vandaag schrijf ik over enkele fundamentele vragen over de aanwezigheid van een brandpunt in een schilderij. Ik zal ook het verschil onderzoeken tussen een schilderij dat wat opwinding heeft, in tegenstelling tot gewoon saai en saai.

tijdens het lesgeven werd mij vaak gevraagd: “Wat is er mis met mijn schilderij?”Het is niet altijd de makkelijkste vraag om te beantwoorden. Misschien een betere manier om dit te benaderen zou zijn om te vragen, wat werkt en hoe kan Ik verbeteren wat er al is?

de kleuren en waarden kunnen goed lijken en de tekening kan relatief goed zijn, maar het kan nog steeds dat bepaalde iets missen waardoor je er heel lang naar wilt kijken! Het kan zijn dat het schilderij gewoon een centrum van belang mist, evenals enkele secundaire punten van belang. Met andere woorden, het heeft geen “haken” om het oog te vangen, waardoor de kijker wil verder verkennen.

dus wat is een “hook” en hoe kan de artiest deze interessegebieden in hun werk creëren? Het antwoord op die vraag ligt in het principe van harmonie en contrast. Als je overdag naar een scène in de natuur kijkt, zul je merken dat het grootste deel van wat je ziet ergens in het bereik van middelste tonen ligt, met donkerten en lichten hier en daar verspreid. Deze contrastgebieden zijn de ingrediënten die opwinding en een gevoel van vorm creëren. Er zijn ook andere contrasten. Contrasten van massa versus lineaire elementen, contrasten van kleur, kleurtemperatuur, kleurverzadiging en waarde. Daarnaast zijn er ook contrasten van grootte, vorm en textuur, om er maar een paar te noemen.

het gebruik van dit idee om betere en interessantere schilderijen uit te voeren vereist dat de kunstenaar gebieden van belang creëert die verschillen van de belangrijkste middentonen die we overal zien. Deze mid-tone gebieden nemen meestal de grootste hoeveelheid ruimte in de visuele wereld. Het is belangrijk dat een schilderij verschillende contrasterende gebieden heeft, die het werk op dezelfde manier kruiden geven als de natuur. Als kunstenaars kunnen we bepaalde aspecten van deze verschillen verbeteren voor een goed effect in ons werk. Deze, dan, worden gebieden van belang bekend als focal points, met een die domineert, als het centrum van belang.

Dit idee van een centrum van belang kan soms leiden tot verwarring. In mijn schilderlessen door de jaren heen, hebben we veel discussies gehad die meer vragen hebben aangewakkerd en me ertoe hebben gebracht na te denken over het echte doel van een centrum van interesse in de eerste plaats. Ik denk dat het belangrijk is om erop te wijzen dat een centrum van belang niet een soort van “bull’ s eye” dat de kijker obsessies over moet zijn, met uitsluiting van alle andere gebieden van het schilderij.

mijn persoonlijke mening is dat een centrum van belang een plaats is in het schilderij waar het oog de neiging heeft om te beginnen, of te eindigen, pauzeren en dan verder te gaan langs een pad van visuele exploratie. Hoe belangrijk dit gebied is zal bepalen hoeveel tijd de kijker er doorbrengt (meer daarover in een minuut). Dit begrip zorgt voor andere hotspots in het ontwerp die niet afdoen aan het origineel, maar die rente en ondersteuning bieden, wat uiteindelijk leidt naar het centrale gebied van belang.

een ander aspect van een centrum van belang is dat het niet altijd het onderwerp van uw schilderij hoeft te zijn. Het kan een gebied zijn, of een object, dat fungeert als een folie voor het werkelijke subject. Stel je voor een moment een enkele hek post, die in de schaduw die is silhouetted tegen een grote uitgestrektheid van zonovergoten, bewolkte hemel. De uitgestrektheid van de hemel en zijn interessante vormen kunnen zijn wat de kunstenaar probeerde over te brengen aan de kijker en is het onderwerp van het schilderij. Op zichzelf had dit onderwerp misschien niet genoeg opwinding, en daarom gaf de kunstenaar het een “haak” (de omheiningspaal) om Schaal over te brengen, samen met een beetje lineaire interesse. In dit geval produceert het centrum van belang een zeer sterke visuele aantrekkingskracht en de kijker zal er onmiddellijk naar toe gaan, maar het is niet waar het schilderij echt over gaat-het onderwerp is de lucht!

een ander voorbeeld zou dezelfde hemel kunnen gebruiken, alleen deze keer met een twist. Deze keer zou de kunstenaar kunnen besluiten om de omheining helemaal te elimineren en te kiezen voor een klein deel van de hemel om te fungeren als het belangrijkste brandpunt. Dit zou een gebied van de hemel kunnen zijn dat meer waarde en kleurcontrast heeft dan de rest, misschien een enkele wolk die fungeert als de centrale focus, maar die, nogmaals, is niet op zichzelf het onderwerp van het schilderij.

dus, wanneer zijn het onderwerp en het focuspunt hetzelfde? Hier is een ander voorbeeld: deze keer is de kunstenaar gecharmeerd van een grote rots en wil het schilderen. De kunstenaar schildert dit onderwerp vervolgens binnen de context van het landschap en geeft de meeste visuele aandacht aan de rots, door harde randen, meer kleurverzadiging, waardecontrasten — noem maar op — te gebruiken om het belang ervan in het beeld te vergroten. Ja, er zijn andere minder interessante gebieden in dit landschap, maar ze concurreren niet met de rots. Je hebt nu een schilderij waar het centrum van belang ook het onderwerp is.

Dit brengt een laatste aspect naar voren over dit idee van een focal point: moet het altijd sterk zijn? Op dit punt zou ik zeggen, niet per se. Er zijn echt geen regels, alleen beproefde en ware ideeën. Het komt echt neer op creativiteit gebaseerd op visuele observatie en verbeelding. Sommige schilderijen vragen om een sterke focus en andere niet. het is een kwestie van graad die getemperd wordt door artistieke smaak en doel. (Als er een formule zou zijn om meesterwerken te schilderen, zou er geen ruimte zijn voor echte kunstenaars, alleen technici! In één schilderij zou het de uitgestrektheid en eenzaamheid van een woestijn kunnen zijn. Zou het ontbreken van een sterk focuspunt in deze situatie kunnen helpen? Jij bent de rechter.de volgende keer dat je je afvraagt waarom een schilderij waar je aan werkt saai en levenloos lijkt, denk dan aan dit principe van harmonie en contrast om te zien of je het antwoord kunt vinden. Je hebt misschien gewoon een haak nodig om het stuk wat harder te laten zingen.

Hieronder is een schilderij dat ik onlangs uit een prullenbak in mijn studio heb gehaald om een aantal dingen te herwerken die me dwars zaten. Mijn term hiervoor is het nemen van een schilderij “door de wasstraat.”Het betekent gewoon om het op te ruimen een beetje en maak een aantal noodzakelijke aanpassingen! In het eerste voorbeeld heeft het een brandpunt (de rotsuitsnijding), maar mist het interesse in andere delen van het schilderij. De toevoeging van enkele cottonwood bomen op de halve fond was precies wat het nodig had om alle interesse in de rotsen tegen te gaan en evenwicht te geven aan het geheel. De “slapende Indiaan” was interessant voor mij toen ik het voor het eerst schilderde, maar ik voelde een behoefte aan wat meer interesse op het grondvlak. De cottonwoods fungeren nu als een evenwichtsgewicht als secundaire en tertiaire focal points voor het werkelijke onderwerp. Ze leiden ook het oog in het beeld en omhoog de rotsformatie, die zowel als onderwerp als het centrum van belang werkt.

Like this? Klik hier om u vandaag nog in te schrijven op Plein Air, een gratis nieuwsbrief van de uitgevers van Plein Air Magazine.