelman napisał, że sprzedaż „rozciągnęła przyjęte zasady deaccession dalej niż wiele amerykańskich instytucji było skłonnych to zrobić.”Krens bronił działania jako zgodnego z zasadami muzeum, m.in. poszerzając jego Międzynarodową Kolekcję i budując” powojenną kolekcję do potęgi naszych przedwojennych zbiorów ” i zwrócił uwagę, że taka sprzedaż jest regularną praktyką muzeów. Jednocześnie rozszerzył międzynarodową obecność Fundacji, otwierając muzea za granicą. Krens był również krytykowany za swój biznesowy styl oraz postrzegany populizm i komercjalizację. Jeden z pisarzy skomentował: „Krens był zarówno chwalony, jak i szkalowany za przekształcenie małej nowojorskiej instytucji w światową markę, tworząc pierwszą prawdziwie wielonarodową instytucję artystyczną. … Krens przekształcił Guggenheima w jedną z najbardziej znanych marek w sztuce.”
pod Krensem Muzeum wystawiło kilka najpopularniejszych wystaw:” Africa: the Art of a Continent „w 1996;” China: 5,000 Years „w 1998;”Brazil: Body& Soul „w 2001; and” the Aztec Empire ” w 2004. Okazjonalnie pokazywał nietypowe wystawy, np. komercyjne instalacje artystyczne motocykli. The New Criterion 's Hilton Kramer potępił” The Art of the Motorcycle ” retrospektywa Franka Lloyda Wrighta z 2009 roku pokazała architekta w 50. rocznicę otwarcia budynku i była najbardziej popularnym eksponatem Muzeum, ponieważ zaczęło prowadzić takie zapisy frekwencji w 1992 roku.
uczniowie szkicujący przy wejściu do Sackler Center
w 2001 roku Muzeum otworzyło Sackler Center for Arts Education. Obiekt o powierzchni 760 m2 zapewnia zajęcia i wykłady na temat sztuk wizualnych i performatywnych oraz możliwości interakcji ze zbiorami muzeum i wystawami specjalnymi poprzez laboratoria, przestrzenie wystawowe, sale konferencyjne i Teatr Petera B. Lewisa z 266 miejscami. Znajduje się na niższym poziomie Muzeum, poniżej dużej rotundy i był darem rodziny Mortimer D. Sackler. Również w 2001 roku Fundacja otrzymała dar w postaci dużej kolekcji Fundacji Bohena, która przez dwie dekady zamawiała nowe dzieła sztuki z naciskiem na film, wideo, fotografię i nowe media. Artystami wchodzącymi w skład kolekcji są Pierre Huyghe i Sophie Calle.
renowacjaedytuj
od września 2005 do lipca 2008 roku Muzeum Guggenheima poddało się znaczącej renowacji zewnętrznej w celu naprawy pęknięć i modernizacji systemów oraz detali zewnętrznych. W pierwszej fazie tego projektu zespół architektów, inżynierów i konserwatorów architektonicznych pracował razem, aby stworzyć kompleksową ocenę stanu budynku, która określiła konstrukcję jako fundamentalnie solidną. Ta wstępna ocena stanu obejmowała:
- usunięcie farby z oryginalnej powierzchni, odsłaniając setki pęknięć powstałych na przestrzeni lat, głównie sezonowych wahań temperatury;
- szczegółowy monitoring ruchu wybranych pęknięć w ciągu 17 miesięcy;
- technologia impact-echo, w której fale dźwiękowe są wysyłane do betonu, a odbicie jest mierzone w celu zlokalizowania pustek w ścianach;
- laserowe badania powierzchni zewnętrznych i wewnętrznych, uważane za największy model laserowy, jaki kiedykolwiek opracowano;
- wiercenie rdzeniowe w celu zebrania próbek oryginalnego betonu i innych materiałów budowlanych; oraz
- testowanie potencjalnych materiałów naprawczych.
1966 2 Cent USA znaczek pocztowy honorujący Wrighta
znaczna część wnętrza budynku została odrestaurowana podczas renowacji w 1992 roku i dodana przez Gwathmey Siegel And Associates Architects. Renowacja w latach 2005-2008 dotyczyła przede wszystkim zewnętrznej części oryginalnego budynku i infrastruktury. Obejmowały one świetliki, okna, drzwi, Elewacje betonowe i gunit oraz zewnętrzny chodnik, a także klimatyzację. Celem było zachowanie jak największej ilości znaczącej historycznej struktury muzeum, przy jednoczesnym przeprowadzeniu niezbędnych napraw i zapewnieniu odpowiedniego środowiska do dalszego wykorzystania budynku jako muzeum.
22 września 2008 roku Guggenheim świętował zakończenie trzyletniego projektu renowacyjnego. Burmistrz Nowego Jorku Michael Bloomberg poprowadził uroczystość, której zwieńczeniem była premiera hołdu artystki Jenny Holzer dla Guggenheima, dzieła zamówionego na cześć Petera B. Lewisa, który był głównym dobroczyńcą w projekcie renowacji Muzeum. Innymi zwolennikami odbudowy wartej 29 milionów dolarów byli Rada Powiernicza Fundacji Solomona R. Guggenheima oraz Miejski Departament Kultury. Dodatkowe wsparcie zapewniło Stan Nowy Jork i MAPEI Corporation.
Ostatnie lataEdytuj
Richard Armstrong, 2012
w 2005 roku Krens wygrał spór z miliarderem, filantropem Peterem B. Lewisem, Prezesem Zarządu Fundacji i największym darczyńcą Fundacji w jej historii. Lewis zrezygnował z zarządu, wyrażając sprzeciw wobec planów Krensa dotyczących dalszej globalnej ekspansji muzeów Guggenheima. Również w 2005 roku Lisa Dennison, wieloletnia kustosz Guggenheima, została mianowana dyrektorem Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku. Dennison zrezygnował w lipcu 2007, aby pracować w domu aukcyjnym Sotheby ’ s.napięcia między Krensem a zarządem trwały nadal, a w lutym 2008 Krens ustąpił ze stanowiska dyrektora Fundacji, chociaż pozostaje doradcą do Spraw Międzynarodowych.
Richard Armstrong został piątym dyrektorem muzeum 4 listopada 2008 roku. Przez 12 lat był dyrektorem Carnegie Museum of Art w Pittsburghu, gdzie pełnił również funkcję głównego kuratora i kuratora Sztuki Współczesnej. Głównym kustoszem i zastępcą dyrektora muzeum jest Nancy Spector.
oprócz stałych kolekcji, które wciąż się powiększają, fundacja prowadzi wystawy wypożyczeń i współorganizuje wystawy z innymi muzeami w celu wspierania popularyzacji społeczeństwa. W 2013 roku muzeum odwiedziło prawie 1,2 miliona osób,a jego wystawa Jamesa Turrella była najpopularniejsza w Nowym Jorku pod względem dziennej frekwencji.
w 2019 roku Chaédria LaBouvier została pierwszą czarnoskórą kuratorką, która stworzyła indywidualną wystawę i pierwszą czarnoskórą osobą, która napisała tekst opublikowany przez Muzeum. Oskarżyła muzeum o rasizm po tym, jak odmówiło jej udziału w przewodniku audio dla jej wystawy i rzekomo zataiło przed nią środki i wykluczyło ją z panelu organizowanego na temat wystawy. W ciągu miesiąca po tym, jak LaBouvier wypowiedział się na ten temat, muzeum zatrudniło pierwszego czarnoskórego kustosza, Ashley James.
w 1953 roku kryteria zbierania Fundacji rozszerzyły się pod nowym dyrektorem, Jamesem Johnsonem Sweeneyem. Sweeney odrzucił rezygnację Rebaya z” obiektywnego „malarstwa i rzeźby i wkrótce nabył Adam i Ewa Constantina Brâncușiego (1921), a następnie dzieła innych modernistycznych rzeźbiarzy, w tym Josepha Csaky’ ego, Jeana Arpa, Caldera, Alberto Giacomettiego i Davida Smitha. Sweeney sięgnął poza XX wiek, aby zdobyć mężczyznę ze skrzyżowanymi ramionami Paula Cézanne ’ a (ok. 1899). W tym samym roku Fundacja otrzymała również dar 28 ważnych dzieł od posiadłości Katherine S. Dreier, założycielki pierwszej w Ameryce kolekcji, która została nazwana Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Société Anonyme. Dreier był współpracownikiem Rebay ’ a.wśród jego prac znalazły się: mała Francuska dziewczynka (1914-18) Brâncușiego, Martwa natura Bez tytułu (1916) Juana Grisa, rzeźba z brązu (1919) Aleksandra Archipenko oraz trzy kolaże (1919-21) niemieckiego Hanowerskiego Dadaisty Schwittersa. Znalazły się na niej również utwory Caldera, Marcela Duchampa, El Lissitzky ’ ego i Mondriana. Sweeney nabył między innymi dzieła Alberto Giacomettiego, Davida Hayesa, Willema de Kooninga i Jacksona Pollocka.
Sweeney nadzorował ostatnie pół tuzina lat budowy budynku muzeum, w tym czasie miał antagonistyczne stosunki z Frankiem Lloydem Wrightem, szczególnie w odniesieniu do kwestii oświetlenia budynku. Charakterystyczny Cylindryczny budynek okazał się ostatnim ważnym dziełem Wrighta, ponieważ architekt zmarł pół roku przed jego otwarciem. Od strony ulicy budynek wygląda jak biała Wstęga zwinięta w cylindryczny stos, szerszy u góry niż u dołu, ukazujący prawie wszystkie zakrzywione powierzchnie. Jego wygląd jest w ostrym kontraście do typowo prostokątnych budynków Manhattanu, które go otaczają, fakt zachwycony przez Wrighta, który twierdził, że jego muzeum sprawiłoby, że pobliskie Metropolitan Museum of Art „wyglądałoby jak protestancka stodoła”. Wewnątrz Galeria widokowa tworzy spiralną rampę wspinającą się łagodnie od poziomu gruntu do świetlika na szczycie.
krytyka i otwarcie budynkuedytuj
jeszcze przed jego otwarciem projekt spolaryzował krytyków architektury. Niektórzy wierzyli, że budynek przyćmi dzieła sztuki muzeum. „Wręcz przeciwnie”, napisał architekt, projekt sprawia, że ” budynek i obraz nieprzerwany, piękna Symfonia, takich jak nigdy nie istniał w świecie sztuki przed.”Inni krytycy i wielu artystów uznali, że niezręczne jest właściwe powieszenie obrazów w płytkich, bez okien, wklęsłych niszach wystawowych, które otaczają centralną spiralę. Przed otwarciem Muzeum dwudziestu jeden artystów podpisało list protestujący przeciwko wystawieniu ich prac w takiej przestrzeni. Historyk Lewis Mumford podsumował opprobrium:
Wright przeznaczył na widok obrazów i rzeźb tyle miejsca, ile nie naruszałoby jego abstrakcyjnej kompozycji. … stworzył powłokę, której forma nie ma związku ze swoją funkcją i nie dawała możliwości przyszłego odejścia od sztywnych uprzedzeń. ma, jak na Muzeum, niski sufit-dziewięć stóp osiem cali pochylony na zewnątrz, po skosie zewnętrznej ściany, a obrazy nie miały być zawieszone pionowo lub pokazane w ich prawdziwej płaszczyźnie, ale miały być przechylone do tyłu. … Ani uciec światło świecące w jego oczach z wąskich szczelin w ścianie.
21 października 1959 roku, dziesięć lat po śmierci Solomona Guggenheima i sześć miesięcy po śmierci Franka Lloyda Wrighta, Muzeum po raz pierwszy otworzyło swoje podwoje dla tłumów. Budynek stał się powszechnie chwalony i inspirował wielu innych architektów.
Messer yearsEdit
Tomasz M. Messer zastąpił Sweeneya na stanowisku dyrektora muzeum (ale nie Fundacji) w 1961 roku i pozostał nim przez 27 lat, najdłużej z dyrektorów głównych instytucji artystycznych w mieście. Kiedy Messer przejął władzę, zdolność muzeum do prezentowania Sztuki w ogóle była nadal wątpliwa ze względu na wyzwania, jakie stawiała Galeria continuous spiral ramp, która jest zarówno pochylona, jak i ma nie pionowe zakrzywione ściany. Trudno jest właściwie powiesić obrazy w płytkich, pozbawionych okien niszach wystawowych, które otaczają centralną spiralę: płótna muszą być montowane uniesione z powierzchni ściany. Obrazy zawieszone skośnie do tyłu wyglądałyby „jak na sztaludze artysty”. W niszach jest ograniczona przestrzeń na rzeźbę.
niemal natychmiast, w 1962 roku, Messer podjął ryzyko wystawienia dużej wystawy, która połączyła obrazy Guggenheima z rzeźbami wypożyczonymi z kolekcji Hirshhorna. Rzeźba trójwymiarowa w szczególności poruszała „problem instalacji takiego pokazu w Muzeum tak bliskim podobieństwu do kolistej geografii piekła”, w którym każdy pionowy obiekt wydaje się przechylony w” pijackim szałasie”, ponieważ nachylenie podłogi i krzywizna ścian mogły się połączyć, aby wytworzyć irytujące złudzenia optyczne. Okazało się, że kombinacja może działać dobrze w przestrzeni Guggenheima, ale Messer przypomniał, że w tym czasie „bałem się. W połowie czułem, że to będzie moja ostatnia wystawa.”Messer miał foresight, aby przygotować się, wystawiając mniejszą wystawę rzeźb w ubiegłym roku, w której odkrył, jak zrekompensować dziwną geometrię przestrzeni, konstruując specjalne cokoły pod określonym kątem, więc prace nie były w prawdziwym pionie, ale wydawały się takie. We wcześniejszym pokazie rzeźby ta sztuczka okazała się niemożliwa dla one piece, Alexandra Caldera mobile, którego przewód nieuchronnie wisiał w pionie, „sugerując halucynacje” w dezorientującym kontekście przechylonej podłogi.
w następnym roku Messer nabył prywatną kolekcję od handlarza sztuką Justina K. Thannhausera do stałej kolekcji Muzeum. Te 73 dzieła to impresjonistyczne, Postimpresjonistyczne i francuskie arcydzieła współczesne, w tym ważne dzieła Paula Gauguina, Édouarda Maneta, Camille ’ a Pissarro, Vincenta van Gogha i 32 dzieła Pabla Picassa. „Works and Process” to cykl performansów w Guggenheim rozpoczęty w 1984 roku. Pierwszy sezon składał się z Philipa Glassa z Christopherem Keene w Akhnaten oraz Steve ’ a Reicha i Michaela Tilsona Thomasa w Desert Music.
Krens i ekspansjaedytuj
Thomas Krens, dyrektor Fundacji w latach 1988-2008, doprowadził do szybkiej rozbudowy zbiorów Muzeum. W 1991 roku rozszerzył swoje zbiory, nabywając kolekcję Panza. Zgromadzona przez hrabiego Giuseppe di Biumo i jego żonę Giovannę Kolekcja Panza zawiera przykłady minimalistycznych rzeźb Carla Andre, dana Flavina i Donalda Judda oraz minimalistycznych obrazów Roberta Mangolda, Brice 'a Mardena i Roberta Rymana, a także szereg postminimalnych, konceptualnych i percepcyjnych dzieł Roberta Morrisa, Richarda Serry, Jamesa Turrella, Lawrence’ a Weinera i innych, w szczególności amerykańskich przykładów z lat 60. i 70.najlepsze zdjęcia dla Fundacji. Prace obejmowały całą jego twórczość, od wczesnych kolaży, polaroidów, portretów celebrytów, autoportretów, męskich i żeńskich aktów, kwiatów i posągów. Zawierała również konstrukcje mieszane i jego znany Autoportret z 1998 roku. Nabycie zainicjowało program wystaw fotograficznych Fundacji.
również w 1992 r.ekspozycja nowojorskiego Muzeum i inne przestrzenie zostały rozszerzone przez dodanie przylegającej prostokątnej wieży, która stoi za, i wyższa od oryginalnej spirali, oraz renowację oryginalnego budynku. Nowa wieża została zaprojektowana przez firmę architektoniczną Gwathmey Siegel & Associates Architects, która przeanalizowała oryginalne szkice Wrighta podczas projektowania 10-piętrowej wapiennej wieży, która zastąpiła znacznie mniejszą konstrukcję. Posiada cztery dodatkowe galerie wystawowe z płaskimi ścianami, które są „bardziej odpowiednie do wyświetlania sztuki”. W pierwotnej konstrukcji budynku główny Świetlik galerii został zakryty, co osłabiło starannie przegubowe efekty świetlne Wrighta. Zmieniło się to w 1992 roku, kiedy Świetlik został przywrócony do pierwotnego projektu.
aby sfinansować te ruchy, Fundacja sprzedała prace Kandinsky ’ ego, Chagalla i Modiglianiego, aby zebrać 47 milionów dolarów, przyciągając znaczną krytykę dla mistrzów handlu dla „modnych” spóźnionych. W New York Times krytyk Michael Kimmelman napisał, że sprzedaż „rozciągnęła przyjęte zasady deaccession dalej niż wiele amerykańskich instytucji było skłonnych to zrobić.”Krens bronił działania jako zgodnego z zasadami muzeum, m.in. poszerzając jego Międzynarodową Kolekcję i budując” powojenną kolekcję do potęgi naszych przedwojennych zbiorów ” i zwrócił uwagę, że taka sprzedaż jest regularną praktyką muzeów. Jednocześnie rozszerzył międzynarodową obecność Fundacji, otwierając muzea za granicą. Krens był również krytykowany za swój biznesowy styl oraz postrzegany populizm i komercjalizację. Jeden z pisarzy skomentował: „Krens był zarówno chwalony, jak i szkalowany za przekształcenie małej nowojorskiej instytucji w światową markę, tworząc pierwszą prawdziwie wielonarodową instytucję artystyczną. … Krens przekształcił Guggenheima w jedną z najbardziej znanych marek w sztuce.”
pod Krensem Muzeum wystawiło kilka najpopularniejszych wystaw:” Africa: the Art of a Continent „w 1996;” China: 5,000 Years „w 1998;”Brazil: Body& Soul „w 2001; and” the Aztec Empire ” w 2004. Okazjonalnie pokazywał nietypowe wystawy, np. komercyjne instalacje artystyczne motocykli. The New Criterion 's Hilton Kramer potępił” The Art of the Motorcycle ” retrospektywa Franka Lloyda Wrighta z 2009 roku pokazała architekta w 50. rocznicę otwarcia budynku i była najbardziej popularnym eksponatem Muzeum, ponieważ zaczęło prowadzić takie zapisy frekwencji w 1992 roku.
w 2001 roku Muzeum otworzyło Sackler Center for Arts Education. Obiekt o powierzchni 760 m2 zapewnia zajęcia i wykłady na temat sztuk wizualnych i performatywnych oraz możliwości interakcji ze zbiorami muzeum i wystawami specjalnymi poprzez laboratoria, przestrzenie wystawowe, sale konferencyjne i Teatr Petera B. Lewisa z 266 miejscami. Znajduje się na niższym poziomie Muzeum, poniżej dużej rotundy i był darem rodziny Mortimer D. Sackler. Również w 2001 roku Fundacja otrzymała dar w postaci dużej kolekcji Fundacji Bohena, która przez dwie dekady zamawiała nowe dzieła sztuki z naciskiem na film, wideo, fotografię i nowe media. Artystami wchodzącymi w skład kolekcji są Pierre Huyghe i Sophie Calle.
renowacjaedytuj
od września 2005 do lipca 2008 roku Muzeum Guggenheima poddało się znaczącej renowacji zewnętrznej w celu naprawy pęknięć i modernizacji systemów oraz detali zewnętrznych. W pierwszej fazie tego projektu zespół architektów, inżynierów i konserwatorów architektonicznych pracował razem, aby stworzyć kompleksową ocenę stanu budynku, która określiła konstrukcję jako fundamentalnie solidną. Ta wstępna ocena stanu obejmowała:
- usunięcie farby z oryginalnej powierzchni, odsłaniając setki pęknięć powstałych na przestrzeni lat, głównie sezonowych wahań temperatury;
- szczegółowy monitoring ruchu wybranych pęknięć w ciągu 17 miesięcy;
- technologia impact-echo, w której fale dźwiękowe są wysyłane do betonu, a odbicie jest mierzone w celu zlokalizowania pustek w ścianach;
- laserowe badania powierzchni zewnętrznych i wewnętrznych, uważane za największy model laserowy, jaki kiedykolwiek opracowano;
- wiercenie rdzeniowe w celu zebrania próbek oryginalnego betonu i innych materiałów budowlanych; oraz
- testowanie potencjalnych materiałów naprawczych.
1966 2 Cent USA znaczek pocztowy honorujący Wrighta
znaczna część wnętrza budynku została odrestaurowana podczas renowacji w 1992 roku i dodana przez Gwathmey Siegel And Associates Architects. Renowacja w latach 2005-2008 dotyczyła przede wszystkim zewnętrznej części oryginalnego budynku i infrastruktury. Obejmowały one świetliki, okna, drzwi, Elewacje betonowe i gunit oraz zewnętrzny chodnik, a także klimatyzację. Celem było zachowanie jak największej ilości znaczącej historycznej struktury muzeum, przy jednoczesnym przeprowadzeniu niezbędnych napraw i zapewnieniu odpowiedniego środowiska do dalszego wykorzystania budynku jako muzeum.
22 września 2008 roku Guggenheim świętował zakończenie trzyletniego projektu renowacyjnego. Burmistrz Nowego Jorku Michael Bloomberg poprowadził uroczystość, której zwieńczeniem była premiera hołdu artystki Jenny Holzer dla Guggenheima, dzieła zamówionego na cześć Petera B. Lewisa, który był głównym dobroczyńcą w projekcie renowacji Muzeum. Innymi zwolennikami odbudowy wartej 29 milionów dolarów byli Rada Powiernicza Fundacji Solomona R. Guggenheima oraz Miejski Departament Kultury. Dodatkowe wsparcie zapewniło Stan Nowy Jork i MAPEI Corporation.
Ostatnie lataEdytuj
w 2005 roku Krens wygrał spór z miliarderem, filantropem Peterem B. Lewisem, Prezesem Zarządu Fundacji i największym darczyńcą Fundacji w jej historii. Lewis zrezygnował z zarządu, wyrażając sprzeciw wobec planów Krensa dotyczących dalszej globalnej ekspansji muzeów Guggenheima. Również w 2005 roku Lisa Dennison, wieloletnia kustosz Guggenheima, została mianowana dyrektorem Muzeum Solomona R. Guggenheima w Nowym Jorku. Dennison zrezygnował w lipcu 2007, aby pracować w domu aukcyjnym Sotheby ’ s.napięcia między Krensem a zarządem trwały nadal, a w lutym 2008 Krens ustąpił ze stanowiska dyrektora Fundacji, chociaż pozostaje doradcą do Spraw Międzynarodowych.
Richard Armstrong został piątym dyrektorem muzeum 4 listopada 2008 roku. Przez 12 lat był dyrektorem Carnegie Museum of Art w Pittsburghu, gdzie pełnił również funkcję głównego kuratora i kuratora Sztuki Współczesnej. Głównym kustoszem i zastępcą dyrektora muzeum jest Nancy Spector.
oprócz stałych kolekcji, które wciąż się powiększają, fundacja prowadzi wystawy wypożyczeń i współorganizuje wystawy z innymi muzeami w celu wspierania popularyzacji społeczeństwa. W 2013 roku muzeum odwiedziło prawie 1,2 miliona osób,a jego wystawa Jamesa Turrella była najpopularniejsza w Nowym Jorku pod względem dziennej frekwencji.
w 2019 roku Chaédria LaBouvier została pierwszą czarnoskórą kuratorką, która stworzyła indywidualną wystawę i pierwszą czarnoskórą osobą, która napisała tekst opublikowany przez Muzeum. Oskarżyła muzeum o rasizm po tym, jak odmówiło jej udziału w przewodniku audio dla jej wystawy i rzekomo zataiło przed nią środki i wykluczyło ją z panelu organizowanego na temat wystawy. W ciągu miesiąca po tym, jak LaBouvier wypowiedział się na ten temat, muzeum zatrudniło pierwszego czarnoskórego kustosza, Ashley James.
Leave a Reply